Billetterie en ligne

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LA SAISON à destination des scolaires

Maternelle Primaire Collège Lycée

Que vous soyez enseignant en maternelle, primaire ou dans le second degré, vous trouverez dans cet espace pratique un récapitulatif précis des spectacles adaptés à l’âge de vos élèves. Grâce aux filtres « Jeune public » et « Collèges Lycées », vous visualiserez ainsi d’un seul coup d’œil l’ensemble des propositions susceptibles de vous convenir.

Télécharger la plaquette Jeune Public 2020-2021

Télécharger l'histoire des lieux théâtraux

Juste la fin du monde (quelques éclaircies...)

Attrape moi — Théâtre musical

Attrape moi

Attrape-moi, prévu le 27 janvier 2021 est annulé en raison de l'évolution de l'épidemie de covid-19.

De façon ludique, Attrape-moi aborde la prise de conscience chez l’enfant du « moi ».

Dans un univers bucolique et intemporel, un musicien-poète aime se laisser bercer par son imagination, entendre, voir et toucher le monde, jouir de tout ce qui l’entoure. À la rencontre de son reflet, des jeux de cache-cache commencent. Ce double lui joue des tours, se transforme, apparait et disparait au gré de ses caprices et de ses envies. Ensemble, ils vont se découvrir, se surprendre, se questionner, jouer et interagir pour mieux se comprendre, se connaître, et construire peu à peu une identité unifiée.
Frédéric Obry, musicien poly-instrumentiste, membre emblématique du groupe Zic Zazou et créateur de lutherie originale, prend pour point de départ le stade du miroir pour nous entraîner à porter un regard sur la construction de la conscience de soi chez l’enfant. Comment en jouant, imitant, reproduisant, interagissant avec ce qui l’entoure, celui-ci mesure-t-il son individualité pour mieux se tourner vers l’autre ?
De façon poétique et musicale, les arts visuels, la lutherie expérimentale, la voix et la guitare magnifiée par des traitements sonores variés et audacieux, donnent une dimension psychédélique et onirique à la pièce. Attrape-moi est l’occasion d’observer ces jeux de reflets, d’écho, de réverbération et de répétition visuels et sonores, comme une réflexion sur les processus de la représentation et sur la puissance de l’image.

La Waide Cie a pour objectif la création, la production et la diffusion de spectacles de théâtre musical à destination de l’enfance. Après Les Frères Bricolo en 2019, Frédérique Obry est de retour à Nevers, avec toujours le désir d’aller à la rencontre du jeune public par les formes légères et techniquement autonomes.

Initialement programmé le 25/03/2020, ce spectacle a été reporté en raison du Covid-19.

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La magie lente — Théâtre

La magie lente

En raison de l'évolution de l'épidémie, nous sommes contraints d'annuler la représentation de La Magie lente prévue e 23 février. Merci de retourner vos billets accompagnés d'un RIB dans la boîte aux lettres de La Maison afin de vous faire rembourser.

Benoît Giros, seul en scène, vous transporte dans cette histoire poignante en interprétant les trois rôles de la pièce.

Lors d’un colloque en psychiatrie, un praticien fait une communication sur une erreur de diagnostic.
Il s’appuie sur le cas de M. Louvier, diagnostiqué comme atteint de schizophrénie il y a dix ans. Son suivi psychiatrique est sans résultat. Lorsque celui-ci s’adresse à un nouveau praticien, il découvre qui il est vraiment. Guidé par ce nouveau psychiatre, l’aidant à avoir confiance en ses réminiscences, il va progressivement se réconcilier avec lui-même. Au fur et à mesure du récit de la tragédie de son enfance, de sa vie, la libération de M.Louvier se dessine. C’est tout l’enjeu de la pièce.
Le texte de Denis Lachaud raconte une histoire atroce et pourtant simple. Il en restitue la douleur mais aussi la lumière. Un être humain, violé dans son enfance, voit sa vie détruite à cause de ce traumatisme. À travers ce changement radical de diagnostic, il va affronter son enfance saccagée, en silence, sans aucun secours. Il va progressivement se reconnecter avec sa propre histoire, à l’opposé de celle qu’il s’était dessinée et qu’on lui avait diagnostiquée et comprendre qui il est, alors qu’il en a été empêché si longtemps, par le monde, la société, le milieu scolaire puis médical, professionnel et psychiatrique, et surtout un oncle, qu’il aurait préféré oublier. Comme un patient parle à son psychanalyste, l’acteur parlera aux spectateurs. Cette découverte effarante fait émerger ses traumatismes, lui permet de les nommer, les tenir à distance, puis se reconstruire.

A partir de 15 ans.

Denis Lachaud : Romancier, homme de théâtre, auteur, metteur en scène et comédien, Denis Lachaud a publié huit romans et sept pièces de théâtre : J’apprends l’allemand, La Forme profonde, Comme personne, Le vrai est au coffre, Prenez l’avion, J’apprends l’hébreu et Ah! ça ira... aux éditions Actes Sud, ainsi que L’Homme inépuisable aux éditions du Chemin de Fer, La Magie lente, Hetero, Ma Forêt fantôme, Moi et ma bouche, L’Une, Survie et La Rivière chez Actes Sud-Papiers. Il est membre du collectif La Forge depuis 2003.
Pierre Notte : Auteur, compositeur, metteur en scène, comédien, Pierre Notte a été animateur dans un centre de loisirs, journaliste, et secrétaire général de la Comédie-Française. Il est depuis 2009 auteur associé et rédacteur en chef au Théâtre du Rond-Point. Son roman J’ai tué Barbara, suivi de La chanson de Mme Rosenfelt, vient de paraître aux Editions Philippe Rey. Quitter le rang des assasins sort le 18 Avril dans la collection Blanche de Gallimard. Il est chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.

Initialement programmé le 31/03/2020, ce spectacle a été reporté en raison du Covid-19.

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7 m² — Danse / Arts visuels

7 m²

Danse, théâtre et arts visuels se mêlent, fascinant petits et grands. Un voyage émotionnel, sensoriel, visuel et auditif !

7m² s’inspire du célèbre conte Hänsel et Gretel, et plus particulièrement de l’univers graphique proposé par le peintre et illustrateur italien, Lorenzo Mattotti. Dans une alternance d’ombre et de lumière, deux danseurs évoluent et mettent en place un dialogue des corps et des gestes. Un savant jeu de lumières délimite l’espace, en créant une véritable sculpture chorégraphique où les arts visuels rencontrent une danse théâtralisée.

Pourquoi 7m² ? C’est la dimension de l’architecture de lumière dans laquelle les danseurs évoluent. Les danseurs se jouent ainsi des représentations d’enfermement, d’espérance et de liberté présentes dans le conte des Frères Grimm, où deux enfants perdus dans la forêt par leurs parents se trouvent aux prises avec une sorcière.
Résolument tournée vers le jeune public, la compagnie auvergnate Le Pied en Dedans conçoit des spectacles comme des sculptures chorégraphiques, transportant le spectateur dans un espace-temps propice à la contemplation. Aurélia Chauveau, chorégraphe, s’est notamment inspirée des travaux d’Anthony Mc Call, cinéaste et plasticien d’avant-garde connu pour ses fi lms et installations de ‘‘lumière-solide’’.

Epuré et minimaliste, 7m² est une incroyable fantasmagorie et une expérience émotionnelle forte. Un petit espace pour de grands rêves !

"Une transposition visuelle du conte populaire qui nous transporte dans un monde de tous les possibles. Magique !" La Montagne

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Plaidoiries

Verte

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L’art délicat du quatuor — Musique

L’art délicat du quatuor

En raison de l'évolution de l'épidemie, la représentation est annulée. Merci de nous renvoyer par voie postale vos billets accompagnés d'un RIB pour vous faire rembourser. Merci de votre compréhension.

Un voyage musical et burlesque au coeur des grands sentiments humains. Découvrez le nouveau spectacle du Quatuor Léonis !

L’ Art délicat du Quatuor signe le retour du Quatuor Leonis, après le succès de leur premier spectacle Eclisse Totale, joué en octobre 2017 à La Maison. Ils vous invitent ici à tendre l’oreille, percevoir l’indicible et savourer chaque note des plus grands chefs d’oeuvre de l’histoire du quatuor à cordes, lors d’une conférence chimérique sur le génial Schubert. Le Quatuor Leonis, c’est un violoniste qui a toujours rêvé d’être soliste, un autre qui rêve d’être premier violon, un violoniste raté et un qui déteste le violon. Alors, qu’est ce qui réunit ces quatre-là ? Et comment arrivent-ils à vivre et jouer ensemble ? La musique aurait-elle vraiment ce pouvoir de faire que chacun s’écoute, s’entende et se construise dans «l’Ensemble» ?
Situations absurdes, rencontres avec des figures illustres de la musique, les quatre musiciens explorent les grands sentiments humains qui ont comme source commune la peur. Au-delà du rire, que faire de nos émotions quand elles nous envahissent, nous dérangent, nous font faire le contraire de ce que l’on voudrait ou devrait ? Afin de composer cette ambitieuse partition « Tatiesque », le Quatuor Leonis a décidé de
faire appel aux talents d’écriture et de mise en scène de Jos Houben, célèbre auteur de l’Art du Rire.

Le Quatuor Leonis : Engagés dans une démarche artistique innovante, les musiciens du Quatuor Leonis, fondé en 2004, transportent le riche héritage du quatuor à cordes dans le monde du théâtre, de la danse, de la littérature, de la musique électronique, du jazz et de la chanson avec des projets audacieux. Fidèles à la tradition, ils interprètent les plus belles pages des compositeurs de leur époque, mais, désireux d’élargir leur champ artistique, ils participent à des projets variés alliant création musicale, mise en espace et dispositif électronique en temps réel.

"Les Leonis comptent parmi les formations chambristes françaises les plus engagées dans le décloisonnement musical à travers des projets croisés avec des artistes de théâtre, de la danse ou des écrivains." La Terrasse

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Musique

L’art délicat du quatuor

En raison de l'évolution de l'épidemie, la représentation est annulée. Merci de nous renvoyer par voie postale vos billets accompagnés d'un RIB pour vous faire rembourser. Merci de votre compréhension.

Un voyage musical et burlesque au coeur des grands sentiments humains. Découvrez le nouveau spectacle du Quatuor Léonis !

L’ Art délicat du Quatuor signe le retour du Quatuor Leonis, après le succès de leur premier spectacle Eclisse Totale, joué en octobre 2017 à La Maison. Ils vous invitent ici à tendre l’oreille, percevoir l’indicible et savourer chaque note des plus grands chefs d’oeuvre de l’histoire du quatuor à cordes, lors d’une conférence chimérique sur le génial Schubert. Le Quatuor Leonis, c’est un violoniste qui a toujours rêvé d’être soliste, un autre qui rêve d’être premier violon, un violoniste raté et un qui déteste le violon. Alors, qu’est ce qui réunit ces quatre-là ? Et comment arrivent-ils à vivre et jouer ensemble ? La musique aurait-elle vraiment ce pouvoir de faire que chacun s’écoute, s’entende et se construise dans «l’Ensemble» ?
Situations absurdes, rencontres avec des figures illustres de la musique, les quatre musiciens explorent les grands sentiments humains qui ont comme source commune la peur. Au-delà du rire, que faire de nos émotions quand elles nous envahissent, nous dérangent, nous font faire le contraire de ce que l’on voudrait ou devrait ? Afin de composer cette ambitieuse partition « Tatiesque », le Quatuor Leonis a décidé de
faire appel aux talents d’écriture et de mise en scène de Jos Houben, célèbre auteur de l’Art du Rire.

Le Quatuor Leonis : Engagés dans une démarche artistique innovante, les musiciens du Quatuor Leonis, fondé en 2004, transportent le riche héritage du quatuor à cordes dans le monde du théâtre, de la danse, de la littérature, de la musique électronique, du jazz et de la chanson avec des projets audacieux. Fidèles à la tradition, ils interprètent les plus belles pages des compositeurs de leur époque, mais, désireux d’élargir leur champ artistique, ils participent à des projets variés alliant création musicale, mise en espace et dispositif électronique en temps réel.

"Les Leonis comptent parmi les formations chambristes françaises les plus engagées dans le décloisonnement musical à travers des projets croisés avec des artistes de théâtre, de la danse ou des écrivains." La Terrasse

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Portavoz, parloles d’enfants détenus — Voix et orchestre

Portavoz, parloles d’enfants détenus

Cette oeuvre collective met en voix et en musique la parole des enfants détenus au Mexique, entre oratorio et comédie musicale.

En 2004, à l’occasion de son spectacle Profession Voyageur joué à San Luis Potosi au Mexique, la compagnie Déviation rencontre les enfants de la prison El Consejo Tutelar. S’ensuivent des ateliers musique et théâtre avec vingt-trois adolescents de la prison, cinq semaines de répétitions et la création du spectacle Porque tengo ganas de llorar cuando estoy feliz. Tous ces témoignages sur l’enfermement, la solitude, l’adolescence en prison, la délinquance, la drogue, le manque et l’isolement conduisent à l’écriture et à la création du spectacle Pourquoi c’est toujours sur moi que ça tombe ? en 2006.
Lors d’une rencontre entre Alain Mignon, directeur artistique de Déviation, et Bruno Boutet, directeur musical de l’Orchestre d’Harmonie de Nevers, surgit le désir d’être à nouveau porte-parole des mots couchés sur le papier par les enfants de San Luis Potosi au Mexique. C’est ainsi qu’est venue l’idée de faire vivre ces paroles d’enfants détenus lors d’un oratorio contemporain, pour qu’elles deviennent universelles et résonnent autrement.
Composée par Horia Surianu, Paroles d’enfants détenus renforce les liens entre les structures culturelles du territoire Nivernais, avec la participation de l’Orchestre d’Harmonie de la Ville de Nevers, des percussionnistes de Déviation dirigés par Nicolas Zanlonghi et de la chorale des élèves du lycée Alain Colas. Alain Mignon mettra à disposition ses sculptures musicales et coordonnera l’ensemble du projet.
Un spectacle émouvant, à mi-chemin entre oratorio et comédie musicale.

"Ces paroles se reconnaissent toujours dans notre monde élargi. Elles deviennent universelles, défient le temps, résonnent autrement..." Alain Mignon

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Voix et orchestre

Portavoz, parloles d’enfants détenus

Cette oeuvre collective met en voix et en musique la parole des enfants détenus au Mexique, entre oratorio et comédie musicale.

En 2004, à l’occasion de son spectacle Profession Voyageur joué à San Luis Potosi au Mexique, la compagnie Déviation rencontre les enfants de la prison El Consejo Tutelar. S’ensuivent des ateliers musique et théâtre avec vingt-trois adolescents de la prison, cinq semaines de répétitions et la création du spectacle Porque tengo ganas de llorar cuando estoy feliz. Tous ces témoignages sur l’enfermement, la solitude, l’adolescence en prison, la délinquance, la drogue, le manque et l’isolement conduisent à l’écriture et à la création du spectacle Pourquoi c’est toujours sur moi que ça tombe ? en 2006.
Lors d’une rencontre entre Alain Mignon, directeur artistique de Déviation, et Bruno Boutet, directeur musical de l’Orchestre d’Harmonie de Nevers, surgit le désir d’être à nouveau porte-parole des mots couchés sur le papier par les enfants de San Luis Potosi au Mexique. C’est ainsi qu’est venue l’idée de faire vivre ces paroles d’enfants détenus lors d’un oratorio contemporain, pour qu’elles deviennent universelles et résonnent autrement.
Composée par Horia Surianu, Paroles d’enfants détenus renforce les liens entre les structures culturelles du territoire Nivernais, avec la participation de l’Orchestre d’Harmonie de la Ville de Nevers, des percussionnistes de Déviation dirigés par Nicolas Zanlonghi et de la chorale des élèves du lycée Alain Colas. Alain Mignon mettra à disposition ses sculptures musicales et coordonnera l’ensemble du projet.
Un spectacle émouvant, à mi-chemin entre oratorio et comédie musicale.

"Ces paroles se reconnaissent toujours dans notre monde élargi. Elles deviennent universelles, défient le temps, résonnent autrement..." Alain Mignon

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Les filles aux mains jaunes — Théâtre

Les filles aux mains jaunes

Elles ont les mains jaunes, ces ouvrières, quand l’effort de guerre s’annonce en 1914 et qu’elles deviennent les petites mains de l’armement national…

Dans une usine d’armement au début du XXème siècle, quatre ouvrières d’horizons différents se confrontent au monde du travail. Julie, Rose, Jeanne et Louise subissent l’injustice réservée aux femmes. Dans le huis clos d’une usine de fabrication d’obus où le bruit incessant, la lourdeur des machines, la difficulté et la dangerosité du travail ne cessent, émergent pourtant l’échange, la solidarité et la possibilité d’avoir une opinion. Face à l’absence des hommes, ces femmes ont l’autorisation toute nouvelle de penser à voix haute. La confiance en leurs idéaux, même fébrile, grandit et éclate peu à peu. Le parcours libertaire de Louise, journaliste militante chez les suffragistes, va questionner chacune de ses amies, et leur proposer une nouvelle vision de la femme, indépendante et libre. Grâce à leur courage, elles vont s’unir et participer au long combat des femmes pour l’égalité : à travail égal, salaire égal ! Autour des rêves et attentes de chacune se construisent alors les prémices de ce qu’on appellera plus tard le féminisme...
Le roman Les Filles aux mains jaunes de Michel Bellier interroge la naissance du féminisme et nous plonge au cœur des questions de l’égalité entre les sexes et de la liberté. À l’heure de l’affaire Weinstein, des mouvements de femmes qui demandent l’égalité dans toutes les sphères de la société, Johanna Boyé met en scène une pièce toujours d’actualité, nous rappelant la nécessité et la puissance de l’engagement, de l’intention et de l’action.

"C’est diablement efficace et le public en sort ébranlé et ravi." France Info
"Les quatre comédiennes trouvent l’harmonie des différences, avec une pâte humaine attachante et même bouleversante." Web Théâtre

Amplification sonore disponible sur ce spectacle.
Merci de bien vouloir signaler votre demande de casque ou de récepteur lors de l'achat de vos billets. Informations auprès de Bérénice Roux : 03.86.93.09.24 / berenice.roux@maisonculture.fr

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Théâtre

Les filles aux mains jaunes

Elles ont les mains jaunes, ces ouvrières, quand l’effort de guerre s’annonce en 1914 et qu’elles deviennent les petites mains de l’armement national…

Dans une usine d’armement au début du XXème siècle, quatre ouvrières d’horizons différents se confrontent au monde du travail. Julie, Rose, Jeanne et Louise subissent l’injustice réservée aux femmes. Dans le huis clos d’une usine de fabrication d’obus où le bruit incessant, la lourdeur des machines, la difficulté et la dangerosité du travail ne cessent, émergent pourtant l’échange, la solidarité et la possibilité d’avoir une opinion. Face à l’absence des hommes, ces femmes ont l’autorisation toute nouvelle de penser à voix haute. La confiance en leurs idéaux, même fébrile, grandit et éclate peu à peu. Le parcours libertaire de Louise, journaliste militante chez les suffragistes, va questionner chacune de ses amies, et leur proposer une nouvelle vision de la femme, indépendante et libre. Grâce à leur courage, elles vont s’unir et participer au long combat des femmes pour l’égalité : à travail égal, salaire égal ! Autour des rêves et attentes de chacune se construisent alors les prémices de ce qu’on appellera plus tard le féminisme...
Le roman Les Filles aux mains jaunes de Michel Bellier interroge la naissance du féminisme et nous plonge au cœur des questions de l’égalité entre les sexes et de la liberté. À l’heure de l’affaire Weinstein, des mouvements de femmes qui demandent l’égalité dans toutes les sphères de la société, Johanna Boyé met en scène une pièce toujours d’actualité, nous rappelant la nécessité et la puissance de l’engagement, de l’intention et de l’action.

"C’est diablement efficace et le public en sort ébranlé et ravi." France Info
"Les quatre comédiennes trouvent l’harmonie des différences, avec une pâte humaine attachante et même bouleversante." Web Théâtre

Amplification sonore disponible sur ce spectacle.
Merci de bien vouloir signaler votre demande de casque ou de récepteur lors de l'achat de vos billets. Informations auprès de Bérénice Roux : 03.86.93.09.24 / berenice.roux@maisonculture.fr

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Que du bonheur (avec vos capteurs) — Magie interactive / Menta

Que du bonheur (avec vos capteurs)

Un spectacle intimiste où les machines font de la magie mieux que les humains… Ou presque !

Que du bonheur (avec vos capteurs) est un spectacle de magie qui nous plonge dans un monde où l’humain et le numérique commencent à fusionner. C’est l’histoire d’un magicien qui se rend compte qu’aujourd’hui les machines font son métier mieux que lui, les algorithmes sont plus rapides que son cerveau pour retrouver les cartes choisies, les logiciels sont plus exacts que son intuition pour lire dans les pensées des spectateurs, et il y a même des magiciens morts qui ont le pouvoir de continuer à faire de la magie grâce aux ordinateurs et aux réseaux sociaux. Alors que faire ? Résister ou pactiser ?
Cela fait plus d’une dizaine d’années maintenant que Thierry Collet a choisi de faire de son art de prestidigitateur, de mentaliste et de comédien, un outil critique à l’égard de la société contemporaine. Que du bonheur (avec vos capteurs) interroge à présent la fusion de l’homme avec la machine, en s’intéressant aux nouvelles technologies prenant en charge la vie humaine. Combien d’applications, d’objets intelligents, et autres assistances numériques interviennent dans notre quotidien, augmentent nos performances, participent, voire président à nos décisions ? Serions-nous désormais dotés de pouvoirs magiques ?

"La création moderne et très personnelle d’un artiste doué, touchant, captivant." Télérama Sortir
Grâce à un échange constant et subtil avec la salle, Que du bonheur (avec vos capteurs) interroge les fondements du théâtre. Et leur capacité à s’adapter à l’ère du temps." La Terrasse

Attention, ce spectacle se joue à jauge de réduite de 70 spectateurs par représentation.

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La figure du baiser — Danse

La figure du baiser

Trois couples de danseurs nous invitent à les suivre dans un musée à ciel ouvert pour ressentir ce chavirement qui bouleverse les cœurs.

Frôlements de mains, regards appuyés ou coup d’œil fugace : ces petits gestes et moments suspendus symbolisent les prémices de la séduction lors d’une rencontre amoureuse. Fortement inspiré par la statuaire érotique et en particulier celle de Canova et du Bernin, six danseurs mettent en mouvement et en immobilité la rencontre comme l'étreinte amoureuse. Se délecter, apprécier longuement l'axe d'un regard, la main qui s'arrête avant le contact avec la peau, voyager en rêveries devant une épaule découverte ou dans la pression des doigts sur les cuisses. Presser, effleurer, griffer, tapoter, embrasser, allonger, mordre, enlacer, tordre, chatouiller... toutes ces actions se transforment en danse ! Évoluant au milieu du public, les corps se figent parfois en sculptures, invitant les spectateurs à les contempler de plus près, pour déambuler au milieu de cette galerie d’art. Une suite de poses et de danses énergiques permet de laisser résonner chacune d'entre elles dans nos têtes, comme une succession d'histoires possibles. Toutes les couleurs d'un amour physique qui n'oublie pas l'apaisement se relayent et questionnent notre manière - évidemment sensuelle - d’être à l’autre.
Laissez-vous transpercer par la flèche de Cupidon, en répondant présent à cette rêverie amoureuse !

Depuis la création de sa compagnie, Nathalie Pernette, danseuse et chorégraphe, présente ses spectacles partout en France et à l'étranger. L'activité de création, marquée par un goût pour l'expérimentation et la rencontre, emprunte différents chemins menant de la salle à l'espace public tout en cultivant la rencontre avec d'autres disciplines artistiques. La Figure du baiser est le deuxième volet du triptyque Une pierre presque immobile, il fait suite à La Figure du gisant.

" Un spectacle de danse « pas comme les autres » en plein air […], dans lequel la fascination du spectateur est omniprésente. " La Provence
" Du mouvement et du contact auxquels la compagnie invite, naît l’émotion. " La Scène

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Tempête en juin — Théâtre

Tempête en juin

Un voyage dans le temps, dans la France déchirée des années de guerre, où s’entrechoquent sur les routes de l’exode toute une galerie de personnages.

En 1942, dans la France occupée, Irène Némirovsky écrit son roman le plus déchirant, Suite française. Déportée à Auschwitz, elle mourra peu de temps après et, n’aura écrit que deux tomes sur cinq. Sa fille les garda précieusement pendant des années, avant qu’ils soient publiés en 2004. Virginie Lemoine et Stéphane Laporte ont décidé de lui rendre hommage en mettant en scène le premier tome de ce roman, Tempête en juin.

En juin 1940, pour la première fois, des bombes tombent sur Paris. En quelques heures, les habitants désertent et fuient la capitale. Ils espèrent se hisser dans les rares trains saturés de voyageurs, ou partent à pied, emportant les maigres bagages de toute une vie. Malles et matelas sur les toits, ils s’entassent dans des véhicules bondés, et quelques privilégiés se glissent sur les banquettes de limousines, conduites par leurs chauffeurs. Tempête en juin suit une quarantaine de ces personnages se croisant sur les routes de l'exode, au début de la seconde guerre mondiale.

Irène Némirovsky a observé et disséqué l'âme humaine, sans le moindre compromis, avec sagacité, truculence et empathie. Malgré la violence, ses personnages nous plongent avec humour et tendresse dans cette douloureuse époque. Franck Desmedt, Molière du comédien dans un second rôle en 2018 pour Adieu Monsieur Haffmann, incarne avec lucidité et humour, tous ces personnages héroïques ou lâches, baroques ou simples, mais tous profondément familiers et humains.

"C'est un comédien formidable qui ressuscite à lui seul la débâcle de juin 1940 et plus de 40 personnages... Finement adapté par Virginie Lemoine et Stéphane Laporte. Franck Desmedt bouleverse et témoigne à sa magnifique et virtuose façon." Télérama
"Franck Desmedt réalise le coup de force d'animer avec une humanité criante cette fresque de destins bousculés." Le Parisien
"Réaliste et éblouissant !" Le Figaro

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Rouge

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Une vie sur mesure — Théâtre musical

Une vie sur mesure

Le coup de foudre entre Adrien et la batterie est si percutant que rien ni personne ne semble pouvoir s’opposer à une telle union. Et pourtant…

Loin d’être idiot ou attardé, Adrien Lepage est juste... différent. Tout commence le jour où ce gamin, beau de naïveté, se découvre, presque par accident, une passion absolue pour la batterie.
D’un enthousiasme débordant, il livre alors en temps réel le récit de sa romance extraordinaire. Pas moins de deux batteries sont nécessaires au partage de cet amour pour les rythmes. Adrien joue et aime toutes les musiques : le blues, le rock, la techno en passant par le jazz et la bossa nova. Petit à petit, et presque malgré lui, le jeune homme lève le voile sur une histoire aussi drôle que bouleversante, mieux qu’une existence extraordinaire : sa vie sur mesure, entre les quatre murs de sa chambre, à l’abri de la violence de son père et du mépris des autres. Malicieux et naïf, cet adolescent à mi-chemin entre Forrest Gump et Billy Elliot est unique, émouvant et drôle.

La qualité du texte, la dimension musicale et la virtuosité du comédien/batteur seul-en-scène font de ce spectacle atypique un véritable coup de coeur. Une expérience scénique puissante alliant humour, originalité, poésie et humanisme !

Ce spectacle a été joué à guichet fermé pendant plusieurs années consécutives au Festival d’Avignon, a été nommée aux Molières 2016 dans la catégorie Seul en Scène, nommée au prix Maeterlinck de la Critique Scène 2019, et a reçu le Prix Etoile du Parisien pour la meilleure pièce de théâtre 2019.

"Une vie sur mesure, le brillant spectacle de Cédric Chapuis […] pas du tout un one-man-show banal, mais un spectacle très bien écrit et construit, qui vous acueille au premier coup de cymbale et ne vous lâche plus jusqu’au dernier son." Le Parisien
"Un concentré délicat d’humanité... Un bel éloge à la différence..." Le Monde

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Ils n’ont rien vu

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Dimanche

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De l’avenir incertain du monde merveilleux... — Comédie musicale

De l’avenir incertain du monde merveilleux...

De l'avenir incertain du monde merveilleux dans lequel nous vivons : Une comédie musicale haute en rythmes et en couleurs, nous interrogeant sur les codes moraux, le rapport aux autres et le vivre ensemble.

Dans une société qui aurait inversé les valeurs, Nina, une gentille petite fille, est inadaptée à un système qui prône l’individualisme et la rentabilité. Éducation contestable, rapports à l’enfant improbables, vision de la réussite personnelle discutable... Abandonnée au beau milieu de l’épaisse et sombre forêt du bout du monde merveilleux dans lequel elle vit, elle se perd dans ce cahier des charges qui ne lui correspond pas. Sans esprit de compétition ni stratégie commerciale, son potentiel est nul. Mais, alors qu’elle est au plus bas, que la vie semble lui en vouloir et que les solutions manquent, elle rencontre une fée bienveillante, par le plus grand des hasard ! Sa gentillesse l’aide à sortir de cette impasse et, Nina gonfle son joli petit coeur d’amour.
Mais, malheureusement, rien n’est jamais tel qu’il y paraît...
Depuis plus de vingt ans, la compagnie rennaise Bob Théâtre écrit et met en scène des spectacles toujours remarqués pour leur exigence, leur fantaisie et leur humour au second degré. Cette comédie aux chansons enflammées, chorégraphies exaltées, costumes et lumières colorés, pose les questions du vivre ensemble, en créant ce monde douteusement irréprochable. Face à ces valeurs immorales déconcertantes, le Bob Théâtre nous questionne avec humour et dérision sur notre monde actuel. En est-il si éloigné ?

« Les comédiens osent la caricature, pour notre plus grand plaisir, et nous régalent de chansons originales aux multiples inspirations et de chorégraphies improbables, sans oublier des dialogues caustiques. » Ouest France
« Cinq comédiens, chanteurs, danseurs, excellent dans ce théâtre musical non formaté et de haute volée. » Télérama
« Une pièce qui a du sens… et du tonus ! » Théâtre(s)

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Ruy Blas

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La Mouche

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Royan — Théâtre

Royan

La représentation du 5 mars 2021 est annulée. Afin d'effectuer le remboursement de vos billets, merci de nous retourner vos billets accompagnés d'un RIB par voie postale. Merci de votre compréhension.

Royan raconte la disparition d’une adolescente en son lycée à travers le souvenir, les craintes, les égarements, la biographie de sa professeure de Français – qui ne sait comment s’en défendre, et l’expliquer à ses parents qui l’attendent devant sa porte.

En rentrant chez elle, une professeure de français s’arrête dans les escaliers pour aller à son appartement. Elle perçoit les signes infimes de la présence d’un couple sur son palier, un étage plus haut. Elle distingue le bruit de leur respiration, sent leur présence et, bien qu’ils ne parlent pas, elle les reconnaît, elle sait sans doute possible qui sont ces gens. Immobile, elle reste figée dans son mouvement, et comprend qu’elle ne peut pas rentrer tant que ce couple est là, à l’attendre. Elle a tout fait, jusqu’à présent, pour éviter de les rencontrer. Ils lui tendent un piège en osant venir jusque chez elle, piège dans lequel elle est résolue à ne pas tomber, quitte à errer la nuit entière dans Royan.
"Le monologue de cette femme se déroule durant ce moment - dans cet espace de temps qui s’étire, cesse d’être mesurable ou perceptible pour elle. Elle s’adresse aux deux êtres qui sont là-haut, un homme et une femme : ils sont les parents d’une de ses élèves, Dalila, qui s’est jetée par la fenêtre un mois auparavant, qui en est morte. Les parents veulent désespérément une explication, des raisons, un sens au suicide de leur fille. Elle, la professeure, estime qu’elle n’a rien à leur dire. Néanmoins elle leur parle de Dalila telle qu’elle l’a connue et beaucoup aimée et, plus encore, d’elle-même, née et élevée à Oran. Elle tente de reconstituer ce qui l’a conduite d’Oran à Royan et pourquoi elle refuse d’endosser la moindre responsabilité dans la mort de Dalila même si, d’une certaine façon, elle s’est toujours vue, reconnue en cette élève." Marie Ndiaye

" J’ai mis en scène trois pièces de Marie Ndiaye : Hilda (son premier texte pour le théâtre, Prix de la Critique 2002), Honneur à notre élue, et La Vengeance m’appartient. Mettre en scène une pièce de Marie
NDiaye, c’est mettre en mouvement, en image, une pensée qui se déploie en nœuds et fulgurances..." Frédéric Bélier-Garcia, Metteur en scène

Amplification sonore disponible sur ce spectacle.
Merci de bien vouloir signaler votre demande de casque ou de récepteur lors de l'achat de vos billets. Informations auprès de Bérénice Roux : 03.86.93.09.24 / berenice.roux@maisonculture.fr

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Théâtre

Royan

La représentation du 5 mars 2021 est annulée. Afin d'effectuer le remboursement de vos billets, merci de nous retourner vos billets accompagnés d'un RIB par voie postale. Merci de votre compréhension.

Royan raconte la disparition d’une adolescente en son lycée à travers le souvenir, les craintes, les égarements, la biographie de sa professeure de Français – qui ne sait comment s’en défendre, et l’expliquer à ses parents qui l’attendent devant sa porte.

En rentrant chez elle, une professeure de français s’arrête dans les escaliers pour aller à son appartement. Elle perçoit les signes infimes de la présence d’un couple sur son palier, un étage plus haut. Elle distingue le bruit de leur respiration, sent leur présence et, bien qu’ils ne parlent pas, elle les reconnaît, elle sait sans doute possible qui sont ces gens. Immobile, elle reste figée dans son mouvement, et comprend qu’elle ne peut pas rentrer tant que ce couple est là, à l’attendre. Elle a tout fait, jusqu’à présent, pour éviter de les rencontrer. Ils lui tendent un piège en osant venir jusque chez elle, piège dans lequel elle est résolue à ne pas tomber, quitte à errer la nuit entière dans Royan.
"Le monologue de cette femme se déroule durant ce moment - dans cet espace de temps qui s’étire, cesse d’être mesurable ou perceptible pour elle. Elle s’adresse aux deux êtres qui sont là-haut, un homme et une femme : ils sont les parents d’une de ses élèves, Dalila, qui s’est jetée par la fenêtre un mois auparavant, qui en est morte. Les parents veulent désespérément une explication, des raisons, un sens au suicide de leur fille. Elle, la professeure, estime qu’elle n’a rien à leur dire. Néanmoins elle leur parle de Dalila telle qu’elle l’a connue et beaucoup aimée et, plus encore, d’elle-même, née et élevée à Oran. Elle tente de reconstituer ce qui l’a conduite d’Oran à Royan et pourquoi elle refuse d’endosser la moindre responsabilité dans la mort de Dalila même si, d’une certaine façon, elle s’est toujours vue, reconnue en cette élève." Marie Ndiaye

" J’ai mis en scène trois pièces de Marie Ndiaye : Hilda (son premier texte pour le théâtre, Prix de la Critique 2002), Honneur à notre élue, et La Vengeance m’appartient. Mettre en scène une pièce de Marie
NDiaye, c’est mettre en mouvement, en image, une pensée qui se déploie en nœuds et fulgurances..." Frédéric Bélier-Garcia, Metteur en scène

Amplification sonore disponible sur ce spectacle.
Merci de bien vouloir signaler votre demande de casque ou de récepteur lors de l'achat de vos billets. Informations auprès de Bérénice Roux : 03.86.93.09.24 / berenice.roux@maisonculture.fr

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My Land

12

Cinq de cœur — Humour musical

Cinq de cœur

La représentation initialement prévue vendredi 12 mars 2021 est annulée. Afin d'effectuer le remboursement de vos billets, merci de nous retourner vos billets accompagnés d'un RIB par voie postale. Merci de votre compréhension.

Entre music-hall et théâtre, les artistes de Cinq de cœur utilisent leurs voix de la manière la plus délirante possible. Un spectacle drôle, frais et pétillant !

Certains prétendent qu’on peut vivre d’amour et d’eau fraîche... Les chanteurs de Cinq de cœur décident de vivre uniquement d’humour et de musique ! Ils ne quitteront plus la scène, du soir au matin et du matin au soir. Le plateau sera leur terrain de jeu, leur terrain de vie. Chaque instant du quotidien apporte sa nouvelle aventure : ils croisent Vivaldi qui philosophe avec Maitre Gim’s, Aretha Franklin séduisant Schubert, Purcell en pâmoison devant Pharrell Williams... Mais, face à ce marathon musical, vont-ils tenir le coup ? En tous cas, ils vont vous surprendre, vous toucher et vous éblouir, tant par la cocasserie des situations qu’ils inventent que par la beauté du chant a cappella. Tenez-vous prêts, un voyage dans un univers jubilatoire de happenings permanents vous attend !
La rencontre entre les cinq chanteurs (deux sopranos, une alto, un ténor et un baryton) formés à l’école rigoureuse du classique, et Philippe Lelièvre, sensible à la musique et particulièrement attaché au théâtre, est à l’origine de ce spectacle. Réunis autour du bonheur d’être sur scène, d’y vibrer et d’y rester, ils créent leur espace, le plateau devenant leur terrain de jeux et de vie. Leur répertoire n’a qu’une seule limite, celle de leurs envies !

"Un jeu malicieux, une mise en scène espiègle signée Philippe Lelièvre, une maîtrise vocale impressionnante et une belle générosité, ces cinq-là ont bien des atouts pour emporter leur public dans leur folie musicale." Le Parisien

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Emportée par mon élan — Humour

Emportée par mon élan

Les représentations du 18 et 19 mars 2021 sont annulées. Afin d'effectuer le remboursement de vos billets, merci de nous retourner vos billets accompagnés d'un RIB par voie postale. Merci de votre compréhension.

Marier son fils est une véritable étape pour Geneviève. Une journée qui restera mémorable… sous tous les aspects…

Il n'est pas rare d'entendre une mère s'impatienter que son enfant lui présente un amour, qu'ils se marient, que la famille s'agrandisse... Pour Geneviève, ce grand jour-là est arrivé. En théorie, un des plus beaux de sa vie. Aujourd’hui, son grand fils « jeune et beau » se marie ! Mais, ce jour de fête est aussi une très longue journée qui s’annonce. De la photo de famille, au banquet en grande pompe, en passant par l’église et la pièce montée, Geneviève enguirlandera sa famille dans le plus grand désordre, se mettant dans tous ses états. Entre les impayables chansons de Sheila, Geneviève bavardera avec Ken et Barbie, tentera un ballet végétal et regonflera le moral de ses organes. Figure féminine bourgeoise des années 80 bien sous tous rapports, elle essayera tant bien que mal de tenir son rang et de faire bonne impression. Mais au fil de la journée, le vernis craque de toute part ! Ses failles se révèlent alors, une à une.

Après La beauté, recherche et développements en collaboration avec Eric Verdin, Florence Muller, poursuit l’exploration de son univers burlesque et poétique et nous invite au mariage de la bêtise et du magnifique avec sincérité. Un spectacle taillé sur mesure, incarné avec brio et énergie par Florence Muller, seule en scène.

« La mise en scène est efficace, le rythme est enlevé, la comédienne déploie un art de la mimique génialement drôle et l’ensemble compose un spectacle joliment troussé à l’humour finement décalé. » La Terrasse
« Florence Muller offre une nouvelle pépite burlesque ! » Figaroscope

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Peter Shub — Clown / Mime

Peter Shub

En raison de l'évolution de l'épidemie, la représentation est annulée. Merci de nous renvoyer par voie postale vos billets accompagnés d'un RIB pour vous faire rembourser. Merci de votre compréhension.

Mime, clown, musicien : Peter Shub est fascinant et nous livre un spectacle émouvant et drôle.

Peter est le mime le plus bruyant du monde. Il joue plusieurs rôles : il est le manteau sur le portemanteau, le prisonnier de son trépied ; il danse, interprète des chansons et des livres de cuisine, il joue avec des parapluies et un pot de basilic, il chante et nous invite à table. Sans histoire ni fil conducteur, Peter enchaîne les gags et les détournements mêlant magie, théâtre d’objet, clown et mime. Agile de ses doigts, il amuse le public avec ses manipulations et réveille l'âme d'enfant qui sommeille en chacun de nous.
Après avoir reçu plusieurs récompenses internationales et fait le tour du monde, Peter Shub sera à Cosne-sur-Loire pour vous présenter Vestiaire non surveillé, un spectacle plein d’humanité. À partir de presque rien, mais avec un immense talent, il vous embarquera à coup sûr dans son univers absurde et hilarant, sans aucun moment de relâchement. Une comédie quasi-semi-pseudo-autobiographique sur la peur, la mystification et la destinée des objets de tous les jours !
Peter Shub a reçu de nombreux prix : Clown d’argent Festival International de Monte Carlo et Festival de Cirque de Demain - Prix du jury Festival International de Théâtre de Cannes - Clown d’Or Festival de Ekaterinburg (Russie) – Golden Ganter au Festival Kremnica Gags (Slovaquie).

« Un spectacle intense, déroutant, bluffant et drôle. » La Provence
« Un spectacle original, attendrissant et d’une drôlerie incroyable. » Interlignage Festival d’Avignon
« Peter Shub est un comédien inspiré qui fait rire au » Le Berry Républicain

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Tumulte — Théâtre / Marionnettes

Tumulte

Un sujet sensible abordé à travers un spectacle plein d’humour et de délicatesse, un théâtre de faux-semblant plus complexe qu’il n’y parait...

Le spectacle s’ouvre sur l’effritement d’un couple. Ils vivent sous le même toit mais se croisent à peine et petit à petit, leur amour s’étiole. Leur fille unique, une enfant d’une dizaine d’années, prend beaucoup de place et d’énergie. Ils ont la plus grande difficulté à communiquer avec elle. Cette famille est engluée dans une situation qui les dépasse...
Un oncle se débat pour apporter un peu de gaieté dans le foyer familial. De bonne volonté mais d’une maladresse déconcertante et désopilante, il use parfois leur patience. En revanche, il tisse avec leur fille une relation drôle et touchante, une bulle d’air pour cette dernière. Ensemble, ils élaborent des plans pour tenter de rapprocher les parents et redonner vie à leur couple.
Avec Tumulte, Blick Théâtre continue de développer son « théâtre de faux-semblant » sans paroles, dans lequel humains, marionnettes et masques se mêlent pour créer des situations fortes, étranges et poétiques. Le spectacle joue de l’illusion, tout en accordant une place forte aux émotions des personnages. Un « théâtre de corps », où priment l’intentionnalité, la musicalité et l’organicité du mouvement.
Après leur remarquable Hullu en 2018, Blick Théâtre revient à Nevers avec leur nouvelle création coproduite par La Maison !

"Nous revendiquons une écriture collective au service d’un propos engagé, autour de thématiques fortes, qui questionnent notre humanité. Notre processus de création alterne écriture à la table, conception et fabrication à l’atelier et expérimentation au plateau. Notre langue étant visuelle, nous accordons une place prépondérante à la scénographie, au son et à la lumière. » Blick Théâtre

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Au bord du vide — Cirque

Au bord du vide

Au bord du vide est une pièce pour donner l'envie d’avancer sans renier sa jeunesse, de trouver un nouvel équilibre, de s’accepter ou tout simplement d'apprendre à s’aimer.

Plongé dans le rituel d’un quotidien bien rodé, un homme se retrouve face à sa vie. Un regard en arrière, un regard en avant avec, en guise de bilan, ce qu’il a fait, ce qui lui reste à faire. Mais ce jour-là, il ne peut plus rien entreprendre. C’est le début de la crise !
La Cie Manie s’empare de ces instants de trouble, de ces temps où la perception et la conception de notre existence changent. Ces doutes, ces moments d’hésitation et d’introspection sont précieux. Les trois circassiens interprètent les trois facettes d’une même personne et expriment les dynamiques de son corps au travers de trois générations : le plus jeune a un besoin physique de bouger, de réaliser des acrobaties et de jongler, l’adulte se satisfait sans cesse à réussir de multiples manipulations, comme des petites manies, et le plus âgé veut se prouver qu’il est encore capable de tenir en équilibre, prendre des risques, faire face au vide. Jeux de miroirs, de synchronisation, de double, de trouble sont autant de pratiques communes à ces trois personnages !
Accueillie en mars 2019 avec Après grand c'est comment ?, nous retrouvons cette fois-ci la compagnie dans la Nièvre, dans le cadre de Côté Jardins.

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Moby Dick

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Vipère au poing — Théâtre

Vipère au poing

La représentation de Vipère au poing est reportée le 25 juin à 20h dans les jardins de la Banque de France, situés 6 bis rue Jean Desveaux à Nevers. Merci de votre compréhension.

Entre fiction et autobiographie, Hervé Bazin dresse le portrait d’une famille détestable et attachante bravée par le cri de révolte d’un enfant.

Vipère au poing est adapté pour la première fois au théâtre : un seul en scène violent et drôle à l’écriture aiguisée.
Jean, surnommé Brasse-Bouillon, mène avec ses frères une guerre sans merci contre leur mère, une femme impitoyable et cruelle qu’ils ont surnommée Folcoche. Dans cette sanglante partie d’échecs, les membres d’une même famille deviennent des ennemis mortels. Honnête, pudique, et avec son énergie cathartique, Brasse-Bouillon témoigne de son enfance avec une dimension épique et excessive qu’il assume pleinement. Ce n’est pas seulement l’histoire de la violence d’un parent envers ses enfants, comme il en existe d’autres, mais bel et bien celle d’un combat acharné entre une mère et son fils, comme il en existe peu. En mêlant violence de l’intime et humour noir, l’auteur bannit le pathétique et fait de la relation entre Folcoche et Brasse-Bouillon le point central de Vipère au poing.
Victoria Ribeiro, metteuse en scène, a décidé de placer le personnage de Brasse-Bouillon au cœur de l’adaptation, qui raconte son enfance, aujourd’hui devenu adulte.
Que ferions-nous à la place de ces personnages ? Qu’en est-il du passage à l’âge adulte, de l’influence des parents dans la constitution de l’identité ? Cette pièce ouvre une réflexion globale sur les rapports entre adultes et enfants.
Ce premier roman d’Hervé Bazin, largement autobiographique, lui apporta la célébrité et le classa d’emblée parmi les écrivains contemporains les plus lus.

" Le résultat est particulièrement réussi. C’est drôle, émouvant et terriblement violent aussi. " Elle
" Même si on connaît ce grand classique, on est frappé par l’intensité et la puissance de l’histoire que l’on retrouve intactes. " Le Parisien

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Douce dame — Danse / Musique

Douce dame

La représentation aura lieu aux Jardins du Musée de la Faïence, non à la cathédrale

Deux danseurs et deux musiciens chanteurs revisitent le jeu amoureux : de la séduction à l’attente, du désir au regret.

Partant de la chanson d’amour courtois Douce dame jolie de Guillaume de Machaut (XIVème siècle), les chorégraphes Lucie Augeai et David Gernez s’unissent au groupe musical et vocal La Tempête pour s’emparer d’un thème vieux comme le monde et qui traverse les âges : l’amour. Sur une musique médiévale jouée en direct, les corps se croisent, se mêlent, tel un jeu de séduction où l’attente et le désir sont le nerf de l’amour courtois. Danseurs et musiciens s’invitent à traverser, à explorer le champ artistique de l’autre pour en trouver les résonances, les contrastes possibles. La séduction demande un acte de communication pour tenter d’entrer en relation avec l’autre. Que ce soit par le biais du corps, de la voix, du regard, une relation se crée avec l’autre et c’est de là que nait la séduction. Cet étonnant quatuor nous offre une expérience légère et tendre, tout en intimité, mêlant danse et musique.

Simon-Pierre Bestion, de l’ensemble La Tempête, développe un travail qu’il revendique comme un « spectacle total », n’hésitant pas à allier musique, chant, théâtre, danse et à bousculer les codes de la musique ancienne. La compagnie Adéquate, sensible à sa démarche artistique, entend mêler un degré d’accessibilité avec le devoir d’exigence lié à l’essence même de son art, la danse contemporaine.

Après Job en 2017 et Les Royaumes en 2019, ils seront de passage pour cette forme différente, à découvrir à la cathédrale de Nevers !

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Anima — Poème musical

Anima

Compte-tenu des normes sanitaires, nous sommes contraints d'annuler la représentation de Anima. Nous espérons pouvoir la reporter en 2021/2022.

Un spectacle poétique, invitant à ouvrir les portes de l’imaginaire et à embarquer pour un voyage au cœur du vivant !

Deux êtres se rencontrent, jouent de leurs corps et de la matière, cherchent la vibration de sons ancestraux et de couleurs primitives, essentielles dans l’histoire du vivant. De l’inerte à l’animé, du premier organisme à la complexité des structures vivantes, de la carapace au squelette, de la branchie au poumon... et le cœur qui bat, la sève qui monte, le sang qui circule !
En cherchant à questionner l’élan de vie qui nous anime tous, la Cie du Porte-Voix nous propose un voyage sensoriel au cœur de la transformation et du lien fondamental qui nous unit à la nature. À travers des jeux de corps, de sons et de rythmes et par la mise en mouvement de matières textiles et végétales, Anima nous invite à retrouver notre état d’enfance pour mieux célébrer la vie.
Cette proposition s’inscrit dans la continuité de Boucle d’Ô, duo poétique et musical créé en 2016 autour du cycle et de la boucle, par Florence Goguel (Cie du Porte-Voix) et Florian Allaire (Cie A tous Vents). Les deux artistes partagent un langage pluridisciplinaire qui mêle un travail de voix, de corps, de sons, d’images en transformation... et proposent une écriture scénique qui emprunte du « pré-langage » multi-sensoriel de l’enfant.

A partir de 6 mois.

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I-Solo — Jonglage poétique

I-Solo

En raison de l'évolution de l'épidémie, nous sommes contraints d'annuler les représentations de i-Solo prévues du 24 au 28 février. Merci de retourner vos billets accompagnés d'un RIB dans la boîte aux lettres de La Maison afin de vous faire rembourser.

Jonglage, interrogations philosophiques, humour, jeux sonores électrofuturistes, danse : l’inventeur du jonglage cubique met en œuvre une écriture rythmée par les grands moments de sa poésie jonglée.

Qu’est-ce qu’on peut bien avoir à dire après trente-cinq ans passés à jongler avec des balles, des plumes, des cannes, des chaises et d’autres objets ? Ce que Jérôme Thomas n’a pas encore exploré, c’est très précisément cela, le fait d'en parler. Jongleur émérite, il questionne ici son art dans un monde actuel et s’empare de l’impact numérique affectant tous les niveaux de nos vies. Face à cette mutation sociétale, il déploie son art du jonglage empreint d’humour et partage avec le public ses réflexions, joignant le geste à la parole. La relation entre la musique et le jonglage est ici poussée encore plus loin, plus haut, dans des contrées inexplorées où le jonglage s’entend et la musique se voit.
Au centre d’un rectangle délimité au sol par des adhésifs blancs, évoquant un chantier ou une scène de crime balisée, Jérôme Thomas, avec son air de grand rêveur dépassé par les événements, se lancera dans un autoportrait tout en bonds et rebonds. Sautant d’un sujet et d’une humeur à l’autre, il lancera des phrases parfaitement ciselées, pleines d’humour et d’absurde, sur l’évolution de sa discipline ou le sens de la vie en général. Accéderait-il enfin à une forme de sagesse ?
i-Solo révèle un véritable parcours d’artiste en liberté, et l’immense showman qu’il est, improvisateur hors du commun, capable en même temps de la plus grande précision,
nous touche au plus profond.

D'autres représentations sont en cours de programmation.

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Block — Théâtre d'objet

Block

Le représentation de Block initialement prévue le 11 décembre 2020 à Luzy est reportée le 18 mai 2021.

Une interprète marionnettiste et soixante blocks connectés dessinent et composent, en grande proximité avec le public, les architectures sonores et lumineuses de villes. Un spectacle ludique et poétique pour les petits !

Une femme découvre sous un casque de chantier un petit cube translucide de 7cm3, muni d’une enceinte. Le premier son émis par ce block est un bip, bip de sécurité, bip technologique. La femme, dans une tentative de retour au calme, manipule et déclenche contre sa volonté une réaction en chaîne. D’autres blocks se mettent en route avec leurs sons propres : bip de recul de camion, moteurs de voitures, sirènes, crissements de roues... Le jeu de la ville peut commencer : construction métaphorique d’un monde, d’une société, d’un individu et par là même une façon d’appréhender le monde. Cependant, la créatrice ne semble pas avoir tout à fait conscience de l’envergure provoquée, car les blocks révèlent de multiples possibilités : celle de la faire basculer d’un univers à un autre, de révéler un détail infime dans un grand tout sonore, de faire surgir soudain une ville embouteillée, un chantier...
Les blocks résistent aux sollicitations de leur créatrice, agissent seuls et, de par cette autonomie, deviennent les propres acteurs de leur univers qui s’en trouve modifié ! Ils accèdent à une forme de conscience de leur état et tiennent la place. Comment cette humaine va-t-elle accepter de lâcher son obsession de maîtrise et inventer une autre forme de relation ? Qu’aura-t-elle appris et compris ? Quel va être son nouveau statut, alors que les blocks n’ont plus besoin d’elle ? Comment exister désormais ?

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Moonrise Kingdom — cinéma

Moonrise Kingdom

Vous en rêviez ? C’est désormais possible de profiter d’une projection en plein air, en bord de Loire ! L’écran du parvis sera inauguré avec ce classique du cinéma de Wes Anderson.

Dans les années 60, Suzy grandit entre ses trois petits frères et ses parents dans une vaste maison, sur une petite île perdue au large de la Nouvelle-Angleterre. Armée de ses jumelles, l'enfant, difficile, scrute le monde, observant en particulier les rencontres secrètes entre sa mère Laura et le capitaine Sharp, de la police locale. Le chef scout Ward dirige avec rigueur son camp d'été, à l'autre bout de l'île. Un petit mot et un trou dans la toile de tente lui apprennent que le jeune Sam Shatusky a pris la clef des champs. C'est là, à l'abri des regards, que Suzy et Sam se rejoignent. Amoureux depuis un an, ils ont planifié leur fugue par courrier. Ils tentent d'échapper aux scouts lancés à leur poursuite, alors qu'une tempête approche...

Moonrise Kingdom est le septième long métrage de Wes Anderson, figure emblématique du cinéma indépendant américain. Comme à son habitude, il nous propose une histoire qui frôle le surréalisme et une galerie de personnages décalés, à la fois drôles, mélancoliques et tourmentés, dans un monde à part.

« Moonrise Kingdom est un film en forme d'arc-en-ciel. (...) Wes Anderson, a réuni des comédiens complices (...) pour offrir aux spectateurs une belle palette d'émotions. » 20 minutes
« Wes Anderson,  styliste éminent, va user de toute sa fantaisie, d'effets  spéciaux sidérants et de ses qualités de metteur en scène pour ce parcours initiatique en temps de débrouille. » L’Humanité

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La Cenerentola — Opéra

La Cenerentola

Ce spectacle est le report de la séance prévue initialement le 10 janvier 2021

L’Opéra Éclaté interprètera le dernier opéra-bouffe de Rossini, La Cenerentola, dans une mise en scène de Clément Poirée. Exceptionnel !

Cendrillon, célèbre conte populaire immortalisé par Charles Perrault et les frères Grimm, a beau être dans toutes les mémoires, cette version n’est pas tout à fait la même – même si le livret de Jacopo Ferretti s’en inspire.
Oubliée la fée, envolés citrouille et soulier de vair ! Le prince se cache sous les traits du valet, le valet devient prince pour un temps, le philosophe devient mendiant... Une débauche joyeuse et frondeuse, où Cendrillon deviendra princesse, le père terrible tombera de son piédestal et tout cela, au nom de l’amour véritable. Au milieu de cette liberté naissante, le revers des personnages se laisse entrevoir, l’esprit de désordre règne et, finalement, tout reprend vie ! Les vocalises brillent, fusent, et les phrases se bousculent dans les airs. Les jeux de mots crépitent et galopent en rythme sur la musique truculente et aérienne de Rossini.
La Cenerentola est une splendide occasion de rêver avec Rossini et Ferretti à nos grands élans de libertés, mais aussi de jouer, avec le recul de deux siècles, à débusquer les germes de leurs suites en clair obscurs, bel et bien présentes dans cette oeuvre empreinte d’enthousiasme. Rossini eut d’ailleurs de quoi être fier de sa pièce, qu’il acheva à l’âge de vingt-quatre ans... en trois petites semaines et qui fit un triomphe. Magique, non ?

"Comme nous l’avions déjà fait en 2017 avec Les Noces de Figaro, la mission d’Opéra Eclaté est de découvrir et d’accompagner des jeunes chanteurs en leur permettant d’effectuer des prises de rôles et en mettant à leur disposition des outils de travail d’une grande exigence artistique et un environnement favorable à leur épanouissement professionnel." Eric Perez, Directeur artistique d’Opéra Éclaté

Un dispositif d'audiodescription sonore vous est proposé pour ce spectacle

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Opéra

La Cenerentola

Ce spectacle est le report de la séance prévue initialement le 10 janvier 2021

L’Opéra Éclaté interprètera le dernier opéra-bouffe de Rossini, La Cenerentola, dans une mise en scène de Clément Poirée. Exceptionnel !

Cendrillon, célèbre conte populaire immortalisé par Charles Perrault et les frères Grimm, a beau être dans toutes les mémoires, cette version n’est pas tout à fait la même – même si le livret de Jacopo Ferretti s’en inspire.
Oubliée la fée, envolés citrouille et soulier de vair ! Le prince se cache sous les traits du valet, le valet devient prince pour un temps, le philosophe devient mendiant... Une débauche joyeuse et frondeuse, où Cendrillon deviendra princesse, le père terrible tombera de son piédestal et tout cela, au nom de l’amour véritable. Au milieu de cette liberté naissante, le revers des personnages se laisse entrevoir, l’esprit de désordre règne et, finalement, tout reprend vie ! Les vocalises brillent, fusent, et les phrases se bousculent dans les airs. Les jeux de mots crépitent et galopent en rythme sur la musique truculente et aérienne de Rossini.
La Cenerentola est une splendide occasion de rêver avec Rossini et Ferretti à nos grands élans de libertés, mais aussi de jouer, avec le recul de deux siècles, à débusquer les germes de leurs suites en clair obscurs, bel et bien présentes dans cette oeuvre empreinte d’enthousiasme. Rossini eut d’ailleurs de quoi être fier de sa pièce, qu’il acheva à l’âge de vingt-quatre ans... en trois petites semaines et qui fit un triomphe. Magique, non ?

"Comme nous l’avions déjà fait en 2017 avec Les Noces de Figaro, la mission d’Opéra Eclaté est de découvrir et d’accompagner des jeunes chanteurs en leur permettant d’effectuer des prises de rôles et en mettant à leur disposition des outils de travail d’une grande exigence artistique et un environnement favorable à leur épanouissement professionnel." Eric Perez, Directeur artistique d’Opéra Éclaté

Un dispositif d'audiodescription sonore vous est proposé pour ce spectacle

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Pomme d’Api — Fantaisie musicale

Pomme d’Api

Une fantaisie musicale en un acte de Jacques Offenbach, revisitée par le Théâtre du Temps Pluriel !

Ancien fabricant de machines à coudre, Amilcar Rabastens est rentier. Cinquantenaire célibataire, il est très attiré par le beau sexe et cherche une remplaçante jeune et jolie à sa bonne, qu’il vient de congédier. Dans le même temps, il force son neveu, Gustave, à renoncer à sa petite amie Catherine, dite Pomme d’Api, car pour lui les relations ne doivent pas s’écrire dans la durée. Gustave, désemparé et craignant pour son héritage, s’exécute. Mais quand la nouvelle servante de son oncle se présente, Gustave reconnait immédiatement Pomme d’Api en cette dernière. Il tente alors de la reconquérir, mais celle-ci se montre indifférente à ses regrets

Opérette datée de 1873, Pomme d’Api fait partie de ces petits joyaux dont Offenbach est coutumier. Souvent éclipsée par les oeuvres majeures qui l’ont précédées (Orphées aux enfers, Les Fées du Rhin, Robinson Crusoé...), on y retrouve néanmoins ce mélange si particulier de joie et d’exubérance qui font le charme d’Offenbach.
Cette nouvelle mise en scène se propose de sortir la pièce de son ancrage dans le second empire en transposant le triangle amoureux dans l’atmosphère douce et colorée des années 60. En souhaitant ainsi sortir des clichés attendus, la pièce interrogera la notion du désir dans notre société dans une ronde surréaliste, drôle et tendre, où planeront les ombres de Magritte et de Jacques Demy.
Une pomme juteuse, savoureuse, et non calibrée !

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Mètre Carré — Danse

Mètre Carré

Initialement programmé en novembre 2020, ce spectacle à été reporté en raison du Covid 19

Dans la nouvelle création de la Cie Alfred Alerte, il est question d’espace et de territoire, avec pour inspiration le livre Espèces d’espaces de Georges Perec.

Né sur une île, la Martinique, Alfred Alerte a décidé il y a plus de 20 ans de s’installer dans la Nièvre, en milieu rural. « Les champs ont remplacé l’océan. De nouvelles étendues se sont offertes à moi, à perte de vue, sans limites ni bordures. Et pourtant je me sens de nouveau limité par l’espace ». Partant de ce constat, Alfred Alerte va partager ces questionnements avec d’autres danseurs, mettant le corps en jeu face à cette réflexion autour de l’espace, confrontant son expérience personnelle au ressenti d’autres artistes et tentant de transposer dans la danse les interrogations de Georges Perec.
C’est ainsi que cinq individus coexistent sur le même petit espace, Pangée réduite mais accueillante. Une embarcation représentant à la fois l’unité et le multiple où chacun trouve sa place. Leur espace vital ? Leurs corps eux-mêmes. Et puis poussé par la promiscuité, par l’envie d’ouvrir le paysage, de nourrir son jardin intime, un des membres se dissocie du groupe et emmène avec lui un morceau du territoire. Chacun erre alors sur son axe, trajectoire unique et linéaire, sans possibilité de vagabondage ni de chemin de traverse.
Que devient alors l’espace commun ? De quel volume avons-nous réellement besoin pour respirer, vivre, aimer, se sentir libre ?

En partenariat avec la communauté de communes Bazois Loire Morvan, les villes de Moulins-Engilbert, de Cosne-Cours-sur-Loire, de Clamecy et la compagnie Les alentours rêveurs

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Tout ce fracas — Danse

Tout ce fracas

Trois danseuses, accompagnées d’un musicien, mettent en lumière le corps en réhabilitation, ses moyens et sa puissance d’agir au travers d’un traumatisme.

Tout ce fracas est né du désir de Sylvère Lamotte d’explorer les limites du mouvement. Où le mouvement naît-il et quelle est sa résonance? Curieux d’explorer ce langage sur les corps en réhabilitation, il décide de s’immerger en milieu hospitalier de 2012 à 2019 et mène plusieurs recherches « Culture & Santé » sur la réappropriation sensible du corps technique, mêlant patients et soignants. Les récits de corps et de mémoire corporelle commencent alors à résonner avec les créations de la compagnie. De quoi un corps est-il capable ? Comment un être décide-t-il de grandir autour, au travers des traumatismes qu’a subi le corps ? Ces questions ont toujours animé Sylvère Lamotte, l’amenant à la danse et au mouvement. Le processus de la création de Tout ce fracas est divisé en deux temps : un temps de recherche et d’immersion dans des établissements de santé, mêlant les danseuses et le musicien aux patients et personnel soignant - puis une étape de création, en studio, avec notamment une recherche approfondie autour de la surexposition des corps en état de fatigue. Les trois danseuses, toutes entretenant un rapport personnel au corps empêché seront accompagnées sur scène par Stracho Temelkovski, multi-instrumentiste (Mandol, Basse, voix et percussions), adaptant des œuvres au contact de la danse pour que les corps et la musique soient sur la même fréquence.

La compagnie Lamento, créée en 2015 par Sylvère Lamotte, met l’expérimentation physique et relationnelle au cœur de sa pratique. Très tôt initié à la danse contact, à laquelle il reste attaché dans sa pratique, le chorégraphe fonde sa recherche sur la rencontre avec l’autre. En proche collaboration avec Jérémy Kouyoumdjian, rencontré au Ballet Preljocaj, Sylvère Lamotte explore ses propres protocoles de travail, ouverts à la réflexion collective, à l’improvisation et à la spontanéité des propositions. En 2015 il créé Ruines (Prix Beaumarchais SACD 2016), puis Les Sauvages en 2017 et L’Echo d’un infini en 2019.

Sylvère Lamotte est artiste associé à La Maison à partir de 2020 pour trois ans.

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Danse

Tout ce fracas

Trois danseuses, accompagnées d’un musicien, mettent en lumière le corps en réhabilitation, ses moyens et sa puissance d’agir au travers d’un traumatisme.

Tout ce fracas est né du désir de Sylvère Lamotte d’explorer les limites du mouvement. Où le mouvement naît-il et quelle est sa résonance? Curieux d’explorer ce langage sur les corps en réhabilitation, il décide de s’immerger en milieu hospitalier de 2012 à 2019 et mène plusieurs recherches « Culture & Santé » sur la réappropriation sensible du corps technique, mêlant patients et soignants. Les récits de corps et de mémoire corporelle commencent alors à résonner avec les créations de la compagnie. De quoi un corps est-il capable ? Comment un être décide-t-il de grandir autour, au travers des traumatismes qu’a subi le corps ? Ces questions ont toujours animé Sylvère Lamotte, l’amenant à la danse et au mouvement. Le processus de la création de Tout ce fracas est divisé en deux temps : un temps de recherche et d’immersion dans des établissements de santé, mêlant les danseuses et le musicien aux patients et personnel soignant - puis une étape de création, en studio, avec notamment une recherche approfondie autour de la surexposition des corps en état de fatigue. Les trois danseuses, toutes entretenant un rapport personnel au corps empêché seront accompagnées sur scène par Stracho Temelkovski, multi-instrumentiste (Mandol, Basse, voix et percussions), adaptant des œuvres au contact de la danse pour que les corps et la musique soient sur la même fréquence.

La compagnie Lamento, créée en 2015 par Sylvère Lamotte, met l’expérimentation physique et relationnelle au cœur de sa pratique. Très tôt initié à la danse contact, à laquelle il reste attaché dans sa pratique, le chorégraphe fonde sa recherche sur la rencontre avec l’autre. En proche collaboration avec Jérémy Kouyoumdjian, rencontré au Ballet Preljocaj, Sylvère Lamotte explore ses propres protocoles de travail, ouverts à la réflexion collective, à l’improvisation et à la spontanéité des propositions. En 2015 il créé Ruines (Prix Beaumarchais SACD 2016), puis Les Sauvages en 2017 et L’Echo d’un infini en 2019.

Sylvère Lamotte est artiste associé à La Maison à partir de 2020 pour trois ans.

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Que tout s’enflamme, nous attendrons — Théâtre

Que tout s’enflamme, nous attendrons

Cette représentation est le report de la séance initialement prévue le 26 janvier 2021.

Un spectacle ponctué par des chansons en live, inspiré par Buñuel et Godard, où l’on découvre des personnages tous différents, nous questionnant sur le rapport humain.

Trois personnes mangent, prolongent leur repas et refont le monde. Tout à coup, des personnages en crise leur rendent visite : un boucher plus tendre que sa fonction, un clown précaire et esseulé, un adolescent qui vend des chocolats pour son lycée, sa mère aide-ménagère, un réalisateur convaincu… Ils devront dialoguer et faire face chacun à leurs certitudes. Mais, dans ce désordre du monde, les personnages peuvent-ils s’écouter ? Comment ne pas tomber dans la zone bienpensante, ou la caricature enfermante, d’un métier ou de l’âge d’une personne ? Existe-t-il d’autres rapports que la domination ou la soumission ? Autant de questions que soulève cette pièce au texte polyphonique.
IDEM Collectif s’est inspirée des films Le Charme discret de la Bourgeoisie de Luis Buñuel et Masculin, Féminin de Jean-Luc Godard, tous deux questionnant l’assignation sociale, la résistance aux humiliations, l’engagement et ses spasmes. Ponctuées par des chansons jouées en live, les différentes séquences nous plongeront, sans nous en rendre compte, dans un grand rêve éveillé... Entre vision et réalisme, ça chante, ça s’envole, ça boxe et ça beatbox !
Après leur venue en 2018 pour Yaacobi et Leidental, la compagnie dijonnaise est de retour à Nevers pour une pièce résolument tournée vers les rapports entre les êtres humains.

Au Théâtre Municipal de Nevers

Spectacle soutenu par l'Adami

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Pomme d’Api

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Pomme d’Api — Fantaisie musicale

Pomme d’Api

Une fantaisie musicale en un acte de Jacques Offenbach, revisitée par le Théâtre du Temps Pluriel !

Ancien fabricant de machines à coudre, Amilcar Rabastens est rentier. Cinquantenaire célibataire, il est très attiré par le beau sexe et cherche une remplaçante jeune et jolie à sa bonne, qu’il vient de congédier. Dans le même temps, il force son neveu, Gustave, à renoncer à sa petite amie Catherine, dite Pomme d’Api, car pour lui les relations ne doivent pas s’écrire dans la durée. Gustave, désemparé et craignant pour son héritage, s’exécute. Mais quand la nouvelle servante de son oncle se présente, Gustave reconnait immédiatement Pomme d’Api en cette dernière. Il tente alors de la reconquérir, mais celle-ci se montre indifférente à ses regrets

Opérette datée de 1873, Pomme d’Api fait partie de ces petits joyaux dont Offenbach est coutumier. Souvent éclipsée par les oeuvres majeures qui l’ont précédées (Orphées aux enfers, Les Fées du Rhin, Robinson Crusoé...), on y retrouve néanmoins ce mélange si particulier de joie et d’exubérance qui font le charme d’Offenbach.
Cette nouvelle mise en scène se propose de sortir la pièce de son ancrage dans le second empire en transposant le triangle amoureux dans l’atmosphère douce et colorée des années 60. En souhaitant ainsi sortir des clichés attendus, la pièce interrogera la notion du désir dans notre société dans une ronde surréaliste, drôle et tendre, où planeront les ombres de Magritte et de Jacques Demy.
Une pomme juteuse, savoureuse, et non calibrée !

Cette représentation à lieu au théâtre municipal de Nevers

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Embrasse-moi sur ta tombe

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Pomme d’Api — Fantaisie musicale

Pomme d’Api

Une fantaisie musicale en un acte de Jacques Offenbach, revisitée par le Théâtre du Temps Pluriel !

Ancien fabricant de machines à coudre, Amilcar Rabastens est rentier. Cinquantenaire célibataire, il est très attiré par le beau sexe et cherche une remplaçante jeune et jolie à sa bonne, qu’il vient de congédier. Dans le même temps, il force son neveu, Gustave, à renoncer à sa petite amie Catherine, dite Pomme d’Api, car pour lui les relations ne doivent pas s’écrire dans la durée. Gustave, désemparé et craignant pour son héritage, s’exécute. Mais quand la nouvelle servante de son oncle se présente, Gustave reconnait immédiatement Pomme d’Api en cette dernière. Il tente alors de la reconquérir, mais celle-ci se montre indifférente à ses regrets

Opérette datée de 1873, Pomme d’Api fait partie de ces petits joyaux dont Offenbach est coutumier. Souvent éclipsée par les oeuvres majeures qui l’ont précédées (Orphées aux enfers, Les Fées du Rhin, Robinson Crusoé...), on y retrouve néanmoins ce mélange si particulier de joie et d’exubérance qui font le charme d’Offenbach.
Cette nouvelle mise en scène se propose de sortir la pièce de son ancrage dans le second empire en transposant le triangle amoureux dans l’atmosphère douce et colorée des années 60. En souhaitant ainsi sortir des clichés attendus, la pièce interrogera la notion du désir dans notre société dans une ronde surréaliste, drôle et tendre, où planeront les ombres de Magritte et de Jacques Demy.
Une pomme juteuse, savoureuse, et non calibrée !

Un service de transport est mis en place pour vous rendre à Cosne sur Loire. Départ de La Maison à 18h30.

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Fantaisie musicale

Pomme d’Api

Une fantaisie musicale en un acte de Jacques Offenbach, revisitée par le Théâtre du Temps Pluriel !

Ancien fabricant de machines à coudre, Amilcar Rabastens est rentier. Cinquantenaire célibataire, il est très attiré par le beau sexe et cherche une remplaçante jeune et jolie à sa bonne, qu’il vient de congédier. Dans le même temps, il force son neveu, Gustave, à renoncer à sa petite amie Catherine, dite Pomme d’Api, car pour lui les relations ne doivent pas s’écrire dans la durée. Gustave, désemparé et craignant pour son héritage, s’exécute. Mais quand la nouvelle servante de son oncle se présente, Gustave reconnait immédiatement Pomme d’Api en cette dernière. Il tente alors de la reconquérir, mais celle-ci se montre indifférente à ses regrets

Opérette datée de 1873, Pomme d’Api fait partie de ces petits joyaux dont Offenbach est coutumier. Souvent éclipsée par les oeuvres majeures qui l’ont précédées (Orphées aux enfers, Les Fées du Rhin, Robinson Crusoé...), on y retrouve néanmoins ce mélange si particulier de joie et d’exubérance qui font le charme d’Offenbach.
Cette nouvelle mise en scène se propose de sortir la pièce de son ancrage dans le second empire en transposant le triangle amoureux dans l’atmosphère douce et colorée des années 60. En souhaitant ainsi sortir des clichés attendus, la pièce interrogera la notion du désir dans notre société dans une ronde surréaliste, drôle et tendre, où planeront les ombres de Magritte et de Jacques Demy.
Une pomme juteuse, savoureuse, et non calibrée !

Un service de transport est mis en place pour vous rendre à Cosne sur Loire. Départ de La Maison à 18h30.

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Tout ce Fracas — Danse

Tout ce Fracas

Initialement programmé pour la saison dernière, ce spectacle à été reporté en raison du Covid 19

Trois danseuses, accompagnées d’un musicien, mettent en lumière le corps en réhabilitation, ses moyens et sa puissance d’agir au travers d’un traumatisme.

Tout ce fracas est né du désir de Sylvère Lamotte d’explorer les limites du mouvement. Où le mouvement naît-il et quelle est sa résonance? Curieux d’explorer ce langage sur les corps en réhabilitation, il décide de s’immerger en milieu hospitalier de 2012 à 2019 et mène plusieurs recherches « Culture & Santé » sur la réappropriation sensible du corps technique, mêlant patients et soignants. Les récits de corps et de mémoire corporelle commencent alors à résonner avec les créations de la compagnie. De quoi un corps est-il capable ? Comment un être décide-t-il de grandir autour, au travers des traumatismes qu’a subi le corps ? Ces questions ont toujours animé Sylvère Lamotte, l’amenant à la danse et au mouvement. Le processus de la création de Tout ce fracas est divisé en deux temps : un temps de recherche et d’immersion dans des établissements de santé, mêlant les danseuses et le musicien aux patients et personnel soignant - puis une étape de création, en studio, avec notamment une recherche approfondie autour de la surexposition des corps en état de fatigue. Les trois danseuses, toutes entretenant un rapport personnel au corps empêché seront accompagnées sur scène par Stracho Temelkovski, multi-instrumentiste (Mandol, Basse, voix et percussions), adaptant des œuvres au contact de la danse pour que les corps et la musique soient sur la même fréquence.

La compagnie Lamento, créée en 2015 par Sylvère Lamotte, met l’expérimentation physique et relationnelle au cœur de sa pratique. Très tôt initié à la danse contact, à laquelle il reste attaché dans sa pratique, le chorégraphe fonde sa recherche sur la rencontre avec l’autre. En proche collaboration avec Jérémy Kouyoumdjian, rencontré au Ballet Preljocaj, Sylvère Lamotte explore ses propres protocoles de travail, ouverts à la réflexion collective, à l’improvisation et à la spontanéité des propositions. En 2015 il créé Ruines (Prix Beaumarchais SACD 2016), puis Les Sauvages en 2017 et L’Echo d’un infini en 2019.

Sylvère Lamotte est artiste associé à La Maison à partir de 2020 pour trois ans.

En partenariat avec la communauté de communes de Bazois Loire Morvan, les villes de Decize et Saint-Honoré-les-Bains et la compagnie Les alentours rêveurs.

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Danse

Tout ce Fracas

Initialement programmé pour la saison dernière, ce spectacle à été reporté en raison du Covid 19

Trois danseuses, accompagnées d’un musicien, mettent en lumière le corps en réhabilitation, ses moyens et sa puissance d’agir au travers d’un traumatisme.

Tout ce fracas est né du désir de Sylvère Lamotte d’explorer les limites du mouvement. Où le mouvement naît-il et quelle est sa résonance? Curieux d’explorer ce langage sur les corps en réhabilitation, il décide de s’immerger en milieu hospitalier de 2012 à 2019 et mène plusieurs recherches « Culture & Santé » sur la réappropriation sensible du corps technique, mêlant patients et soignants. Les récits de corps et de mémoire corporelle commencent alors à résonner avec les créations de la compagnie. De quoi un corps est-il capable ? Comment un être décide-t-il de grandir autour, au travers des traumatismes qu’a subi le corps ? Ces questions ont toujours animé Sylvère Lamotte, l’amenant à la danse et au mouvement. Le processus de la création de Tout ce fracas est divisé en deux temps : un temps de recherche et d’immersion dans des établissements de santé, mêlant les danseuses et le musicien aux patients et personnel soignant - puis une étape de création, en studio, avec notamment une recherche approfondie autour de la surexposition des corps en état de fatigue. Les trois danseuses, toutes entretenant un rapport personnel au corps empêché seront accompagnées sur scène par Stracho Temelkovski, multi-instrumentiste (Mandol, Basse, voix et percussions), adaptant des œuvres au contact de la danse pour que les corps et la musique soient sur la même fréquence.

La compagnie Lamento, créée en 2015 par Sylvère Lamotte, met l’expérimentation physique et relationnelle au cœur de sa pratique. Très tôt initié à la danse contact, à laquelle il reste attaché dans sa pratique, le chorégraphe fonde sa recherche sur la rencontre avec l’autre. En proche collaboration avec Jérémy Kouyoumdjian, rencontré au Ballet Preljocaj, Sylvère Lamotte explore ses propres protocoles de travail, ouverts à la réflexion collective, à l’improvisation et à la spontanéité des propositions. En 2015 il créé Ruines (Prix Beaumarchais SACD 2016), puis Les Sauvages en 2017 et L’Echo d’un infini en 2019.

Sylvère Lamotte est artiste associé à La Maison à partir de 2020 pour trois ans.

En partenariat avec la communauté de communes de Bazois Loire Morvan, les villes de Decize et Saint-Honoré-les-Bains et la compagnie Les alentours rêveurs.

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Le Colis de Madame Oscar — Théâtre Visuel

Le Colis de Madame Oscar

La vie de Madame Oscar est réglée comme du papier à musique. Jusqu’au jour où le facteur lui livre un colis, puis deux, puis trois…

Chaque matin, c’est une vraie ritournelle : Madame Oscar fait les mêmes gestes, mécaniques. Elle ouvre ses rideaux, déjeune et... s’ennuie. Que le temps est long dans sa petite maison ! Mais aujourd’hui, le facteur est passé : Madame sort de sa maison et trouve un colis sur son palier. Qu’y a-t-il dans ce paquet ? Et d’où vient-il ? Le jour suivant, le facteur dépose un autre colis, puis un autre et encore un autre... Que peuvent bien présager ces envois ? Un admirateur secret ? L’amour serait-il en train de frapper à sa porte ?

Madame Oscar évolue dans un monde stérile, où rien n’est laissé au hasard et où l’humain parait ne pas avoir de place. D’ordinaire timide et pas très sociable, les passages du facteur déséquilibrent son quotidien. Bouleversée, elle finit par ouvrir son cœur, fait place aux émotions et à la plus belle d’entre elles : l’amour ! Autant de colis à ouvrir que d’expériences à vivre et à voir vivre sur scène, pour accompagner le spectateur vers son émancipation ! Dans cet univers inspiré de Jacques Tati dans un décor des années 1960, Madame Oscar va peu à peu apprivoiser ce colis instrusif et se laisser gagner par la fantaisie. Avec émotion et poésie, ce nouvel opus pour les tout-petits de la compagnie du Brouillard mêle théâtre et contorsion.

Francine Gaonach et Mélanie Manuélian inventent un univers proche de cette littérature enfantine qu’elles développent pour le théâtre. Leur travail s’oriente vers une recherche esthétique soignée et une réflexion sur le sensible.

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Kaos — Théâtre / Musique

Kaos

Ce spectacle est un report de la séance initialement prévue en mars 2021

Yvon Kader est un jeune trisomique. Dans son monde poétique, il a conscience de sa différence, qu’il nous raconte. Un seul-en-scène touchant.

Jeune trisomique, esprit génial et lucide, Yvon Kader s’adresse seul au public, lui fait part de sa vie, de ses souvenirs, des étapes, doutes et instants décisifs. Il vit en banlieue, est aimé des siens, mais pourtant il raconte sa difficulté à vivre, jour après jour. Sa parole nous donne à voir les images de son monde intérieur et la musique nous emporte dans son imaginaire.

Dans sa chambre, Yvon Kader nous plonge dans une bulle sonore composée de mots, de traces, de matières musicales s’échappant de différents espaces, aspérités de sa chambre, réceptacles de ses souvenirs. Mais le mur, contre lequel il se débat, marque une frontière entre son monde intérieur et le monde réel...

Les autres personnages (ses parents, son frère et ses amis) qui gravitent autour de lui sont autant de voix, de tonalités, d’intonations transformées, réécrites, retravaillées par les sensations et les émotions. Ces voix s’échappent du décor, du lointain, du public dans une installation sonore immersive réalisée selon le principe de l’acousmonium, un « orchestre » de haut-parleurs. Les voix circulent, encerclent, échappent, s’étouffent,
effraient, harcèlent, consolent. Une dizaine d’enceintes dissimulées dans les décors contribueront à cette immersion dans les souvenirs d’Yvon Kader !

En partenariat avec la communauté de communes Bazois Loire Morvan, les villes de Saint-Honoré-les- Bains,de Decize, de Clamecy et la compagnie les alentours rêveurs.

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Enfants Sauvages — Théâtre

Enfants Sauvages

Un enfant sauvage découvre la vie civilisée après avoir vécu plusieurs années dans la forêt, loin des hommes. Deux comédiens et un acrobate interprètent cette histoire vraie et poignante.

Après avoir vécu dans une forêt pendant dix ans, dans un milieu exclusivement animal, un enfant arrive seul sur la place d’une grande ville. Il y a dans son regard et sa démarche quelque chose d'inhumain. Complètement perdu, des passants l’entourent et lui proposent de l’aider mais il ne répond rien. Que va-t-on faire de lui ?
La compagnie La Traversée s’est inspirée de deux histoires vraies d’enfants sauvages au début du XIXème siècle. Le premier, Victor, a été découvert complètement nu dans une forêt de l’Aveyron. Il se nourrissait de glands et de racines, et galopait comme un animal, le dos voûté. Livré à la violence d’une nature sauvage durant douze ans, il a été dépourvu de langage et marqué au corps. Grâce à l’accueil d’un docteur, il a appris à écrire, à compter et a tenté de s’adapter à cette nouvelle vie. Le second enfant sauvage, Kaspar Hauser, a été élevé dans un cachot depuis sa petite enfance, nourri une fois par semaine par un homme mystérieux qui lui apprit les rudiments du langage. Il fût un jour lâché dans Nuremberg et prit de plein fouet ce monde qui lui avait été caché pendant presque quinze ans.
Comment ces enfants ont-ils fait pour survivre dans des conditions si hostiles ? Finalement, naît-on homme ou le devient-on ? Victor et Kaspar ont bouleversé les représentations dans les domaines de la psychologie, de la sociologie, de l’anatomie...
Aux côtés des deux comédiens jouant plusieurs personnages (médecin, enseignant, directeur de cirque...), l’enfant est interprété par un acrobate, et l’utilisation de la magie traduit l’état d’isolement de l’enfant. Un spectacle à découvrir en famille, à partir de huit ans !

" La magie et l’acrobatie permettent de représenter l’anormal. Le corps de l’enfant sauvage a quelque chose de très puissant, il excède les possibilités de n’importe quel enfant de son âge." Cédric Orain, metteur en scène.

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Apprends-moi — Danse / Musique / Marionn

Apprends-moi

Une danseuse-chanteuse, une chanteuse-harpiste et un comédien-marionnettiste abordent la transmission et les différents moments de l’apprentissage de façon ludique. Vos enfants seront conquis !

Aux côté d’une harpe et d’un arbre de la connaissance avec chiffres et lettres sonores en suspension, trois personnages tentent d’apprendre à marcher. Bientôt debout, grandis, ils sont dans le jeu, en mouvement, curieux des sons et des formes et de l’autre. C’est alors que des guindes et des matériaux apparaissent, donnant naissance à une marionnette-enfant proche des sculptures de fil de fer de Calder. Petit à petit, la marionnette va discerner les sons, les phonèmes et les consonnes, conduisant le chant à la parole et les mots à la lecture. En grandissant, elle va découvrir la danse et la musique grâce à trois moments où les acteurs racontent d’une manière poétique l’apprentissage de leur art.

Dans la famille comme à l’école, nous avons tous à un moment donné reçu un enseignement qui a été déterminant, qui nous a propulsé dans une voie, ouvert des vocations. La mémoire de cet enseignement est toujours présente au fond de nous. Apprends-moi permet de retrouver cette envie précieuse qui nous pousse à aller de l’avant, à être curieux et à développer nos connaissances. À côté des interprètes qui apportent chacun leur touche artistique et leurs souvenirs d’enfance, la harpe symbolise les liens qui relient le maître à l’élève, de génération en génération, d’être humain en être humain.

Une sensibilisation joyeuse et ludique à l’art, des premiers pas au chemin que l’on se choisit !

" Depuis 2013, La compagnie s’oriente vers le jeune public, dans un souci permanent d’amener la création contemporaine, la poésie musicale et dansée, au plus près d’un public en devenir. " Bérengère Altieri-Leca, directrice artistique.

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Frédéric Fromet — Humour,Chanson

Frédéric Fromet

Initialement prévue le 2 décembre 2020, cette représentation est reportée à ce jour

Son album Ça Fromet ! en compagnie de Rémy Chatton et François Marnier, est un délice de détournements musicaux.

Révélé au grand public par sa chanson d’actualité hebdomadaire sur France Inter, Frédéric Fromet n’épargne rien ni personne. Tous ses textes recèlent un véritable fond, même s’ils font systématiquement rire et/ou grincer des dents. Il sera accompagné sur scène par François Marnier (clavier, accordéon, choeurs) et Rémy Chatton (contrebasse, grosse caisse, choeurs). Ensemble, ils chanteront l’amour... au moins pendant les 5 premières minutes. La suite dépend de l’actualité, et de vous !
Ancien ingénieur informaticien, Frédéric Fromet est embauché au Caveau de la République en 2009, où il fera ses armes jusqu’en 2014 (plus de 700 représentations) en croquant chaque semaine l’actualité avec justesse sous forme de chansons satiriques. Depuis septembre 2014, il sévit chaque vendredi soir dans Si tu écoutes, j’annule tout, devenue Par Jupiter, toujours sous la houlette de Charline Vanhoenecker et Alex Vizorek, sur France Inter, à qui il voue une reconnaissance sans borne (mention contractuelle !). En véritable maestro du bon mot musical, il réussit à évoquer les faits d’actualité sur un ton cynique et satirique, à la manière de Charlie Hebdo, sans jamais rien prendre au sérieux, à commencer par lui-même.
« J’ai vu des spectatrices hystériques me supplier de leur faire un enfant sur-le-champ. Des spectateurs jusqu’au-boutistes menaçant d’introduire le manche de ma guitare dans une partie
de mon anatomie non prévue à cet effet. Calmez-vous. Je vous aime tous. À ma façon... » Frédéric Fromet

"L’un des esprits les plus caustiques de la chanson française. Rien ni personne n’échappe à son écriture aussi peaufinée que décapante où abonde le second degré." Le Monde
"Délicieusement grinçant. On aime beaucoup." Télérama sortir

Un service de transport est mis en place pour vous rendre à Cosne sur Loire. Départ de La Maison à 18h30

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Humour,Chanson

Frédéric Fromet

Initialement prévue le 2 décembre 2020, cette représentation est reportée à ce jour

Son album Ça Fromet ! en compagnie de Rémy Chatton et François Marnier, est un délice de détournements musicaux.

Révélé au grand public par sa chanson d’actualité hebdomadaire sur France Inter, Frédéric Fromet n’épargne rien ni personne. Tous ses textes recèlent un véritable fond, même s’ils font systématiquement rire et/ou grincer des dents. Il sera accompagné sur scène par François Marnier (clavier, accordéon, choeurs) et Rémy Chatton (contrebasse, grosse caisse, choeurs). Ensemble, ils chanteront l’amour... au moins pendant les 5 premières minutes. La suite dépend de l’actualité, et de vous !
Ancien ingénieur informaticien, Frédéric Fromet est embauché au Caveau de la République en 2009, où il fera ses armes jusqu’en 2014 (plus de 700 représentations) en croquant chaque semaine l’actualité avec justesse sous forme de chansons satiriques. Depuis septembre 2014, il sévit chaque vendredi soir dans Si tu écoutes, j’annule tout, devenue Par Jupiter, toujours sous la houlette de Charline Vanhoenecker et Alex Vizorek, sur France Inter, à qui il voue une reconnaissance sans borne (mention contractuelle !). En véritable maestro du bon mot musical, il réussit à évoquer les faits d’actualité sur un ton cynique et satirique, à la manière de Charlie Hebdo, sans jamais rien prendre au sérieux, à commencer par lui-même.
« J’ai vu des spectatrices hystériques me supplier de leur faire un enfant sur-le-champ. Des spectateurs jusqu’au-boutistes menaçant d’introduire le manche de ma guitare dans une partie
de mon anatomie non prévue à cet effet. Calmez-vous. Je vous aime tous. À ma façon... » Frédéric Fromet

"L’un des esprits les plus caustiques de la chanson française. Rien ni personne n’échappe à son écriture aussi peaufinée que décapante où abonde le second degré." Le Monde
"Délicieusement grinçant. On aime beaucoup." Télérama sortir

Un service de transport est mis en place pour vous rendre à Cosne sur Loire. Départ de La Maison à 18h30

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Näss

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Oraison — Cirque

Oraison

Un cirque forain onirique, troublant où se côtoient lanceuse de couteaux, acrobates et fil-de-fériste.

Joie, sourire, bonne humeur : bienvenue dans un cirque forain à l’ambiance festive !
Mais soudain, un électrochoc visuel vient déséquilibrer le spectacle... Nous voilà alors transportés dans un monde parallèle, noir et funeste, face à une succession de tableaux métaphoriques et poétiques. Dans la pénombre de la piste, le clown blanc de cirque traditionnel, frôle le désespoir et éveille le spectateur à la connaissance du rôle pitoyable que chacun joue à son insu dans la comédie du monde. Malgré sa maladresse et ses sarcasmes, il contribue au retour de l’harmonie dans le chaos contemporain : une ode poétique aux symboles circassiens.

Sous son petit chapiteau, Oraison rassemble toute une palette de disciplines : fil de fer, acrobatie aérienne, musique live et même lancer de couteaux ! Avec l’onde nerveuse que provoque le geste circassien, l’acte artistique de la fil-de-fériste Marie Molliens a pour ambition d’être vécu physiquement par le spectateur. Dans une ambiance mystique et surnaturelle, les corps fluidesn et gracieux évoluent avec des gestes époustouflants et virtuoses. Performances acrobatiques de haut niveau accompagnées d’une musique captivante : vous en aurez le souffle coupé !

Depuis trente ans, la Compagnie Rasposo questionne les codes circassiens originels à travers un regard actuel, et utilise une mise en scène théâtrale pour faire appel à la sensibilité poétique du spectateur. Oraison est le dernier volet de la Trilogie des Ors, après Morsure et La DévORée, de Marie Molliens, à la tête de la compagnie depuis 2013.

" Oraison se vit sur un fil, respiration retenue, et libère les spectateurs par une ouverture sur le monde. " France 3 Limousin
" Un spectacle qui avance, en quête de sens, sur le fil périlleux d’un équilibre à trouver et à proposer au monde. " La Terrasse

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Horaires hors vacances scolaires
Lundi	fermé
Mardi	10h30-18h30
Mercredi	10h30-18h30
Jeudi	10h30-18h30
Vendredi	10h30-18h30
Samedi	10h00-13h00
Dimanche	fermé

Horaires spécifiques durant les vacances scolaires :
du mardi au vendredi de 13h00 à 18h00

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