LA SAISON à destination des scolaires

Maternelle Primaire Collège Lycée

Que vous soyez enseignant en maternelle, primaire ou dans le second degré, vous trouverez dans cet espace pratique un récapitulatif précis des spectacles adaptés à l’âge de vos élèves. Grâce aux filtres « Jeune public » et « Collèges Lycées », vous visualiserez ainsi d’un seul coup d’œil l’ensemble des propositions susceptibles de vous convenir.

Télécharger la plaquette Jeune Public 2019-2020

Télécharger l'histoire des lieux théâtraux

Artemisia — Danse

Artemisia

Des chorégraphies pour poser un point de vue féminin sur le monde...

La nouvelle création de Serge Ambert, à la distribution entièrement féminine, rend hommage aux femmes, célèbres ou anonymes, qui se sont imposées dans un univers dominé par le masculin. Cette pièce chorégraphiée est le second volet d’un cycle qui en comprendra quatre et qui interroge les sociétés dans lesquelles nous vivons. Il suit Les Blessures volontaires, pièce pour cinq interprètes masculins créée en 2012.

Artemisia évoque une société matrilinéaire ou matriarcale, rythmée par le cycle des saisons. Serge Ambert souhaite poser, par le biais des interprètes, une sorte de point de vue féminin sur le monde et, malgré le sujet grave, le décalage humoristique aura toute sa place. Artemisia sera l’occasion de retrouver la force et les fragilités sincères de cinq interprètes féminines à travers trois mouvements (les chemins, les confidences, la construction).
Cette création s’appuie sur l’artiste peintre Artemisia Gentileschi et sur le témoignage qu’elle a fait lors de son procès : la force qu’elle a montrée à la suite de son viol et la résilience par l’art.
Projections d’images, de vidéos et mise en scène originale viendront compléter les interprétations des cinq danseuses.

La compagnie Les alentours rêveurs est une compagnie de danse contemporaine fondée en 2003 qui porte le travail du chorégraphe Serge Ambert. Son travail s’attache à mettre l’humain au cœur de sa recherche et, l’écriture oscille entre corps théâtral et corps dansant. Les thématiques choisies interrogent notre société, l’identité des individus qui la composent. Ainsi depuis 2004 sont traités des thèmes comme la schizophrénie, la maladie mentale et l’enfermement (La Fêlure du Papillon 2004, Les âmes perdues 2005, Comme un Bond en plein Ciel 2010, Ce que me dit la Nuit 2014), la dualité de l’homme entre masculinité et féminité (Fleurs sanglantes 2009), la reconstruction après le chaos (Les Blessures volontaires 2012), le rituel (La Femme ailée 2012). Une part importante de la recherche est tournée vers la relation à d’autres formes artistiques, la musique contemporaine (Desirata 2007), la musique improvisée (Souffle aux Corps 2011), la littérature (A mots perdus 2015). Vous avez pu voir leur première création pour l’espace public, Entre deux horizons, en juillet 2018 sur le parvis de l’Eglise Saint-Etienne. Depuis 2006 la Cie Les alentours rêveurs est installée à l’Abbaye de Corbigny et a trouvé un écrin idéal pour mener sa recherche et aller à la rencontre des publics.

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Juste la fin du monde (quelques éclaircies...)

La double inconstance

Le Bruit des Loups — Théâtre visuel,Magie

Le Bruit des Loups

Référence incontournable de la magie nouvelle, Etienne Saglio vous propose un voyage dans son imaginaire avec sa nouvelle création.

Dans un monde devenu trop propre, un homme devient myope. Il s’occupe de son ficus et de sa plante verte quand une souris s’immisce dans sa vie. La nature se rappelle à lui et l’emporte lors d’un voyage au clair de lune dans une forêt envoûtante. Nos loups sont-ils mieux cachés pour moins les croiser ? Un géant veille-t-il toujours sur nous quelque part ? Etienne Saglio nous emmène dans les bois et y déploie un bestiaire fantastique orchestré par un étrange renard. De la plante verte qui se rebelle au géant attentionné, du grand cerf à l’ombre des arbres, vivez un retour à la nature, aux animaux et à l’enchantement !
Tendez l’oreille, le bruit des loups résonne en nous comme une pensée sauvage…

Etienne Saglio a passé beaucoup de temps dans son enfance à se promener dans les bois, à y faire des cabanes et à guetter les animaux. La nature est bienveillante et pleine d’émerveillement, mais l’homme semble perdre ce rapport à la nature en vieillissant, voire même s’en méfier. Face à ce constat simple, Etienne Saglio veut reboiser notre imaginaire dans Le Bruit des loups avec des images symboliques de notre rapport à la nature : la pleine lune, les arbres et les loups, les géants et les monstres.

Le travail d’Etienne Saglio s’articule autour de la manipulation d’objets et de la magie. Après une formation au CNAC, il crée son premier spectacle, Variations pour piano et polystyrène (2009) suite à sa rencontre avec la pianiste Madeleine Cazenave. La même année, il crée Le Soir des Monstres puis une installation plastique et magique : Le Silence du Monde (2011). Il s’attache à créer un sentiment magique emprunt de mystère et de poésie, développant le côté sensible de la magie. Dans la continuité de son premier spectacle, il réalise Les Limbes (2014), et toujours dans une recherche esthétique et visuelle, il développe une installation pour l’espace public, Projet Fantôme (2015). Monstre(s) est soutenue par la Fondation BNP Paribas.

Transports allers-retours gratuits (dans la limite des places disponibles) :
- Luzy > Fours > Decize* > Sougy* > La Maison
- Moulins-Engilbert > Chatillon-en-Bazois > St Benin-d'Azy* > La Maison

* Selon places disponibles

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Speakeasy — Cirque

Speakeasy

Cirque de gangsters et musique électro, Speakeasy mêle intelligemment danse, performance circassienne, esthétisme cinématographique et émotion.

Bienvenue dans les années 1930 !
Speakeasy nous plonge au coeur d’un bar clandestin américain au temps de la prohibition. En goguette, revolver à la main et cigare à la bouche, les circassiens de la compagnie The
Rat Pack détournent les codes du film noir avec malice et rendent un bel hommage aux temps muets du septième art.
Pour la petite histoire, Speakeasy est le nom que l’on donnait aux bars clandestins aux Etats-Unis pendant la prohibition. C’est de cet univers qu’est né le titre du spectacle. Outre l’exploration des films de gangsters qui les rassemblent, les six circassiens se passionnent pour toutes les techniques de la création cinématographique, détournées ici pour réinventer leur propre cirque. Ils sont acrobates, danseurs, font de la roue Cyr, du mât chinois ou encore du cerceau aérien et offrent, non sans malice, un spectacle scénarisé où l’on retrouve les codes et autres clichés du film noir. On croise ainsi un chef de la mafia, sa femme, son homme de main, une pin-up, un barman et un bandit, qui à mesure qu’ils apparaissent, transforment les éléments du décor. Les numéros et les disciplines circassiennes disparaissent ainsi pour laisser place à une joyeuse et impressionnante dynamique d’équipe en action permanente. Pour compléter cette démarche artistique singulière, ils ont pris le parti de faire appel au groupe français de hip-hop/électro français Chinese Man, qui puise son art dans toutes les cultures musicales, du dessin animé au cinéma. C’est ainsi qu’ils ont créé une bande son originale unique et parfaitement intégrée au rythme et aux mouvements des artistes.
Ne manquez pas de découvrir ce spectacle original !

« Maîtrise, classe et élégance. » Télématin
« Une intrigue aux rebondissements incessants. » Le Canard Enchaîné
« Les acrobaties sont époustouflantes. » JT M6
« Speakeasy renouvelle les arts de la piste. » Le Figaro
« L’impression d’être dans un film de gangsters. » TSF Jazz

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Un petit coin de ciel — Théâtre visuel,Danse

Un petit coin de ciel

Dans ce spectacle poétique et visuel dédié aux enfants de 18 mois à 6 ans, les jeunes spectateurs sont invités à la rencontre du ciel par le jeu de la danse, avec les images, les objets en suspension ou en mouvement, et la musique. À travers une écriture chorégraphique exigeante, adaptée aux tout-petits, Un petit coin de ciel interroge la verticalité, l’envol, l’apesanteur et le déséquilibre. Interprété par Mélisande Carré-Angeli en solo, ce conte est une histoire sans paroles, un monde en suspension fait de transparence, de souffle et de mouvement, à la rencontre des nuages, du vent, des oiseaux, des papillons, de l’immensité de la nuit... et d’un ange qui passe.

De 18 mois à 6 ans.

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Dimanche Napalm — Théâtre

Dimanche Napalm

Face au silence mystérieux d’un fils, une famille se dévoile. Une pièce poignante.

Cloîtré chez ses parents à la suite d’une tentative de suicide ratée qui l’a amené à être en fauteuil roulant, un jeune homme se tait obstinément. À 24 ans, après avoir vécu le vacarme du Printemps érable, après avoir cru que les choses allaient changer suite à cette révolte étudiante, il s’est retrouvé dans le même univers émaillé des mêmes discours et de la même corruption. Sa révolte s’est emmurée dans son mutisme.
Le silence du fils devient alors révélateur d’inconforts et conduit les siens à livrer par petites doses leurs secrets les mieux enfouis, tandis que rôde autour d’eux l’ombre de la grand-mère.
Dimanche Napalm est né du choc de deux images : le quarantième anniversaire de la photo intitulée La jeune fille au napalm, célèbre cliché d’une petite-fille vietnamienne brûlée au napalm et courant pour fuir l’horreur, et une photo de jeunes Québécois marchant dans la rue lors des printemps érables. Troublé par le contraste des deux photos, Sébastien David a imaginé et écrit Dimanche Napalm, oscillant entre humour et drame en posant la question du mutisme du fils. Renaud Diligent, à la tête de la compagnie dijonnaise Ces Messieurs Serieux depuis 2010, met ici en scène cette oeuvre québécoise.

"Maniant une langue moins crue mais toujours incisive, cet auteur qui aime décrocher du réalisme dans la forme, insiste sur l’humour dans Dimanche Napalm." Le Devoir
"Un portrait saisissant de la société québécoise actuelle. Désillusionné, mais très drôle aussi." lapresse.ce

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Théâtre

Dimanche Napalm

Face au silence mystérieux d’un fils, une famille se dévoile. Une pièce poignante.

Cloîtré chez ses parents à la suite d’une tentative de suicide ratée qui l’a amené à être en fauteuil roulant, un jeune homme se tait obstinément. À 24 ans, après avoir vécu le vacarme du Printemps érable, après avoir cru que les choses allaient changer suite à cette révolte étudiante, il s’est retrouvé dans le même univers émaillé des mêmes discours et de la même corruption. Sa révolte s’est emmurée dans son mutisme.
Le silence du fils devient alors révélateur d’inconforts et conduit les siens à livrer par petites doses leurs secrets les mieux enfouis, tandis que rôde autour d’eux l’ombre de la grand-mère.
Dimanche Napalm est né du choc de deux images : le quarantième anniversaire de la photo intitulée La jeune fille au napalm, célèbre cliché d’une petite-fille vietnamienne brûlée au napalm et courant pour fuir l’horreur, et une photo de jeunes Québécois marchant dans la rue lors des printemps érables. Troublé par le contraste des deux photos, Sébastien David a imaginé et écrit Dimanche Napalm, oscillant entre humour et drame en posant la question du mutisme du fils. Renaud Diligent, à la tête de la compagnie dijonnaise Ces Messieurs Serieux depuis 2010, met ici en scène cette oeuvre québécoise.

"Maniant une langue moins crue mais toujours incisive, cet auteur qui aime décrocher du réalisme dans la forme, insiste sur l’humour dans Dimanche Napalm." Le Devoir
"Un portrait saisissant de la société québécoise actuelle. Désillusionné, mais très drôle aussi." lapresse.ce

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Natchav

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Les Royaumes — Danse

Les Royaumes

Les mouvements amples et généreux des danseurs se doivent, selon le credo fort de la Cie Adéquate, de ne pas exclure, mais au contraire, de rassembler les publics. Pour une sociologie dansée.

Huit danseurs forment une masse, une vague sans fin et sans répit, l’afflux d’une force souple et fluide qui ne s’immobilise jamais. Ce groupe formé d’individualités s’organise, désigne des leaders, élabore des stratégies, s’unit et se défie dans la marche et le chant. Les danseurs semblent se préparer à un conflit imminent...qui n’arrive jamais, puisqu'ici, l’excellence consiste à vaincre sans combattre.
Le point de départ de ce projet est le livre L’Art de la Guerre, un texte classique attribué au général chinois Sun Tzu (VIe siècle av. J.-C.). Au cours des siècles, cet ouvrage de stratégie militaire a trouvé écho dans le domaine des affaires, de la politique, du sport. Si L’Art de la Guerre rencontre autant de succès, c’est que les intuitions de Sun Tzu s’appliquent à tous les conflits, qu’ils soient à grande échelle ou plus intimes. Il ne traite pas tant de combats que de la manière dont on peut les résoudre. Ici la stratégie l’emporte sur la force, telle l’eau, il s’agit de ne pas résister mais d’apprendre à se laisser porter par le mouvement des choses.
La compagnie centre sa danse fluide, tout en dialogues et en échanges, autour d’une question fondatrice à son répertoire : notre rapport à l’autre ; rapports amoureux ou fraternels, de ceux qui nous fondent ou qui nous traversent, tout contre l’intime ou au coeur de la sphère professionnelle, et même au-delà, nos rapports politiques, géopolitiques...
Adéquate entend mêler un degré d’accessibilité avec le devoir d’exigence lié à l’essence même de son art, la danse contemporaine. Trois ans après Job, ils font leur retour sur la scène de La Maison pour cette création !

Transports aller-retour gratuits (dans la limite des places disponibles et sur réservations) :
- Decize > Sougy-sur-Loire* > La Maison
- Moulins-Engilbert > Châtillon-en-Bazois > Saint-Benin-d'Azy* > La Maison
*Selon places disponibles

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Danse

Les Royaumes

Les mouvements amples et généreux des danseurs se doivent, selon le credo fort de la Cie Adéquate, de ne pas exclure, mais au contraire, de rassembler les publics. Pour une sociologie dansée.

Huit danseurs forment une masse, une vague sans fin et sans répit, l’afflux d’une force souple et fluide qui ne s’immobilise jamais. Ce groupe formé d’individualités s’organise, désigne des leaders, élabore des stratégies, s’unit et se défie dans la marche et le chant. Les danseurs semblent se préparer à un conflit imminent...qui n’arrive jamais, puisqu'ici, l’excellence consiste à vaincre sans combattre.
Le point de départ de ce projet est le livre L’Art de la Guerre, un texte classique attribué au général chinois Sun Tzu (VIe siècle av. J.-C.). Au cours des siècles, cet ouvrage de stratégie militaire a trouvé écho dans le domaine des affaires, de la politique, du sport. Si L’Art de la Guerre rencontre autant de succès, c’est que les intuitions de Sun Tzu s’appliquent à tous les conflits, qu’ils soient à grande échelle ou plus intimes. Il ne traite pas tant de combats que de la manière dont on peut les résoudre. Ici la stratégie l’emporte sur la force, telle l’eau, il s’agit de ne pas résister mais d’apprendre à se laisser porter par le mouvement des choses.
La compagnie centre sa danse fluide, tout en dialogues et en échanges, autour d’une question fondatrice à son répertoire : notre rapport à l’autre ; rapports amoureux ou fraternels, de ceux qui nous fondent ou qui nous traversent, tout contre l’intime ou au coeur de la sphère professionnelle, et même au-delà, nos rapports politiques, géopolitiques...
Adéquate entend mêler un degré d’accessibilité avec le devoir d’exigence lié à l’essence même de son art, la danse contemporaine. Trois ans après Job, ils font leur retour sur la scène de La Maison pour cette création !

Transports aller-retour gratuits (dans la limite des places disponibles et sur réservations) :
- Decize > Sougy-sur-Loire* > La Maison
- Moulins-Engilbert > Châtillon-en-Bazois > Saint-Benin-d'Azy* > La Maison
*Selon places disponibles

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La Cigale sans la Fourmi — Comédie musicale

La Cigale sans la Fourmi

La Cigale sans la Fourmi détourne les Fables de La Fontaine pour le plaisir des petits et des grands. Une comédie musicale colorée pour toute la famille !

Vous souhaitez partir au pays des fables de Jean de La Fontaine, écrites il y a maintenant plus de trois siècles ? Bienvenue au royaume de Fabulie... Chaque personnage des grandes fables de La Fontaine interprète perpétuellement son rôle avec un sérieux admirable. Pour la 23743ème fois, Renard vole le camembert de Corbeau, Lièvre fait le fou et Grenouille est sur le point d’exploser quand... Tout à coup Fourmi fait irruption : “La Cigale a disparu !!”
Quel destin horrible attend la pauvre Cigale ? Ses amis réussiront-ils à la retrouver ?
Partagez cette aventure avec Renard, Lièvre, Grenouille et Fourmi à travers les différents mondes et personnages loufoques de La Fontaine. Vous reconnaîtrez les personnages des fables les plus connus, mais en découvrirez également d'autres, comme un clin d’oeil admiratif à ce véritable océan littéraire souterrain...
Embarquez dans cette folle épopée musicale qui entraînera nos quatre héros au pays des fables oubliées !

"Grâce à ces amitiés entrecroisées et au texte plein d’humour, nul doute que les plus jeunes spectateurs vont terriblement s’attacher à ces personnages. Leurs parents ne seront pas en reste, car le texte regorge d’humour à différents degrés." Musicalavenue.fr
"La Cigale sans la Fourmi est, plus qu’un autre spectacle jeune public, une comédie musicale de qualité, qui nous replonge dans une situation à laquelle petits et grands ont tous été confrontés au moins une fois : une fable récitée, les genoux tremblants, devant la classe..." regardencoulisse.com

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Blanche-Neige, histoire d’un prince

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Les Naufragés

La Vie de Galilée

Je n’ai pas peur — Théâtre / Marionnettes

Je n’ai pas peur

Un thriller marionnettique spectaculaire, qui vous tiendra en haleine jusqu'à la dernière seconde de ce récit palpitant.

Été 1978, sud de l’Italie. Michele, 9 ans, perd une course et le gage imposé consiste à explorer une maison abandonnée, en ruines. Lors de cette exploration il découvre un trou caché dans une cour intérieure au fond duquel il y a quelqu’un : Mort ? Vivant ? Monstre ? Humain ? Sa fantaisie galopante se met en marche. Finalement Michele décide de taire son secret : il s’agit d’un enfant de son âge (Filippo) enchaîné au fond du trou. Il reviendra à plusieurs reprises en se questionnant sur le pourquoi de cette captivité et se liera d’amitié avec cet étrange personnage qui parle de ratons-laveurs et du Seigneur des vers. Enquête qui risque de le conduire à bien d’autres découvertes et bouleverser à jamais son enfance... Martial Anton et Daniel Calvo Funes, happés par le roman de Niccolò Ammaniti, drôle, cruel et passionnant, renouent ici l’adaptation de ce récit poignant, approfondissant ainsi leur art de la marionnette.
Venez suivre le rythme haletant des aventures de Michele et de sa bande, qui nous questionne en boomerang avec candeur et sensibilité sur le fondement et la portée de nos actes. Un conte initiatique brillamment mis en scène.

"Un grand moment de théâtre admirablement servi partrois talentueux comédiens de la compagnie Tro-héol." Le Télégramme
"Très beau récit initiatique, Je n’ai pas peur va à l’essentiel, posé en équilibre délicat entre cruauté, mystère, émotion, horreur et tendresse. Le suspens va crescendo, jusqu’au final, bouleversant. Sans doute le chef d’oeuvre de Tro-Héol, qui nous avait pourtant habitués à de sacrées expériences théâtrales." Ouest France
"Ce thriller marionnettique de la compagnie Tro-Héol est particulièrement abouti." Magazine Théâtre(s)

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L’angoisse du roi Salomon — Théâtre

L’angoisse du roi Salomon

L’improbable destin d’un ancien roi du pantalon nous est conté par Jean, son chauffeur de taxi, devenu complice du riche retraité.

Paris, 1978. Au volant de son taxi, Jean n’a que 25 ans, une gueule de voyou pour les hommes, une gueule d’amour pour les dames... Il est autodidacte et s’instruit tout seul dans les dictionnaires.
A l’arrière, il a chargé l’élégant Salomon Rubinstein, 84 ans, dit « Le Roi Salomon » qui après avoir fait fortune dans le prêt-à-porter, a décidé de « prodiguer ses largesses à ceux qui n’y croient plus... ». Salomon scrute curieusement le visage de Jean, l’invite à prendre un café, et finit par l’embaucher comme chauffeur personnel. Peu à peu, il découvre la solitude du vieux Salomon, sa colère volcanique, ses amours mal éteintes avec Cora Lamenaire, une ancienne chanteuse réaliste qu’il a connue avant-guerre...

Vingt-cinq ans plus tard, Jean nous raconte sa rencontre miraculeuse avec Monsieur Salomon, dans la langue gouailleuse et malicieuse de Romain Gary, sous le pseudonyme d’Emile Ajar. Il nous entraine sur les trottoirs d’un Paris populaire, de la rue du sentier aux Champs-Elysées, dans sa course folle pour rattraper le temps perdu entre Salomon et Cora.

Après le succès de La Promesse de l’aube, Bruno Abraham-Kremer, comédien et metteur en scène, ici seul en scène, vous convie à un nouveau voyage initiatique et humoristique entre Chaplin et les Tontons Flingueurs.

"Bruno Abraham-Kremer interprète avec une maestria jubilatoire l’adaptation du roman de Romain Gary, réalisée avec Corine Juresco. Un magnifique spectacle, drôle et bouleversant." La Terrasse

"Quand la littérature rencontre un formidable acteur, cela donne un très bon moment de théâtre." Scene web

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Oscyl — Danse

Oscyl

Rencontre inédite entre sept danseurs et sept sculptures, Oscyl est un ballet ludique et inventif !

Pour cette nouvelle création, Héla Fattoumi et Eric Lamoureux ont conçu sept sculptures biomorphiques à échelle humaine.
Nommées « Oscyls », en lien avec leur capacité d’osciller et de s’animer en contact des danseurs, elles sont inspirées de la sculpture Entité Ailée de Hans Arp. Les danseurs permettent aux Oscyls de basculer, arpenter, tourbillonner, leur offrent un souffle, n’ayant ni fondation ni socle. Ils vont au contact et cherchent à inventer un langage, par le toucher. Chaque signal, chaque impulsion, chaque approche appelle une réaction qui provoque le dialogue. On ne sait plus qui déclenche et qui réagit, la relation devient étrange et inédite.

Semblables à des marionnettes, les Oscyls réagissent au mouvement, l’amplifient, le transforment, le déjouent et parfois le prolongent. Mais, si la marionnette répond précisément aux intentions de son « manipulateur », les Oscyls, eux, une fois lancées, semblent dotées d’une étrange autonomie. Une fois déclenchées, elles ont le pouvoir de dilater ou de comprimer le temps, entraînant les danseurs dans des danses réactives variant d’une grande délicatesse à une ivresse jubilatoire.

À la croisée de la danse, des arts plastiques, du théâtre d’objets, du théâtre de marionnettes, Oscyl est un spectacle de danse étonnant à découvrir en grande salle !

"Des sept danseurs, chacun entretient une relation spéciale avec « son » Oscyl. Douceur ou violence, intimité, proximité ou distance. On joue, on danse, on dort, on rêve et on se dispute avec ce partenaire aussi réel que fantasmé." Danser canal historique

L'espace de garderie culturelle Les lutins malicieux accueille vos enfants de 4 à 12 ans pendant le spectacle.

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Danse

Oscyl

Rencontre inédite entre sept danseurs et sept sculptures, Oscyl est un ballet ludique et inventif !

Pour cette nouvelle création, Héla Fattoumi et Eric Lamoureux ont conçu sept sculptures biomorphiques à échelle humaine.
Nommées « Oscyls », en lien avec leur capacité d’osciller et de s’animer en contact des danseurs, elles sont inspirées de la sculpture Entité Ailée de Hans Arp. Les danseurs permettent aux Oscyls de basculer, arpenter, tourbillonner, leur offrent un souffle, n’ayant ni fondation ni socle. Ils vont au contact et cherchent à inventer un langage, par le toucher. Chaque signal, chaque impulsion, chaque approche appelle une réaction qui provoque le dialogue. On ne sait plus qui déclenche et qui réagit, la relation devient étrange et inédite.

Semblables à des marionnettes, les Oscyls réagissent au mouvement, l’amplifient, le transforment, le déjouent et parfois le prolongent. Mais, si la marionnette répond précisément aux intentions de son « manipulateur », les Oscyls, eux, une fois lancées, semblent dotées d’une étrange autonomie. Une fois déclenchées, elles ont le pouvoir de dilater ou de comprimer le temps, entraînant les danseurs dans des danses réactives variant d’une grande délicatesse à une ivresse jubilatoire.

À la croisée de la danse, des arts plastiques, du théâtre d’objets, du théâtre de marionnettes, Oscyl est un spectacle de danse étonnant à découvrir en grande salle !

"Des sept danseurs, chacun entretient une relation spéciale avec « son » Oscyl. Douceur ou violence, intimité, proximité ou distance. On joue, on danse, on dort, on rêve et on se dispute avec ce partenaire aussi réel que fantasmé." Danser canal historique

L'espace de garderie culturelle Les lutins malicieux accueille vos enfants de 4 à 12 ans pendant le spectacle.

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Sauvages — Théâtre musical

Sauvages

Sauvages, dont le nom est inspiré d’un rondeau des Indes galantes de Rameau, est une fresque baroque mêlant voix, clavecin, musique électroacoustique et vidéo. Seule en scène, une femme revient dans un lieu du passé étrangement habité d’oiseaux. Elle va peu à peu rencontrer et accepter cette présence qui va avoir un pouvoir libérateur au subtil goût sauvage...
Images projetées sur toutes sortes de support dont le clavecin, musique baroque jouée et chantée en direct, sons électroacoustiques, tout est là pour créer des trompe-l’oeil qui ouvrent l’imaginaire vers des chemins insolites, poétiques et inviter les spectateurs à un monde de sortilèges et de fantaisie.

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La machine de Turing

Cirque Eloize — Cirque

Cirque Eloize

Passez les portes du Saloon ! Planche coréenne, sangles aériennes, roue Cyr, main à main, lasso et mouvements de diverses inspirations sont au service d’une histoire d’amour rocambolesque où presque tout est permis.

Pour sa onzième création originale, le Cirque Éloize vous plonge dans le riche univers du Far West. L’Amérique est en pleine construction. Le chemin de fer se développe. Une ville s’anime, le Saloon ouvre ses portes. Lieu de rassemblement et de rencontres, il devient théâtre de toutes les histoires. En se laissant charmer par la belle de Saloon, l’amoureux déclenche une poursuite digne des grands westerns.
Une série de situations des plus loufoques s’ensuit au rythme des prouesses acrobatiques et des chorégraphies originales. Les tourtereaux en déroute sèment l’émoi partout sur leur passage; des plaines désertiques aux profondeurs des mines, jusqu’à l’ultime duel... L’ambiance mythique du saloon est portée par la musique live et la cadence exaltée des performances. Un spectacle au rythme effréné qui impressionnera un public de tous les âges !

Considéré depuis 25 ans comme un chef de file du cirque contemporain, le Cirque Éloize conjugue les arts du cirque aux autres formes d’art ainsi qu’à la technologie, pour combler les attentes d’un public en quête d’un divertissement riche de sens. Ses créations, dont iD, Cirkopolis et Saloon, ont été acclamées par plus de 3,5 millions de spectateurs et cumulent plus de 5 000 représentations réparties dans quelques 550 villes à travers le monde. Pour le 25è anniversaire du cirque, La Maison vous propose Saloon, une création touchante et empreinte de poésie.

"À travers les nombreux numéros de danse acrobatique, quelques prouesses aériennes viennent rappeler qu'on a ici à faire à un cirque reconnu à l'international pour le niveau de ses acrobates autant que pour sa créativité." Le Nouvelliste, Trois-Rivières
"Un mélange de poésie, d'acrobaties, de bonne humeur et de rythme vivifiant." Le Figaro

Transport aller-retour gratuit (dans la limite des places disponibles et sur réservations) :
Clamecy > Varzy* > La Maison
*Selon places disponibles

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Prélude en bleu majeur — Théâtre musical

Prélude en bleu majeur

Prélude en bleu majeur projette Monsieur Maurice dans le monde vertigineux de la peinture abstraite de Vassily Kandinsky.

Surpris dans sa routine quotidienne, le personnage bascule dans un univers visuel extraordinaire, peuplé de formes, de couleurs et d’apparitions virtuelles sorties tout droit des tableaux du peintre. Elles l’entrainent au cœur de l’imaginaire et de la création... et invitent à une découverte surprenante et ludique de l’art abstrait. Une lecture originale de l’oeuvre de Kandinsky à travers un langage scénique propre au théâtre gestuel, visuel et musical. Entre mime et arts visuels, elle confronte le monde décalé et burlesque de Mr Maurice et l’univers graphique du maître des formes et des couleurs.

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Théâtre musical

Prélude en bleu majeur

Prélude en bleu majeur projette Monsieur Maurice dans le monde vertigineux de la peinture abstraite de Vassily Kandinsky.

Surpris dans sa routine quotidienne, le personnage bascule dans un univers visuel extraordinaire, peuplé de formes, de couleurs et d’apparitions virtuelles sorties tout droit des tableaux du peintre. Elles l’entrainent au cœur de l’imaginaire et de la création... et invitent à une découverte surprenante et ludique de l’art abstrait. Une lecture originale de l’oeuvre de Kandinsky à travers un langage scénique propre au théâtre gestuel, visuel et musical. Entre mime et arts visuels, elle confronte le monde décalé et burlesque de Mr Maurice et l’univers graphique du maître des formes et des couleurs.

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Feu

Juste la fin du monde (quelques éclaircies...)

L’effort d’être spectateur — Théâtre

L’effort d’être spectateur

Conférence brillante ou performance foireuse ? Un portrait déstructuré du spectateur de théâtre.

Quelques papiers volants et accessoires rassemblent les prises de position, les points de vue et observations d’un homme de théâtre. Pierre Notte, chapeau vissé sur la tête, aborde le travail de l’acteur, de l’auteur, du metteur en scène et des artistes de la scène avec plus ou moins de bonheur. L’oeil bleu pétillant, il crée d’emblée une connivence avec le public, l’entrainant dans un marathon de réflexions pleines d'humour sur le théâtre. Qu’est-ce qui rend le théâtre si différent du cinéma et de la télé ? Et surtout, qu’est-ce qui rend son spectateur si différent ? Qu’attend-il ? À quoi s’expose-t-il ?
L’auteur raconte son expérience, ses ratages, ses aspirations, ses considérations autour des métiers du spectacle vivant, autour de l’état et de l’effort d’être spectateur.
À l’aide d’un verre d’eau, d’un harmonica et d’un hula-hoop, l’auteur illustre son propos par des images réussies ou ratées pour prouver que le spectateur est avant tout un travailleur de la pensée et de l’imagination. Outre le fait de faire souvent rire sans méchanceté, Pierre Notte nous entraîne avant tout à réfléchir sur les relations humaines. Un spectacle qui permet de découvrir et d’appréhender le rôle de chacun dans cette magie qu’est la mise en scène d’une pièce de théâtre.

"Pierre Notte est un auteur puissant et drôlissime, salué par les Molières, la SACD et l’Académie Française... […]" La Provence
"«L’effort d’être spectateur», dernier opus théâtral écrit, mis en scène et joué par Pierre Notte en a surpris plus d’un !" Vaucluse Matin
"D’un ton léger, absurde, humoristique et malin, Pierre Notte fait rire et parvient même, de par une bienveillance évidente envers le public, à faire rire des travers de certains spectateurs." Lebruitduoff.com

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Lodka — Théâtre Burlesque

Lodka

Sans un seul mot mais avec une justesse poignante et un humour incisif, ces artistes nous communiquent leurs rêves, leurs chagrins, leurs espoirs et leur humanité.

Après une tournée mondiale et des spectacles à guichets fermés pour La Famille Semianyki, quatre des artistes de la joyeuse troupe de ces clowns frappadingues reviennent avec LoDka. Les acteurs, touchants et drôles, s’inspirent de leur propre expérience en tant que troupe de théâtre : ils sont piégés dans les personnages d’une pièce dont l’écriture échappe à tout contrôle. Assis dans un petit bateau au milieu d’un océan sans fin, ils sont chahutés par des vagues de situations rocambolesques. Et l’impossibilité de s’en échapper les rend complètement fous ! Toutefois, à mesure que s’écrit leur histoire, ils commencent à en saisir l’essentiel. Ils comprennent avec joie qu’ils sont un refuge les uns pour les autres et qu’il n’est pas de meilleur endroit pour jeter l’ancre que le centre du cercle qu’ils forment ensemble. Sergey Byzgu, metteur en scène et artiste honoré de Russie, réussit le mariage miraculeux de la poésie avec le comique. Passés maîtres dans l’art du clown, les créateurs de LoDka sont des mimes hors-pairs, qui communiquent avec un langage corporel si riche, et si nuancé qu’il en devient universel.
Pour cette nouvelle aventure, les artistes ont invité Natalia Parashkina, une comédienne brillante au talent aussi exceptionnel qu’excentrique, qui a joué plus de trente rôles au cinéma et a participé à de nombreux projets pour les théâtres russes les plus prestigieux. Le jeu et l’humour brillants des comédiens vont à coup sûr vous immerger dans des spéculations sur le sens de la vie !

"Les acteurs ont un talent incroyable, des expressions et des mimiques captivantes ainsi qu’un jeu de scène renversant." La Provence
"Un inclassable à courir découvrir." Télérama sortir
"On est touché et on rit en même temps. Alors, l’art du clown atteint son sommet." Le Figaro

Un circuit de bus gratuit est mis en place par Tanéo sur ce spectacle.

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Théâtre Burlesque

Lodka

Sans un seul mot mais avec une justesse poignante et un humour incisif, ces artistes nous communiquent leurs rêves, leurs chagrins, leurs espoirs et leur humanité.

Après une tournée mondiale et des spectacles à guichets fermés pour La Famille Semianyki, quatre des artistes de la joyeuse troupe de ces clowns frappadingues reviennent avec LoDka. Les acteurs, touchants et drôles, s’inspirent de leur propre expérience en tant que troupe de théâtre : ils sont piégés dans les personnages d’une pièce dont l’écriture échappe à tout contrôle. Assis dans un petit bateau au milieu d’un océan sans fin, ils sont chahutés par des vagues de situations rocambolesques. Et l’impossibilité de s’en échapper les rend complètement fous ! Toutefois, à mesure que s’écrit leur histoire, ils commencent à en saisir l’essentiel. Ils comprennent avec joie qu’ils sont un refuge les uns pour les autres et qu’il n’est pas de meilleur endroit pour jeter l’ancre que le centre du cercle qu’ils forment ensemble. Sergey Byzgu, metteur en scène et artiste honoré de Russie, réussit le mariage miraculeux de la poésie avec le comique. Passés maîtres dans l’art du clown, les créateurs de LoDka sont des mimes hors-pairs, qui communiquent avec un langage corporel si riche, et si nuancé qu’il en devient universel.
Pour cette nouvelle aventure, les artistes ont invité Natalia Parashkina, une comédienne brillante au talent aussi exceptionnel qu’excentrique, qui a joué plus de trente rôles au cinéma et a participé à de nombreux projets pour les théâtres russes les plus prestigieux. Le jeu et l’humour brillants des comédiens vont à coup sûr vous immerger dans des spéculations sur le sens de la vie !

"Les acteurs ont un talent incroyable, des expressions et des mimiques captivantes ainsi qu’un jeu de scène renversant." La Provence
"Un inclassable à courir découvrir." Télérama sortir
"On est touché et on rit en même temps. Alors, l’art du clown atteint son sommet." Le Figaro

Un circuit de bus gratuit est mis en place par Tanéo sur ce spectacle.

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Attrape moi — Théâtre musical

Attrape moi

En s’inspirant des activités ludiques des enfants qui jouent, imitent, reproduisent et interagissent avec leur environnement, Frédéric Obry a eu l’envie de traduire dans un poème visuel et musical le processus de la représentation de lui-même chez l’enfant, mais aussi de nous interpeller sur la puissance de l’image et des interprétations et déformations auxquelles elle peut être assujettie.
Le Je et le Jeu, l’émoi de la découverte du moi, le narcissisme dans son sens le plus noble et l’altérité comme source d’enrichissement et d’ouverture sont au coeur du sujet abordé dans Attrape moi.

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Théâtre musical

Attrape moi

En s’inspirant des activités ludiques des enfants qui jouent, imitent, reproduisent et interagissent avec leur environnement, Frédéric Obry a eu l’envie de traduire dans un poème visuel et musical le processus de la représentation de lui-même chez l’enfant, mais aussi de nous interpeller sur la puissance de l’image et des interprétations et déformations auxquelles elle peut être assujettie.
Le Je et le Jeu, l’émoi de la découverte du moi, le narcissisme dans son sens le plus noble et l’altérité comme source d’enrichissement et d’ouverture sont au coeur du sujet abordé dans Attrape moi.

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La magie lente — Théâtre

La magie lente

Benoît Giros, seul en scène, vous transporte dans cette histoire poignante en interprétant les trois rôles de la pièce.

Lors d’un colloque en psychiatrie, un praticien fait une communication sur une erreur de diagnostic.
Il s’appuie sur le cas de M. Louvier, diagnostiqué comme atteint de schizophrénie il y a dix ans. Son suivi psychiatrique est sans résultat. Lorsque celui-ci s’adresse à un nouveau praticien, il découvre qui il est vraiment. Guidé par ce nouveau psychiatre, l’aidant à avoir confiance en ses réminiscences, il va progressivement se réconcilier avec lui-même. Au fur et à mesure du récit de la tragédie de son enfance, de sa vie, la libération de M.Louvier se dessine. C’est tout l’enjeu de la pièce.
Le texte de Denis Lachaud raconte une histoire atroce et pourtant simple. Il en restitue la douleur mais aussi la lumière. Un être humain, violé dans son enfance, voit sa vie détruite à cause de ce traumatisme. À travers ce changement radical de diagnostic, il va affronter son enfance saccagée, en silence, sans aucun secours. Il va progressivement se reconnecter avec sa propre histoire, à l’opposé de celle qu’il s’était dessinée et qu’on lui avait diagnostiquée et comprendre qui il est, alors qu’il en a été empêché si longtemps, par le monde, la société, le milieu scolaire puis médical, professionnel et psychiatrique, et surtout un oncle, qu’il aurait préféré oublier. Comme un patient parle à son psychanalyste, l’acteur parlera aux spectateurs. Cette découverte effarante fait émerger ses traumatismes, lui permet de les nommer, les tenir à distance, puis se reconstruire.

A partir de 15 ans.

Denis Lachaud : Romancier, homme de théâtre, auteur, metteur en scène et comédien, Denis Lachaud a publié huit romans et sept pièces de théâtre : J’apprends l’allemand, La Forme profonde, Comme personne, Le vrai est au coffre, Prenez l’avion, J’apprends l’hébreu et Ah! ça ira... aux éditions Actes Sud, ainsi que L’Homme inépuisable aux éditions du Chemin de Fer, La Magie lente, Hetero, Ma Forêt fantôme, Moi et ma bouche, L’Une, Survie et La Rivière chez Actes Sud-Papiers. Il est membre du collectif La Forge depuis 2003.
Pierre Notte : Auteur, compositeur, metteur en scène, comédien, Pierre Notte a été animateur dans un centre de loisirs, journaliste, et secrétaire général de la Comédie-Française. Il est depuis 2009 auteur associé et rédacteur en chef au Théâtre du Rond-Point. Son roman J’ai tué Barbara, suivi de La chanson de Mme Rosenfelt, vient de paraître aux Editions Philippe Rey. Quitter le rang des assasins sort le 18 Avril dans la collection Blanche de Gallimard. Il est chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.

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7 m² — Danse / Arts visuels

7 m²

Danse, théâtre et arts visuels se mêlent, fascinant petits et grands. Un voyage émotionnel, sensoriel, visuel et auditif !

7m² s’inspire du célèbre conte Hänsel et Gretel, et plus particulièrement de l’univers graphique proposé par le peintre et illustrateur italien, Lorenzo Mattotti. Dans une alternance d’ombre et de lumière, deux danseurs évoluent et mettent en place un dialogue des corps et des gestes. Un savant jeu de lumières délimite l’espace, en créant une véritable sculpture chorégraphique où les arts visuels rencontrent une danse théâtralisée.

Pourquoi 7m² ? C’est la dimension de l’architecture de lumière dans laquelle les danseurs évoluent. Les danseurs se jouent ainsi des représentations d’enfermement, d’espérance et de liberté présentes dans le conte des Frères Grimm, où deux enfants perdus dans la forêt par leurs parents se trouvent aux prises avec une sorcière.
Résolument tournée vers le jeune public, la compagnie auvergnate Le Pied en Dedans conçoit des spectacles comme des sculptures chorégraphiques, transportant le spectateur dans un espace-temps propice à la contemplation. Aurélia Chauveau, chorégraphe, s’est notamment inspirée des travaux d’Anthony Mc Call, cinéaste et plasticien d’avant-garde connu pour ses fi lms et installations de ‘‘lumière-solide’’.

Epuré et minimaliste, 7m² est une incroyable fantasmagorie et une expérience émotionnelle forte. Un petit espace pour de grands rêves !

"Une transposition visuelle du conte populaire qui nous transporte dans un monde de tous les possibles. Magique !" La Montagne

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Verte — Théâtre / Conte

Verte

Quand une fille de sorcière voudrait juste être une enfant comme les autres... Un conte de fées des temps modernes, tendre et drôle.

Verte, 11 ans, a été élevée sans père.
Elle ne regarde plus sa mère avec admiration. Ursule, sa maman, veut qu’elle suive le chemin tout tracé qu’elle a décidé pour elle, qu’elle accepte sa destinée et les traditions familiales : Verte doit devenir sorcière ! Sauf que la jeune fille a le monde de la sorcellerie en horreur, et qu'elle déteste la façon dont sa mère utilise ses pouvoirs. Verte voudrait juste être « normale » et se fondre dans la masse. Se marier et être « comme tout le monde ». Elle ne veut pas devenir une « femme sorcière » comme sa mère et sa grand-mère. Mais elle doit faire face à la pression familiale. Elle est donc envoyée tous les mercredis chez Anastabotte, la grand-mère, pour qu’elle lui apprenne à devenir une grande sorcière...
Bourré d’humour et traversé de fines observations sur la pré-adolescence, ce roman de Marie Desplechin, presque un classique de la littérature jeunesse, pointe des questions fondamentales : qu'est-ce que faire partie d’une famille ? Quelle est la part de l’hérédité dans notre destin ? Mais aussi, comment se construire malgré son histoire familiale ? La metteuse en scène Léna Bréban aborde Verte de manière réaliste, épaulée par un solide quatuor d’acteurs. La petite fille se révélera-t-elle enfin ?

Le livre Verte a été sélectionné par le Ministère de l’Éducation Nationale, et a reçu le Prix Tam-Tam/J’aime lire décerné par le Salon de Montreuil en 1997. Verte a été nommé aux Molières 2019 dans la catégorie Jeune Public.

"Léna Bréban en fait un spectacle savoureux et tonique." Le Figaro
"Les quatre acteurs nous emportent sans effort. Une exubérance commune dans le jeu provoque des avalanches de rires chez les enfants – et ça rit beaucoup, on vous l’assure." Théâtre actu
"L’adaptation et la mise en scène du roman jeunesse de Marie ne manquent pas de qualités et d’humour." Télérama Sortir

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