LA SAISON par genre


7 m²
Danse / Arts visuels

7 m²

Danse, théâtre et arts visuels se mêlent, fascinant petits et grands. Un voyage émotionnel, sensoriel, visuel et auditif !

7m² s’inspire du célèbre conte Hänsel et Gretel, et plus particulièrement de l’univers graphique proposé par le peintre et illustrateur italien, Lorenzo Mattotti. Dans une alternance d’ombre et de lumière, deux danseurs évoluent et mettent en place un dialogue des corps et des gestes. Un savant jeu de lumières délimite l’espace, en créant une véritable sculpture chorégraphique où les arts visuels rencontrent une danse théâtralisée.

Pourquoi 7m² ? C’est la dimension de l’architecture de lumière dans laquelle les danseurs évoluent. Les danseurs se jouent ainsi des représentations d’enfermement, d’espérance et de liberté présentes dans le conte des Frères Grimm, où deux enfants perdus dans la forêt par leurs parents se trouvent aux prises avec une sorcière.
Résolument tournée vers le jeune public, la compagnie auvergnate Le Pied en Dedans conçoit des spectacles comme des sculptures chorégraphiques, transportant le spectateur dans un espace-temps propice à la contemplation. Aurélia Chauveau, chorégraphe, s’est notamment inspirée des travaux d’Anthony Mc Call, cinéaste et plasticien d’avant-garde connu pour ses fi lms et installations de ‘‘lumière-solide’’.

Epuré et minimaliste, 7m²  est une incroyable fantasmagorie et une expérience émotionnelle forte. Un petit espace pour de grands rêves !

"Une transposition visuelle du conte populaire qui nous transporte dans un monde de tous les possibles. Magique !" La Montagne
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ADN Baroque
Musique / Danse

ADN Baroque

Une façon inédite de (re)découvrir le baroque autrement !
Pour la première fois, ADN Baroque revisite le baroque en piano-voix et piano-danse. Théophile Alexandre, contre-ténor et danseur, est l’un des rares artistes au monde à maîtriser ces deux arts et à les entremêler. Il forme un duo étonnant avec Guillaume Vincent, pianiste, révélation ADAMI et Victoire de la Musique. Sur des chorégraphies de Jean-Claude Gallotta, ce récital lyrique chorégraphié se déroule en trois actes (la lumière, l’ombre et la nuit) composés de vingt et une pièces, comme les vingt et un grammes du poids de l’âme.

Au programme : chefs-d’oeuvre d’opéra ou d’oratorio, un inédit de Porpora, mais aussi des pièces courtes ou raccourcies aux da capo, pour créer de vrais instantanés émotionnels. À contre-courant des pratiques sur instruments anciens, ADN Baroque explore de nouvelles voies et ose déshabiller ce courant musical de ses fastes d’époque. Ainsi mis à nu, ces airs révèlent des facettes inouïes de son écriture musicale, pour nous donner à entendre le baroque autrement. Piano, chant et danse s’entrelacent, incarnent le mouvement perpétuel, et explorent les émotions de l’homme. Cette performance marque les retrouvailles de Jean-Claude Gallotta avec Théophile Alexandre, et son grand retour à l’écriture solo, dix-neuf ans après L’Incessante.

Entre ombres et lumières, entre corps et âme, voyagez au coeur de notre ADN émotionnel. Bouleversant !

"La réussite est totale." Classique News
"Un voyage hors du commun." Musikzen
"Initiative totalement réussie." Musique classique & Co 117
"Une des plus belles voix de la génération actuelle." LCI
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Andando - Lorca 1936
Concert théâtral

Andando - Lorca 1936

Andando réunit des talents singuliers autour d’un rêve commun : faire revivre, le temps d’une soirée musicale endiablée, l’âme et les rêves du poète Federico Garcia Lorca.

La musique – si importante pour Federico Garcia Lorca, qui faillit devenir pianiste concertiste et était passionné de musique populaire, de fl amenco et de gospel – est ce qui permet l’accès le plus direct à sa poésie et à son univers, que l’on soit néophyte ou spectateur averti. Six comédiennes chanteuses et trois musiciens reprennent donc ses textes, sur des musiques de Pascal Sangla.

À l’aube du 19 juillet 1936, dans un petit village espagnol, au début de la guerre civile, on enterre Bernarda Alba, décédée la veille. Pour ses six filles, après l’enterrement et la fête, vient l’invention de vies nouvelles. Dans le village, on entend les bruits de la guerre. Il faut choisir son camp. Une seule demeure dans cette maison bien trop grande, incapable d’imaginer sa vie autrement, choisissant alors le camp des fascistes. Pour les cinq autres, des avenirs différents se profi lent. Une s’engage dans la résistance et prend les armes. Une autre émigre en Amérique pour travailler dans la troupe de Margarita Xirgu. La mystique de la famille choisit d’entrer, elle, dans les ordres. Une autre encore devient une grande figure intellectuelle engagée et féministe. La dernière part à la recherche de l’Amour, l’unique chose qui compte pour elle.

La mort, l’amour, l’engagement politique, la liberté, le voyage : autant de thèmes qui sont au coeur de l’oeuvre de Lorca et auxquels la musique, mêlée au jeu, permet d'accéder. Andando c’est la rencontre de voix différentes, d’un univers poétique, de tempéraments féminins, et de six comédiennes qui désirent travailler ensemble.

« Les poèmes de Lorca, ses textes en prose, sa correspondance ne cessent de questionner ces idées de résistance et de liberté. Il ne s’agit pas d’écrire une pièce que Lorca n ‘aurait pas écrite. Il s’agit de faire entendre la voix du poète libertaire et amoureux. » Daniel San Pedro



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Artemisia
Danse

Artemisia

Des chorégraphies pour poser un point de vue féminin sur le monde...

La nouvelle création de Serge Ambert, à la distribution entièrement féminine, rend hommage aux femmes, célèbres ou anonymes, qui se sont imposées dans un univers dominé par le masculin. Cette pièce chorégraphiée est le second volet d’un cycle qui en comprendra quatre et qui interroge les sociétés dans lesquelles nous vivons. Il suit Les Blessures volontaires, pièce pour cinq interprètes masculins créée en 2012.

Artemisia évoque une société matrilinéaire ou matriarcale, rythmée par le cycle des saisons. Serge Ambert souhaite poser, par le biais des interprètes, une sorte de point de vue féminin sur le monde et, malgré le sujet grave, le décalage humoristique aura toute sa place. Artemisia sera l’occasion de retrouver la force et les fragilités sincères de cinq interprètes féminines à travers trois mouvements (les chemins, les confidences, la construction).
Cette création s’appuie sur l’artiste peintre Artemisia Gentileschi et sur le témoignage qu’elle a fait lors de son procès : la force qu’elle a montrée à la suite de son viol et la résilience par l’art.
Projections d’images, de vidéos et mise en scène originale viendront compléter les interprétations des cinq danseuses.

La compagnie Les alentours rêveurs est une compagnie de danse contemporaine fondée en 2003 qui porte le travail du chorégraphe Serge Ambert. Son travail s’attache à mettre l’humain au cœur de sa recherche et, l’écriture oscille entre corps théâtral et corps dansant. Les thématiques choisies interrogent notre société, l’identité des individus qui la composent. Ainsi depuis 2004 sont traités des thèmes comme la schizophrénie, la maladie mentale et l’enfermement (La Fêlure du Papillon 2004, Les âmes perdues 2005, Comme un Bond en plein Ciel 2010, Ce que me dit la Nuit 2014), la dualité de l’homme entre masculinité et féminité (Fleurs sanglantes 2009), la reconstruction après le chaos (Les Blessures volontaires 2012), le rituel (La Femme ailée 2012). Une part importante de la recherche est tournée vers la relation à d’autres formes artistiques, la musique contemporaine (Desirata 2007), la musique improvisée (Souffle aux Corps 2011), la littérature (A mots perdus 2015). Vous avez pu voir leur première création pour l’espace public, Entre deux horizons, en juillet 2018 sur le parvis de l’Eglise Saint-Etienne. Depuis 2006 la Cie Les alentours rêveurs est installée à l’Abbaye de Corbigny et a trouvé un écrin idéal pour mener sa recherche et aller à la rencontre des publics.
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Blanche-Neige, histoire d’un prince
Théâtre

Blanche-Neige, histoire d’un prince

Une version très originale de Blanche-Neige, adressée aux enfants autant qu’aux adultes !

“Un jour, mon Prince viendra...“
Non seulement le Prince est venu, mais il est resté ! Il a vieilli et Blanche-Neige a grandi, grandi, grandi... Le temps s’est refermé sur eux, et sur Souillon, avec ses nattes blondes et sa trompette, elle qui seule connaît le nom de tous les cent un nains, désormais. Le trio est mélancolique et joyeux. Le Prince clope en cachette. Blanche-Neige pète sans se cacher. Souillon vaque. Parfois ils chantent. Blanche-Neige parle à la Lune. Si elle le souhaite, celle-ci répondra. Ils racontent leur vraie vie aux enfants et tricotent des vrais bonnets pour les nains. Ils s’engueulent. Bottent les fesses de Souillon qui grogne et encaisse. Ils divaguent tout bas et glosent bien fort. Et puis il y a Lèchbott, le nain favori. Celui-là, alors... ! Une dernière fois, on croque une pomme, on interroge le petit miroir, et cette fois encore, le petit miroir répond.
Après le conte des frères Grimm (1812) et le film de Walt Disney (1937), la compagnie Rask!ne vous présente cette version revisitée de Blanche-Neige, entourée du Prince et de tous ses nains et objets animés. Le Prince sera même interpreté par une femme, Blanche-Neige par un homme, et Souillon aux nattes jaunes par le technicien du spectacle...

Extrait : " Blanche-Neige, ton Prince de la forêt sans arbre et des montagnes aplaties de la chasse-cueillette est revenu ! Souillon, ta trompette ! (Souillon souffle dans sa trompette. Blanche-Neige apparaît, endormie.) S’est-il passé que ? Que passe s’est-il ? Passé-t-il que s’est ? Ah ! Les yeux tu ouvres les mains tu bouges à nouveau tu respires. Moulu ! Foutu ! Rompu ! Fourbu ! Jampepu ! Comment s’appellent-ils tous, les 101 nains de la forêt ? Yêtu ? Keufêtu ? Mententû ? Souillon, ma carpette ! "


Profitez du circuit de bus mis en place par Tanéo gratuitement sur ce spectacle !

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Choeurs et âmes
Musique

Choeurs et âmes

Vivaldi, Fauré, Saint-Saëns, Bach... Autant de compositeurs majeurs mis à l’honneur pour ce concert baroque !

Né de la rencontre d'une cinquantaine de chanteurs issus des Choeurs du Conservatoire de Nevers et d'une phalange de musiciens professionnels passionnés de baroque, cet ensemble musical placé sous la direction de Marie-France Messager, a conquis un public de plus en plus nombreux au fil de ses trois années d'existence. En choisissant les oeuvres les plus emblématiques de ce répertoire, il a su faire partager sa passion aux simples amateurs de musique classique comme aux mélomanes les plus avertis.
Retrouvez ces musiciens lors d’une de leurs échappées belles nivernaises, l’ensemble instrumental à cordes au grand complet vous fera découvrir la transcription du célèbre Concerto pour mandoline d'Antonio Vivaldi, joué ici à la harpe. Cet instrument rare, sera mis à l'honneur également avec Le cantique de Jean Racine de Gabriel Fauré et Le Cygne de Camille Saint-Saëns. Ces deux compositeurs romantiques feront exceptionnellement partie du voyage aux côtés de l'incontournable Jean Sébastien Bach et de ses plus belles pages écrites pour choeurs.

Les Choeurs du Conservatoire de Nevers : Crée en 1986, le Choeur du Conservatoire a vocation à se produire avec orchestre. Il a pour l'essentiel abordé un répertoire de musique sacrée, Messes, Oratorios, Cantates, Psaumes de Bach, Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Berlioz, Poulenc, sans négliger pour autant le répertoire profane des XIXème et XXème siècle, avec Bizet, Borodine, Verdi, Elgar, Rutter, ou Chilcott. Composante importante de la vie musicale et du rayonnement culturel de la Ville de Nevers, il se produit dans la Cité Ducale mais aussi en France et à l'étranger, et est également à l'origine de plusieurs créations.


En partenariat avec les Communautés de Communes Loire et Allier, Bazois Loire Morvan et Amognes Coeur du Nivernais et les communes de Saint-Parize-le-Châtel, Fours et Saint-Sulpice.

La représentation le 17 mai à Saint-Sulpice est dans le cadre du festival de la voix.

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Cirque Eloize
Cirque

Cirque Eloize

Passez les portes du Saloon ! Planche coréenne, sangles aériennes, roue Cyr, main à main, lasso et mouvements de diverses inspirations sont au service d’une histoire d’amour rocambolesque où presque tout est permis.

Pour sa onzième création originale, le Cirque Éloize vous plonge dans le riche univers du Far West. L’Amérique est en pleine construction. Le chemin de fer se développe. Une ville s’anime, le Saloon ouvre ses portes. Lieu de rassemblement et de rencontres, il devient théâtre de toutes les histoires. En se laissant charmer par la belle de Saloon, l’amoureux déclenche une poursuite digne des grands westerns.
Une série de situations des plus loufoques s’ensuit au rythme des prouesses acrobatiques et des chorégraphies originales. Les tourtereaux en déroute sèment l’émoi partout sur leur passage; des plaines désertiques aux profondeurs des mines, jusqu’à l’ultime duel... L’ambiance mythique du saloon est portée par la musique live et la cadence exaltée des performances. Un spectacle au rythme effréné qui impressionnera un public de tous les âges !

Considéré depuis 25 ans comme un chef de file du cirque contemporain, le Cirque Éloize conjugue les arts du cirque aux autres formes d’art ainsi qu’à la technologie, pour combler les attentes d’un public en quête d’un divertissement riche de sens. Ses créations, dont iD, Cirkopolis et Saloon, ont été acclamées par plus de 3,5 millions de spectateurs et cumulent plus de 5 000 représentations réparties dans quelques 550 villes à travers le monde. Pour le 25è anniversaire du cirque, La Maison vous propose Saloon, une création touchante et empreinte de poésie.
"À travers les nombreux numéros de danse acrobatique, quelques prouesses aériennes viennent rappeler qu'on a ici à faire à un cirque reconnu à l'international pour le niveau de ses acrobates autant que pour sa créativité." Le Nouvelliste, Trois-Rivières
"Un mélange de poésie, d'acrobaties, de bonne humeur et de rythme vivifiant." Le Figaro

Transport aller-retour gratuit (dans la limite des places disponibles et sur réservations) :
Clamecy > Varzy* > La Maison
*Selon places disponibles

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Clarinettissimo
Musique Classique

Clarinettissimo

Les Concerts Nivernais, unique formation symphonique de haut niveau du département, réunit 70 musiciens, élèves, professionnels et amateurs. Pour ce concert, autour de la clarinette, l’Orchestre a l’honneur de recevoir le virtuose Pierre Génisson.
Ouverture d’Egmont, opus.84 de Ludwig van Beethoven
Beethoven composa en 1810 une musique de scène pour la pièce du même titre de Goethe (1788), comportant divers interludes musicaux, des airs et cette ouverture. Cette dernière, marquée par un romantisme exacerbé, résume en quelques minutes la tragédie du héros de la résistance hollandaise contre l’oppression espagnole.

Concerto pour clarinette et orchestre en La Majeur, K.622 de Wolfgang Amadeus Mozart
Clarinette : Pierre Genisson
Mozart acheva ce concerto en octobre 1791 pour son frère franc-maçon, quelques semaines avant sa mort. Depuis plusieurs années, il associait la clarinette à l’idéal maçonnique ; elle se fait ici messagère de bonheur, de sérénité et de joie, à peine assombrie par la mélancolique cantilène du second mouvement.
 
Symphonie N° 8 en Fa Majeur, opus.93 de Ludwig Van Beethoven
Allegro vivace e con brio, Allegretto scherzando, Tempo di Menuetto, Allegro vivace
Dans son avant-dernière symphonie, Beethoven livre une musique empreinte de vivacité et de joie, qui reflète les sentiments du compositeur alors sous le charme d’une cantatrice berlinoise. Également connue sous le nom de “petite symphonie”, cette oeuvre, bien que composée tardivement, évoque un retour aux sources du style classique.

"Pierre Génisson fait partie de ces instrumentistes qui captent le public, tant par l'expression d'une musicalité absolue que par un art des nuances porté par une générosité naturelle." Tutti Magazine
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Cock Robin
Musique pop/rock

Cock Robin

Le retour dans la Nièvre de Cock Robin, groupe mythique fondé par Peter Kingsbery.

Connaissant un succès immédiat dès sa création en 1982, Cock Robin, formé par Peter Kingsbery, enchaîne dès ses débuts les disques d’or et de platine. Le groupe de pop/rock américain participe ensuite dans les années 90 à l’adaptation en anglais de Starmania en y interprétant Only The Very Best, devenu un tube. En 2006, Cock Robin se reforme avec ses deux membres originaux et sort I Don’t Want To Save The World puis, en 2010, Song From A Bell Tower. La scène n’est pas en reste avec un Bataclan et un Olympia en 2011… En 2016, le public découvre Coralie Vuillemin, sa nouvelle voix féminine, dans son album Chinese Driver, suivi d’une tournée affi chant complet. Après un EP 5 titres, Lollobridida, sorti en avril 2017, Peter Kingsbery reprend la basse, et le son du groupe s’enrichit d’un guitariste électrique.
Depuis fi n 2018, le groupe alterne studio et concerts en France, Islande, Allemagne, Portugal et Belgique, avant de vous présenter son nouvel album sur scène, à paraître début 2020 !

Retrouvez la voix irrésistible de Peter Kingsbery, son talent de songwriter hors du commun, de délicieuses sonorités électro classieuses et contemporaines, plusieurs reprises telles que When Your Heart is Weak et The Promise you made qu’affectionne le chanteur, et ses nouveaux titres...

"Un line-up osé pour un artiste toujours habité et qui prend des risques pour se renouveler." illicomag
"Sa voix n’a pas changé. Le charme opère." Le Télégramme
"Les délicieuses sonorités électro pop rock classieuses et contemporaines font toujours mouche, et les nouvelles chansons, de la même veine, démontrent que les talents de « songwriter » de Peter sont intacts." Le Télégramme
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Compromis
Théâtre

Compromis

Une comédie à la fois drôle et mordante interprétée par deux grands comédiens qui s’affrontent dans un duo-duel réjouissant !

Amis depuis plus de 40 ans, le premier (Pierre Arditi) est un comédien médiocre, le second (Michel Leeb) est un dramaturge raté. Le premier vend son appartement et a demandé au second d’être présent lors de la signature du compromis, pour rassurer l’acheteur. Car même s’il écrit des pièces d’un goût douteux, il a un visage qui inspire confi ance. C’est sa grande qualité. On attend l’acheteur. D’ailleurs, acheteur ou pigeon ? En l’attendant on parle. On se fl atte. On se caresse. On se moque. On se taquine, jusqu’à ce que la conversation glisse au point de devenir blessante, où chacun lance au visage de l’autre ce qu’il retient au fond de lui depuis longtemps.
L’acheteur finit par arriver, assistant à un règlement de comptes farcesque, mais sans concession, entre les deux amis. Va-t-il en demeurer le spectateur, en devenir l’arbitre ou en être au fi nal la seule victime ?

Philippe Claudel voit sa toute dernière pièce, éditée début janvier 2019, adaptée sur les planches. Dans les rôles titres, deux habitués de la scène comme du cinéma : Pierre Arditi et Michel Leeb, dans une mise en scène de Bernard Murat. Le comédien Stéphane Pézerat complète la distribution, pour un huis clos acide et mordant.

Philippe Claudel a reçu le prix Renaudot 2003 pour « Les âmes grises ».

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C’est la rentrée !
Lecture

C’est la rentrée !

Une dégustation littéraire et bacchique soigneusement concoctée. La rentrée, c’est aussi la saison des vendanges !

De fin août à début novembre, la rentrée littéraire est un rendez-vous annuel majeur et excitant, une occasion unique de découvrir un grand nombre de parutions. Un événement qui fait souvent la part belle aux premiers romans mais aussi aux livres d’auteurs chevronnés. La rentrée littéraire c’est aussi l’annonce des lauréats qui viendront compléter la longue liste des prix prestigieux.
En attendant l’annonce de ce palmarès, Olivier Broda vous livrera des extraits de ses coups de coeur mais aussi des extraits d'oeuvres d’anciens lauréats (Goncourt, Renaudot…) qui lui semblent incontournables.

Après Des nouvelles du monde et dans la continuité de ces soirées de partage littéraire et vinicole, Olivier Broda vous invite en partenariat avec la librairie Le Cyprès, à deux soirées dédiées à cette rentrée littéraire.
Quels seront les livres qui feront l’actualité de la rentrée? Quelles seront les inévitables surprises ?

Olivier Broda : Comédien permanent de la Maison de la Culture de Nevers et de la Nièvre (MCNN) de 2000 à 2009, il co-fonde le Théâtre du Temps Pluriel en avril 2009 et en devient le directeur artistique. Après des études d’ingénieur, il sillonne la France en curieux et boulimique, réceptif à toute rencontre artistique. Au théâtre, il joue entre autres sous la direction de Jean-Luc Revol, Serge Lipszyc, Benoît Lambert, Jean-Claude Feugnet, Vincent Colin, Sandrine Anglade, Eve Weiss, Marie-Julie de Coligny, Laetitia Lambert.
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Dimanche Napalm
Théâtre

Dimanche Napalm

Face au silence mystérieux d’un fils, une famille se dévoile. Une pièce poignante.

Cloîtré chez ses parents à la suite d’une tentative de suicide ratée qui l’a amené à être en fauteuil roulant, un jeune homme se tait obstinément. À 24 ans, après avoir vécu le vacarme du Printemps érable, après avoir cru que les choses allaient changer suite à cette révolte étudiante, il s’est retrouvé dans le même univers émaillé des mêmes discours et de la même corruption. Sa révolte s’est emmurée dans son mutisme.
Le silence du fils devient alors révélateur d’inconforts et conduit les siens à livrer par petites doses leurs secrets les mieux enfouis, tandis que rôde autour d’eux l’ombre de la grand-mère.
Dimanche Napalm est né du choc de deux images : le quarantième anniversaire de la photo intitulée La jeune fille au napalm, célèbre cliché d’une petite-fille vietnamienne brûlée au napalm et courant pour fuir l’horreur, et une photo de jeunes Québécois marchant dans la rue lors des printemps érables. Troublé par le contraste des deux photos, Sébastien David a imaginé et écrit Dimanche Napalm, oscillant entre humour et drame en posant la question du mutisme du fils. Renaud Diligent, à la tête de la compagnie dijonnaise Ces Messieurs Serieux depuis 2010, met ici en scène cette oeuvre québécoise.

"Maniant une langue moins crue mais toujours incisive, cet auteur qui aime décrocher du réalisme dans la forme, insiste sur l’humour dans Dimanche Napalm." Le Devoir
"Un portrait saisissant de la société québécoise actuelle. Désillusionné, mais très drôle aussi." lapresse.ce
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Duel Opus 3
Humour musical

Duel Opus 3

Quand la féminité brute de l’une rencontre l’espièglerie garçonne de l’autre, la partition devient savoureuse. Une véritable performance !

Comment rendre la musique classique accessible à tous ?
Le violoncelliste Laurent Cirade a trouvé la recette ! Ses duels musico-humoristiques, d’abord avec le pianiste Paul Staïcu et désormais avec Nathalie Miravette, pianiste aux doigts de fée, ont déjà séduit des milliers de spectateurs à travers 39 pays. Lui, le colosse derrière son fragile violoncelle, et elle, toute petite derrière son imposant piano à queue, se cherchent, se provoquent, se toisent pour mieux se rencontrer et trouver enfin l’accord parfait. L’alchimie fait des étincelles et le rythme ne flanche jamais. On entend les frustrations, on ressent les désirs, on comprend que l’heure est grave et le conflit aigu.

Le spectateur est embarqué dans une battle aux accents classiques, jazz ou rock, allant de Bach aux Rolling Stones en passant par les Beatles. Scénarisation des sketchs, incrustations vidéos et musicales, lumières et fumées, voix off et effets sonores se chargent de transformer le duel en un véritable show. Les instruments s’invectivent, se répondent, se provoquent, puis s’apprivoisent avec talent...

Mis en scène par Gil Galliot, Duel Opus 3 fait honneur à la musique dans une comédie visuelle pleine de rebondissements. Une harmonieuse scène de ménage !

"Les deux artistes ont tous les talents." Le Figaro
" Les deux virtuoses assurent 1h20 de pur divertissement."  A Nous Paris
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Emma la clown
Clown musical

Emma la clown

Une clown va-t-elle oser interrompre des musiciens virtuoses en plein Schubert ?

Oui, et pour ces trois excellents musiciens classiques, répondre a` des questions d’ordre alimentaire, reprendre un morceau trois fois de suite, avoir une clown tombant brutalement de sa chaise, couchée sous le piano, ou les abreuvant de pensées hautement philosophiques ne les surprend pas. Elle a sa place presque normale parmi eux. Soit pour donner un coup de cymbales, soit pour tourner les pages des partitions du pianiste, ou masser ses épaules ; mais elle n’est pas non plus leur assistante. Elle est simplement avec eux, pour écouter de toute son âme, et de tout son corps... Ce spectacle-concert est une déclaration d’amour d’Emma la clown à la Grande Musique, la musique classique. Une déclaration d’amour maladroite... Mais les maladroites ne sont-elles pas les plus émouvantes ?

Après avoir étudié la psychanalyse avec Emma sous le divan, Dieu et la science avec Dieu est-elle une particule ?, les sciences occultes et les esprits avec Emma la clown, voyante extralucide, et la mort avec Emma morte, même pas peur, la clownesse pétillante déclare sa flamme à la musique dite classique ou savante dans Ze big grande musique !
Dans ce nouveau spectacle délirant, elle s’entoure de musiciens talentueux : la violoniste achel Givelet, la violoncelliste Myrtille Hetzel et le pianiste Guilhem Fabre. Irrésistible !

Le personnage d’Emma la clown naît en 1991, lors de la création d’un duo de clown visuel et musical de Meriem Menant avec Gaetano Lucido, duo qu’ils tournent en Europe pendant 4 ans. Ils se séparent, et Emma la clown débute en solo en 1995. Elle tourne ses numéros en cabaret, festivals, premières parties. Depuis, elle enchaîne ses créations en solo et en duo.
 
"Une grande et belle clown qui fait rire et monter les larmes en même temps, et impose sa présence dans une étonnante liberté." Le Monde
"Ce qui est réjouissant, chez Emma la clown, c’est qu’on ne sait jamais où elle va nous emmener." Libération
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Encore un instant
Théâtre

Encore un instant

Humour, délires et tendresse alternent pour vous faire rire, vibrer et passer un instant de théâtre que vous n’êtes pas prêts d’oublier !

Actrice adulée du public, Suzanne n’est pas remontée sur scène depuis la mort accidentelle de l’homme qu’elle aime, Julien, avec lequel elle partageait sa passion du théâtre. L’adoration du public va parfois jusqu’au fétichisme de son jeune locataire Simon, et de Max, qui vient d’écrire une pièce spécialement pour elle. Après dix mois d’absence sur les planches, Suzanne hésite et tarde à lui donner une réponse. Au fond d’elle-même, ce qu’elle désire le plus est de se retrouver seule à seule, encore un instant, avec son guide, son Pygmalion, son metteur en scène Julien...

En amour, il est des miracles qu’on ne peut expliquer. Suzanne et Julien, trente ans de mariage au compteur, sont toujours fous amoureux l’un de l’autre. Un couple complice, heureux et fusionnel. Julien rit, râle, vit mais personne ne le voit ni ne l’entend. Sauf Suzanne... Il est toujours présent dans l’ombre. Il l’observe, se fait courtiser et l’accompagne, tel un fantôme.

Bernard Murat met en scène cette comédie pleine d'humour et de tendresse de Fabrice Roger-Lacan où Michèle Laroque et François Berléand se retrouvent sur scène près de dix ans après avoir joué ensemble.

"Bernard Murat dirige le couple Berléand-Laroque, amis dans la vie, avec une belle sensibilité, dans un décor de Nicolas Sire, dépouillé, mais très coloré. Encore un instant est une belle surprise ; un spectacle tendre, sentimental, pas larmoyant, qui fait aimer la vie." Scène web
"Ils maîtrisent le comique par l’absurde et savent jouer avec leur public, conquis dès les premières minutes." Le Parisien
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Feu
Danse

Feu

Feu invite à une danse énergique, sensible et sensuelle qui cherche dans l’entraide, une forme de survie.

Une danse comme une renaissance à la vie. Une danse énergique, salvatrice, sensible et sensuelle. Une danse comme le cri d’alarme pour le combat d’une vie. Déclinée en brèves séquences, millimétrées et rythmées d’une troublante beauté, pour convoquer la violence du monde et notre capacité à y résister. Le spectacle joue avec les clairs-obscurs, les embrasures de porte, les volutes de fumée, les corps qui tombent et se relèvent.

Sur une musique envoûtante, interprétée sur scène par Gabriel Fabing, les tableaux puissamment sensuels évoquent la mort et la renaissance, la chute et le rebond... Et toujours l’engagement du collectif pour la survie d’un seul. De quoi amener le public à réfl échir sur les comportements de tout un chacun face à la violence qui, trop souvent, rythme notre quotidien. Les danseurs sont liés par une même phrase chorégraphique et musicale jouée en direct qui enfle, accentue la sensation lourde, inquiétante et pourtant pleine de vie et d'émotions. C’est véritablement une danse comme une renaissance à la vie, pour la liberté de vivre.

Feu naît de cette tension entre ce qui nous anime, ce qui nous échappe et ce qu’on abandonne. Une danse puissante, magnifi quement précise, où les jeux de lumières et la musique en live démultiplient la poésie. La précision des mouvements, notamment dans les corps rattrapés, provoque chez le spectateur des moments d’apnée. Une émotion intense sans interruption !

"La danse déborde d’énergie et de poésie, les images se font fascinantes. «Feu» est en prise avec la violence de notre monde, la chorégraphie porte des images symboliques. Le spectacle est saisissant, prenant,  magnifique. La Vouivre convoque la violence du monde pour nous inciter à résister, elle appelle à l’entraide pour survivre. « Feu» est un spectacle accompli et peaufiné jusque dans ses moindres détails. La beauté
conjuguée à une expression d'un troublante liberté." La Montagne

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Héroïnes
Théâtre

Héroïnes

Un voyage du XXème siècle à nos jours, à travers le regard de ces héroïnes passées et présentes, sur la base de témoignages recueillis auprès d’agricultrices.

Venue donner une conférence sur la vie des femmes dans l'agriculture du XXème siècle à nos jours, Cécile dérive, et cherche dans la vie des femmes agricultrices des réponses à ses questions. Par le truchement d'une nappe blanche transmise de femme en femme, Cécile découvre la vie des femmes agricultrices de sa famille.
Né des rencontres entre la compagnie et les résidents de l’EHPAD de Guémené-Penfao, de témoignages recueillis auprès d’agricultrices à la retraite et en activité travaillant dans l’élevage pour la production laitière, et de deux récits de vie édités (La Nappe blanche de Françoise Legendre, et La Masure de ma mère de Jeanine Ogor et Jean Rohou), Héroïnes interroge la place de la femme dans le secteur agricole, en cette période de crise. Parfois discrète et bien souvent masquée, son rôle essentiel est rarement reconnu malgré un siècle de transformation du monde agricole. Entre théâtre, manipulation de photos et sculptures de papier, Anne-Cécile Richard et Antoine Malfettes signent un seul en scène touchant et sincère.

 


En partenariat avec les Communautés de Communes Morvan Sommets et Grands Lacs, Bazois Loire Morvan, Loire et Allier, et les communes de Saincaize-Meauce, Château-Chinon, Decize, St-Seine, Clamecy et Magny-
Cours.

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Je n’ai pas peur
Théâtre / Marionnettes

Je n’ai pas peur

Un thriller marionnettique spectaculaire, qui vous tiendra en haleine jusqu'à la dernière seconde de ce récit palpitant.

Été 1978, sud de l’Italie. Michele, 9 ans, perd une course et le gage imposé consiste à explorer une maison abandonnée, en ruines. Lors de cette exploration il découvre un trou caché dans une cour intérieure au fond duquel il y a quelqu’un : Mort ? Vivant ? Monstre ? Humain ? Sa fantaisie galopante se met en marche. Finalement Michele décide de taire son secret : il s’agit d’un enfant de son âge (Filippo) enchaîné au fond du trou. Il reviendra à plusieurs reprises en se questionnant sur le pourquoi de cette captivité et se liera d’amitié avec cet étrange personnage qui parle de ratons-laveurs et du Seigneur des vers. Enquête qui risque de le conduire à bien d’autres découvertes et bouleverser à jamais son enfance... Martial Anton et Daniel Calvo Funes, happés par le roman de Niccolò Ammaniti, drôle, cruel et passionnant, renouent ici l’adaptation de ce récit poignant, approfondissant ainsi leur art de la marionnette.
Venez suivre le rythme haletant des aventures de Michele et de sa bande, qui nous questionne en boomerang avec candeur et sensibilité sur le fondement et la portée de nos actes. Un conte initiatique brillamment mis en scène.

"Un grand moment de théâtre admirablement servi partrois talentueux comédiens de la compagnie Tro-héol." Le Télégramme
"Très beau récit initiatique, Je n’ai pas peur va à l’essentiel, posé en équilibre délicat entre cruauté, mystère, émotion, horreur et tendresse. Le suspens va crescendo, jusqu’au final, bouleversant. Sans doute le chef d’oeuvre de Tro-Héol, qui nous avait pourtant habitués à de sacrées expériences théâtrales." Ouest France
"Ce thriller marionnettique de la compagnie Tro-Héol est particulièrement abouti." Magazine Théâtre(s)
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Jeanne Added
Chanson

Jeanne Added

Jeanne Added, seule en scène : un concert intimiste exceptionnel à Nevers !

Jeanne Added connaît un succès fou en 2015 avec son album au titre prémonitoire Be sensationnal. Le public et la presse sont k.o. debout. Coup de foudre, succès immédiat. Jeanne Added éblouit, sidère, illumine. Certains se souviennent d’ailleurs de son passage remarqué à guichets fermés en 2015 au Café Charbon. En 2018, Mutate, premier titre de son second album très attendu, est une flèche qui perce le coeur. Magistrale, toujours, la voix de Jeanne Added puise ici dans des nuances ondulatoires qui explorent avec une émotion épidermique, contagieuse, les vertiges et les promesses de la vie. Mutate c’est ressentir les vibrations d’un être vivant, présent. Un hymne à la vie.
Après avoir joué en live l'album Radiate une centaine de fois entre septembre 2018 et août 2019 avec tous ses musiciens, la version solo sera jouée à l’automne 2019 dans une trentaine de théâtres et scènes nationales - d’où le caractère exceptionnel de ce concert à La Maison !
L’artiste réinterprétera, seule en scène et entourée en quadri-frontal par le public, l’album Radiate aux consonances plus électro que le précédent, mais également d’autres morceaux de son répertoire. Dans cette performance en trois tableaux, la chanteuse et musicienne réinvente son répertoire et s’aventure seule dans de nouvelles dimensions. Sa voix, aussi précise qu’expressive nous envoûte, tout autant que sa présence phénoménale. Elle bouscule l’espace de la scène, se donnant à voir et à entendre sous un autre jour, dans un format intimiste. Le scénographe de Joël Pommerat Eric Soyer a également répondu à son invitation pour donner vie à sa vision. Un voyage musical inédit riche en couleurs et en émotions !

Jeanne Added a été sacrée deux fois aux Victoires de la Musique 2019 : Artiste féminine de l’année et Victoire de l’album rock pour son disque Radiate.

"Dans ce nouvel album “Radiate”, au titre évocateur s’il en est, Jeanne Added rayonne, elle chante avec une ferveur enivrante d’émotions. Vraie, proche, détendue, elle chante à visage découvert." France Culture
"De lumière, il semble être souvent question dans ce disque plus chaleureux, sensuel et libéré, par ailleurs totalement contaminé par une sorte de fièvre électronique et une étonnante envie de danser." Libération

 

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Julie Ferrier
Humour

Julie Ferrier

Julie Ferrier remet l’art burlesque au goût du jour : un spectacle hors du commun où l’on rit du début à la fin !

Dans son spectacle À ma place, vous Ferrier quoi ? , Julie Ferrier s'entoure de quatre gentlemen, tous aussi beaux que talentueux. D’humeur jubilatoire et délirante, la pétillante comédienne met en scène ce cabaret foutraque : un joli bazar aux saveurs inouïes et délicieusement drôles dont elle seule a la recette. Il y en aura pour tous les goûts et il sera impossible de s’ennuyer une minute : chorégraphies endiablées, prestations chantées et numéros de dressage, le tout saupoudré d’excentrisme et de clowneries. Accompagnée de ses compagnons de jeu qu’elle travestit à sa guise, en jupe, combinaison léopard ou robe de mariée, elle ose tout.

Une performance extravagante irrésistiblement hilarante !

Après dix ans de danse professionnelle, Julie Ferrier se dirige vers le théâtre en intégrant l’École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq. Son premier one-woman-show, Aujourd’hui c’est Ferrier, est salué par la critique en 2004. En parallèle, elle se fraie un chemin au cinéma en jouant dans Madame Irma, Micmacs à tire-larigot, Sous les Jupes des Filles, Le Flic de Belleville, ou encore La Liste de mes envies. Elle obtient le Prix SACD en 2006 ainsi qu’une nomination aux Césars 2011 dans la catégorie de la meilleure actrice dans un second rôle pour l’Arnacoeur.
"Julie Ferrier et sa troupe osent tout ! Ils enchainent des sketchs plus originaux les uns que les autres et épatent avec leurs chorégraphies et leur sens de la dérision." Au Balcon
"Julie Ferrier et ses acolytes livrent une performance déjantée, pour un show vraiment hors du commun, très longuement applaudi !" Atlantico


Transports aller-retour gratuits (dans la limite des places disponibles et sur réservations) :

  • St-Parize-le-Châtel > Magny-Cours > La Maison
  • Luzy > Fours > Decize* > Sougy-sur-Loire > La Maison
  • Moulins-Engilbert > Châtillon-en-Bazois > Saint-Benin-d'Azy* > La Maison

*Selon places disponibles

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La cigale sans la fourmi
Comédie musicale

La cigale sans la fourmi

La Cigale sans la Fourmi détourne les Fables de La Fontaine pour le plaisir des petits et des grands. Une comédie musicale colorée pour toute la famille !

Vous souhaitez partir au pays des fables de Jean de La Fontaine, écrites il y a maintenant plus de trois siècles ? Bienvenue au royaume de Fabulie... Chaque personnage des grandes fables de La Fontaine interprète perpétuellement son rôle avec un sérieux admirable. Pour la 23743ème fois, Renard vole le camembert de Corbeau, Lie`vre fait le fou et Grenouille est sur le point d’exploser quand... Tout à coup Fourmi fait irruption : “La Cigale a disparu !!”
Quel destin horrible attend la pauvre Cigale ? Ses amis réussiront-ils à la retrouver ?
Partagez cette aventure avec Renard, Lèvre, Grenouille et Fourmi à travers les différents mondes et personnages loufoques de La Fontaine. Vous reconnaîtrez les personnages des fables les plus connus, mais en découvrirez également d'autres, comme un clin d’oeil admiratif à ce véritable océan littéraire souterrain...
Embarquez dans cette folle épopée musicale qui entraînera nos quatre héros au pays des fables oubliées !

"Grâce à ces amitiés entrecroisées et au texte plein d’humour, nul doute que les plus jeunes spectateurs vont terriblement s’attacher à ces personnages. Leurs parents ne seront pas en reste, car le texte regorge d’humour à différents degrés." Musicalavenue.fr
"La Cigale sans la Fourmi est, plus qu’un autre spectacle jeune public, une comédie musicale de qualité, qui nous replonge dans une situation à laquelle petits et grands ont tous été confrontés au moins une fois : une fable récitée, les genoux tremblants, devant la classe..." regardencoulisse.com
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La double inconstance
Théâtre

La double inconstance

Une jeune fille est littéralement dérobée pour les beaux yeux d’un prince un peu capricieux qui meurt d’amour pour celle qui, au départ, ne l’aime pas.

Tout avait commencé par un pacte d’amour. Deux amants, Sylvia et Arlequin voulaient protéger leur passion. Mais le jeune prince, cousin éloigné d’Édouard aux mains d’argent, tombe fou amoureux de Sylvia. La loi de son pays interdit de la prendre par la force, alors avec l’aide de ses trois complices, Flaminia, Trivelin et Lisette, il met en place un jeu dangereux pour la séparer d’Arlequin pour toujours. « Ne songeons qu’à détruire l’amour de Silvia pour Arlequin » prononce Flaminia au début de la pièce. S’engage alors un véritable stratagème qui va conduire à une double inconstance : celle de Sylvia pour le prince et celle d’Arlequin pour Flaminia.
Philippe Calvario souhaite utiliser l’esthétisme du conte dans cette pièce, un conte plutôt sombre où l’enfance d’une jeune fille est littéralement dérobée sous nos yeux...
Le conte, c’est imaginer l’action de la pièce se déroulant en une nuit et une journée de tous les possibles, un peu à l’image d’une nuit de la Saint-Jean où les esprits seraient de sortie et où les pactes d’amour s’envoleraient avec les feuilles des arbres... Après Le Jeu de l’amour et du hasard, qu’un critique avait qualifié d’ « intelligence faite théâtre ! », on retrouve avec bonheur Philippe Calvario dans cette nouvelle mise en scène de Marivaux. Guillaume Sentou, ici dans le rôle d’Arlequin, revient à La Maison après son rôle dans Edmond d’Alexis Michalik en 2018, pour lequel il a reçu le Molière de la révélation masculine.

Philippe Calvario, metteur en scène : Après une formation au Cours Florent,il fonde sa compagnie en 1996 avec laquelle il produit et met en scène plus’une trentaine de spectacles de théatre et d’opéra. Il alterne depuis son travail de metteur en scène et de comédien. S’il a joué sous la direction de Patrice Chereau dans le film Intimacy, c’est essentiellement au théâtre qu’il mène sa carrière. En 2004, il met en scène son premier opéra, L’Amour des trois oranges de Prokofiev pour le Festival d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence, le Théâtre National du Luxembourg et le Teatro Real de Madrid. En 2012, il est à l’affiche du Théâtre Athénée Louis Jouvet avec Les Larmes amères de Petra von Kant de Rainer Werner Fassbinder. Il a monté deux productions au Théâtre du Rond Point (Médée Kali de Laurent Gaudé et Les Visages et les Corps de Patrice Chéreau ). Il a été associé 9 ans au Quartz de Brest dirigé par Jacques Blanc, trois ans à la Comédie de Reims, trois ans à la MCNN de Nevers, trois ans au Théâtre du Beauvaisis, et est actuellement associé à la Scène Nationale d’Albi. Toutes les pièces ont été représentées en Ile de France, en Province et en Europe entre 15 et 300 fois (279 dates de tournée pour être précis sur 5 saisons pour Le jeu de l’amour et du hasard par exemple).

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La machine de Turing
Théâtre

La machine de Turing

L’histoire vraie d’un homme qui a changé le monde.

Tirée d’une histoire vraie, cette pièce relate la vie incroyable d’Alan Turing, mathématicien britannique, précurseur de l’intelligence artifi cielle et inventeur de l’ordinateur. À l’hiver 1952, suite au cambriolage de son domicile, le professeur Turing porte plainte au commissariat de Manchester. Avec son allure peu conventionnelle, il n’est pas pris au sérieux par le sergent enquêteur Ross. Mais, toujours sous surveillance, la présence d’Alan Turing dans ce poste de police n’échappe pas au général Menzies, pour lequel il a travaillé pendant la guerre. L’interrogatoire du sergent Ross va alors prendre une toute autre tournure et leur face à face va nous amener à parcourir la vie de cet homme détenant de nombreux secrets…

De son incroyable acharnement pour parvenir à briser Enigma, la machine servant à crypter les messages de l’Allemagne nazie pendant la seconde guerre mondiale, à sa relation tumultueuse avec son amant Arnold Muray, Alan Turing est un homme atypique et attachant, inventeur d’une «machine pensante», véritable genèse de l’intelligence artifi cielle et des ordinateurs. Il sera fi nalement condamné pour homosexualité et mettra fi n à ses jours, tel Blanche-Neige, en croquant dans une pomme empoisonnée. Voici le destin hors du commun d’un génie injustement resté dans l’ombre et broyé par la « machine » bien-pensante de l’Angleterre des années 50.

Benoît Solès a reçu le prix du théâtre 2018 de la Fondation Charles-Oulmont pour son interprétation. La Machine de Turing a été nominée aux Molières 2019 dans les catégories Théâtre privé, Comédien d’un spectacle de Théâtre privé, Auteur francophone vivant et Metteur en scène d’un spectacle de théâtre privé.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Alan Turing joua un rôle majeur dans la cryptanalyse de la machine Enigma, utilisée par les armées allemandes, ce qui permit selon certaines analyses de raccourcir la guerre de deux ans. Une histoire qui restera secrète et classée secret défense jusqu’à l’an 2000. Condamné par la justice britannique pour homosexualité (un délit jusqu’en 1967), il choisira la castration chimique plutôt que la prison pour continuer à travailler sur sa machine, la quête de sa vie... La reine Élisabeth II le gracie à titre posthume en 2013 où il fut enfin reconnu comme un héros de guerre, 55 ans après sa mort.
"Sensible, haletant !" Le Monde
"Passionnant, drôle !" Le Parisien
"On est bouleversé par la qualité du spectacle et la force déchirante de ce qui nous est révélé." Figaroscope

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La magie lente
Théâtre

La magie lente

Benoît Giros, seul en scène, vous transporte dans cette histoire poignante en interprétant les trois rôles de la pièce.

Lors d’un colloque en psychiatrie, un praticien fait une communication sur une erreur de diagnostic.
Il s’appuie sur le cas de M. Louvier, diagnostiqué comme atteint de schizophrénie il y a dix ans. Son suivi psychiatrique est sans résultat. Lorsque celui-ci s’adresse à un nouveau praticien, il découvre qui il est vraiment. Guidé par ce nouveau psychiatre, l’aidant à avoir confi ance en ses réminiscences, il va progressivement se réconcilier avec lui-même. Au fur et à mesure du récit de la tragédie de son enfance, de sa vie, la libération de M.Louvier se dessine. C’est tout l’enjeu de la pièce.
Le texte de Denis Lachaud raconte une histoire atroce et pourtant simple. Il en restitue la douleur mais aussi la lumière. Un être humain, violé dans son enfance, voit sa vie détruite à cause de ce traumatisme. À travers ce changement radical de diagnostic, il va affronter son enfance saccagée, en silence, sans aucun secours. Il va progressivement se reconnecter avec sa propre histoire, à l’opposé de celle qu’il s’était dessinée et qu’on lui avait diagnostiquée et comprendre qui il est, alors qu’il en a été empêché si longtemps, par le monde, la société, le milieu scolaire puis médical, professionnel et psychiatrique, et surtout un oncle, qu’il aurait préféré oublier. Comme un patient parle à son psychanalyste, l’acteur parlera aux spectateurs. Cette découverte effarante fait émerger ses traumatismes, lui permet de les nommer, les tenir à distance, puis se reconstruire.

A partir de 15 ans.

Denis Lachaud : Romancier, homme de théâtre, auteur, metteur en scène et comédien, Denis Lachaud a publié huit romans et sept pièces de théâtre : J’apprends l’allemand, La Forme profonde, Comme personne, Le vrai est au coffre, Prenez l’avion, J’apprends l’hébreu et Ah! ça ira... aux éditions Actes Sud, ainsi que L’Homme inépuisable aux éditions du Chemin de Fer, La Magie lente, Hetero, Ma Forêt fantôme, Moi et ma bouche, L’Une, Survie et La Rivière chez Actes Sud-Papiers. Il est membre du collectif La Forge depuis 2003.
Pierre Notte : Auteur, compositeur, metteur en scène, comédien, Pierre Notte a été animateur dans un centre de loisirs, journaliste, et secrétaire général de la Comédie-Française. Il est depuis 2009 auteur associé et rédacteur en chef au Théâtre du Rond-Point. Son roman J’ai tué Barbara, suivi de La chanson de Mme Rosenfelt, vient de paraître aux Editions Philippe Rey. Quitter le rang des assasins sort le 18 Avril dans la collection Blanche de Gallimard. Il est chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.
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La vie de Galilée
Théâtre

La vie de Galilée

« Celui qui ne connaît pas la vérité, celui-là n’est qu’un imbécile. Mais celui qui la connaît et la qualifie de mensonge, celui-là est un criminel. »

Galilée, professeur de mathématiques à Padoue, réussit en 1610 à confirmer le système héliocentrique de Copernic au moyen de la lunette astronomique qu’il vient de mettre au point. Il se rend à la cour de Florence, où il espère imposer ses nouvelles théories : ce n’est pas le soleil qui tourne autour de la Terre, comme le soutient l’église, mais l’inverse !

L’Inquisition saisit rapidement les implications d’une telle théorie : si la Terre n’est plus le centre de l’univers, cela voudrait dire que l’homme n’est pas le centre de la création, ou encore que l’église elle-même n’est pas le centre de la civilisation... Galilée est alors contraint, sous la menace de la torture, de réfuter ses propres affirmations, et se fait emprisonner à vie.

Une décennie plus tard, toujours en captivité, presque aveugle et rongé par le remords d’avoir cédé aux menaces de l’Inquisition aux dépens de la science, il écrit les Discorsi qui reprennent les conclusions de ses recherches. Ainsi, quand son élève favori revient le voir, il lui apprend l’existence de ce livre et lui demande de l’emporter hors d’Italie afin de faire connaître ses travaux à l’étranger...

À travers La Vie de Galilée, Brecht raconte le combat entre la science et le pouvoir théocratique, la connaissance contre l’obscurantisme. Brecht lui-même avait été placé dans une situation historiquement comparable à ce qu’avait vécu Galilée : l’Allemagne nazie — qu’il fuit dès 1933 — imposait sa vérité officielle et faisait plier tous ses contradicteurs.
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Les 3 cochons (et le dernier des loups)
Théâtre

Les 3 cochons (et le dernier des loups)

Jean-Luc Revol propose un spectacle à venir voir en famille, d’après une adaptation de l'auteur jeunesse Frédéric Chevaux.

Les 3 petits cochons, oeuvre phare de la littérature enfantine, est ainsi portée à la scène dans une version moderne où la double lecture permet aux enfants autant qu’à leurs parents d’en apprécier l’humour et l’enseignement. Trois frères Cochons, en âge de quitter le foyer familial, partent découvrir le monde. Chacun décide de gérer cette nouvelle liberté comme il le souhaite. Le premier construit une maison en paille, par facilité. Le second, en bois vermoulu, par radinerie. Le troisième, prévoyant, dessine tout d’abord un plan, puis bâtira la sienne en briques. Mais le Loup n’est jamais très loin… leur causant bien des soucis et tentant de les manger les uns après les autres. Les Cochons useront alors de stratagèmes pour venir à bout du Grand Méchant.
Frédéric Chevaux présente ici Jean-René, Jean-Thierry et Jean-Michel, les trois cochons version 2018, et nous offre une très belle adaptation d’un conte légendaire, caustique et drôle, tout en se confrontant évidemment à la morale première du conte : doit-on s’amuser avec insouciance et ne pas s’inquiéter des éventuels dangers à venir ? Ou doit-on travailler et anticiper, afin de ne pas être surpris par les aléas de l’existence ? Rude dilemme que celui des cochons.
Au Loup ! Vive le Loup ! Car le plus dangereux n’est pas forcément celui que l’on croit !

 

En partenariat avec la Communauté de Communes Morvan Sommets et Grands Lacs et la commune de Dommartin.

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Les amoureux de Shakespeare
Théâtre

Les amoureux de Shakespeare

Lorsqu’un grand classique rencontre une imagination débordante, ça donne un spectacle original et déjanté !

Héléna, Hermia, Lysandre et Démétrius se retrouvent dans une forêt pour leur premier feu de camp. Lysandre et Hermia sont amoureux, tandis que Demetrius repousse Helena, pourtant éprise de lui, car il n’a d’yeux que pour Hermia. La nuit venue, les Pucks, petits êtres de la forêt, outrés par l’attitude de Demetrius, entreprennent de lui faire absorber un fi ltre d’amour afi n de faire naître en lui un désir ardent pour Helena. Mais le hasard et la maladresse des Pucks bousculeront le plan échafaudé par les petits êtres magiques... 

La compagnie Les Mauvais Elèves s’empare du Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare pour créer une comédie dont sont extraites les scènes des quatre adolescents amoureux. En ne retenant qu’une partie de la pièce, ce spectacle prend racine dans le texte, tout en devenant autre chose. Ils sont ainsi plongés dans l’univers du Swinging London des années 60, entre humour, folie et psychédélisme, ponctuant l’histoire par onze chansons revisitées du répertoire pop (Beatles, Troggs, Kinks...).
Retrouvez la fantaisie de ces comédiens, dans une mise en scène décalée et inventive de Shirley et Dino !

La compagnie Les Mauvais élèves : 5 ans d’existence, 3 spectacles et plus de 700 représentations ! De Paris à Avignon, ils séduisent des milliers de spectateurs et une cinquantaine de lieux depuis 2013. Shirley et Dino accompagnent ces quatre comédiens et ont permis de révéler leur folie et leur univers. La compagnie est accueillie en résidence par la Ville de Versailles depuis 2017.
"Une farce jubilatoire! Une folie douce et fraîche. Le public prend un immense plaisir devant ces quatre amoureux-là." Le Parisien
"On ne s’ennuie pas une seconde! Jubilatoire et hilarant du début à la fin. Quatre jeunes comédiens au talent exceptionnel. On rit à gorge déployée de bout en bout !" France Info
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Les Naufragés
Théâtre

Les Naufragés

En adaptant l’essai de Patrick Declerck sur le quotidien des SDF, Emmanuel Meirieu nous plonge dans le monde des clochards. Émotion garantie.

Nous les côtoyons tous les jours. Souvent ils sont ivres et peinent à mendier. Ils sentent mauvais, vocifèrent et font peur. Nos regards se détournent. Qui sont ces marginaux aux visages ravagés ? Ce sont les clochards. Fous d’exclusion. Fous de pauvreté. Fous d’alcool. Et victimes surtout. De la société et de ses lois. Patrick Declerck, l’auteur, a suivi les clochards de Paris pendant quinze ans. Étudiant, il décide de se faire embarquer avec eux jusqu’au centre d’hébergement d’urgence de Nanterre. Incognito, en immersion complète, ils partagent leurs nuits... En 1986, il ouvre la première consultation d’écoute destinée aux SDF. Il pratique la psychanalyse au Centre de Soins Hospitaliers de Nanterre, comme un infirmier de guerre répare les corps sur le front. Un patient l’obsède encore : Raymond qui était devenu son ami s’est laissé mourir devant le centre d’accueil, une nuit d’hiver. Son corps a disparu. Après sa mort, Patrick va mener l’enquête, essayer de comprendre. Et chercher sa dépouille.
Avec Les Naufragés, Emmanuel Meirieu nous donnera à écouter le témoignage d’un homme parti vivre avec les oubliés, les naufragés, les indigents. Depuis près de dix ans, il porte des romans à la scène sous la forme de témoignages. Face au public, au micro et seuls en scène, des êtres viennent se raconter, brisés, viscéralement humains.
« J’ai voulu pour ces hommes fracassés, sans paroles, sans histoires, sans traces, ériger une sorte de monument. Un mémorial qui leur ressemble un peu. Un peu de travers donc. D’un goût douteux parfois. Quelques pierres sans plus. Presque ruines... » Emmanuel Meirieu

"Emmanuel Meirieu, passé maître dans l’art d’adapter les romans au théâtre, signe un spectacle fascinant. "L’Obs
"Les Naufragés giflent le public. Avant de lui mettre des larmes plein le coeur." Télérama
"Emmanuel Meirieu ne sait pas créer un spectacle sans être totalement habité par son sujet. Un mausolée théâtral pour les sans-abri." Le Monde

Pour aller plus loin, retrouvez le film Au bord du monde, projeté le mercredi 15 janvier en Petite salle

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Les Royaumes
Danse

Les Royaumes

Les mouvements amples et généreux des danseurs se doivent, selon le credo fort de la Cie Adéquate, de ne pas exclure, mais au contraire, de rassembler les publics. Pour une sociologie dansée.

Huit danseurs forment une masse, une vague sans fin et sans répit, l’afflux d’une force souple et fluide qui ne s’immobilise jamais. Ce groupe formé d’individualités s’organise, désigne des leaders, élabore des stratégies, s’unit et se défie dans la marche et le chant. Les danseurs semblent se préparer à un conflit imminent...qui n’arrive jamais, puisqu'ici, l’excellence consiste à vaincre sans combattre.
Le point de départ de ce projet est le livre L’Art de la Guerre, un texte classique attribué au général chinois Sun Tzu (VIe siècle av. J.-C.). Au cours des siècles, cet ouvrage de stratégie militaire a trouvé écho dans le domaine des affaires, de la politique, du sport. Si L’Art de la Guerre rencontre autant de succès, c’est que les intuitions de Sun Tzu s’appliquent à tous les conflits, qu’ils soient à grande échelle ou plus intimes. Il ne traite pas tant de combats que de la manière dont on peut les résoudre. Ici la stratégie l’emporte sur la force, telle l’eau, il s’agit de ne pas résister mais d’apprendre à se laisser porter par le mouvement des choses.
La compagnie centre sa danse fluide, tout en dialogues et en échanges, autour d’une question fondatrice à son répertoire : notre rapport à l’autre ; rapports amoureux ou fraternels, de ceux qui nous fondent ou qui nous traversent, tout contre l’intime ou au coeur de la sphère professionnelle, et même au-delà, nos rapports politiques, géopolitiques...
Adéquate entend mêler un degré d’accessibilité avec le devoir d’exigence lié à l’essence même de son art, la danse contemporaine. Trois ans après Job, ils font leur retour sur la scène de La Maison pour cette création !


 

Transports aller-retour gratuits (dans la limite des places disponibles et sur réservations) : 

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  • Moulins-Engilbert > Châtillon-en-Bazois > Saint-Benin-d'Azy* > La Maison

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Lodka
Théâtre Burlesque

Lodka

Sans un seul mot mais avec une justesse poignante et un humour incisif, ces artistes nous communiquent leurs rêves, leurs chagrins, leurs espoirs et leur humanité.

Après une tournée mondiale et des spectacles à guichets fermés pour La Famille Semianyki, quatre des artistes de la joyeuse troupe de ces clowns frappadingues reviennent avec LoDka. Les acteurs, touchants et drôles, s’inspirent de leur propre expérience en tant que troupe de théâtre : ils sont piégés dans les personnages d’une pièce dont l’écriture échappe à tout contrôle. Assis dans un petit bateau au milieu d’un océan sans fi n, ils sont chahutés par des vagues de situations rocambolesques. Et l’impossibilité de s’en échapper les rend complètement fous ! Toutefois, à mesure que s’écrit leur histoire, ils commencent à en saisir l’essentiel. Ils comprennent avec joie qu’ils sont un refuge les uns pour les autres et qu’il n’est pas de meilleur endroit pour jeter l’ancre que le centre du cercle qu’ils forment ensemble. Sergey Byzgu, metteur en scène et artiste honoré de Russie, réussit le mariage miraculeux de la poésie avec le comique. Passés maîtres dans l’art du clown, les créateurs de LoDka sont des mimes hors-pairs, qui communiquent avec un langage corporel si riche, et si nuancé qu’il en devient universel.
Pour cette nouvelle aventure, les artistes ont invité Natalia Parashkina, une comédienne brillante au talent aussi exceptionnel qu’excentrique, qui a joué plus de trente rôles au cinéma et a participé à de nombreux projets pour les théâtres russes les plus prestigieux. Le jeu et l’humour brillants des comédiens vont à coup sûr vous immerger dans des spéculations sur le sens de la vie !

"Les acteurs ont un talent incroyable, des expressions et des mimiques captivantes ainsi qu’un jeu de scène renversant." La Provence
"Un inclassable à courir découvrir." Télérama sortir
"On est touché et on rit en même temps. Alors, l’art du clown atteint son sommet." Le Figaro

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L’angoisse du roi Salomon
Théâtre

L’angoisse du roi Salomon

L’improbable destin d’un ancien roi du pantalon nous est conté par Jean, son chauffeur de taxi, devenu complice du riche retraité.

Paris, 1978. Au volant de son taxi, Jean n’a que 25 ans, une gueule de voyou pour les hommes, une gueule d’amour pour les dames... Il est autodidacte et s’instruit tout seul dans les dictionnaires.
A l’arrière, il a chargé l’élégant Salomon Rubinstein, 84 ans, dit « Le Roi Salomon » qui après avoir fait fortune dans le prêt-à-porter, a décidé de « prodiguer ses largesses à ceux qui n’y croient plus... ». Salomon scrute curieusement le visage de Jean, l’invite à prendre un café, et finit par l’embaucher comme chauffeur personnel. Peu à peu, il découvre la solitude du vieux Salomon, sa colère volcanique, ses amours mal éteintes avec Cora Lamenaire, une ancienne chanteuse réaliste qu’il a connue avant-guerre...

Vingt-cinq ans plus tard, Jean nous raconte sa rencontre miraculeuse avec Monsieur Salomon, dans la langue gouailleuse et malicieuse de Romain Gary, sous le pseudonyme d’Emile Ajar. Il nous entraine sur les trottoirs d’un Paris populaire, de la rue du sentier aux Champs-Elysées, dans sa course folle pour rattraper le temps perdu entre Salomon et Cora.

Après le succès de La Promesse de l’aube, Bruno Abraham-Kremer, comédien et metteur en scène, ici seul en scène, vous convie à un nouveau voyage initiatique et humoristique entre Chaplin et les Tontons Flingueurs.

"Bruno Abraham-Kremer interprète avec une maestria jubilatoire l’adaptation du roman de Romain Gary, réalisée avec Corine Juresco. Un magnifique spectacle, drôle et bouleversant." La Terrasse
"Quand la littérature rencontre un formidable acteur, cela donne un très bon moment de théâtre." Scene web
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L’art délicat du quatuor
Musique

L’art délicat du quatuor

Un voyage musical et burlesque au coeur des grands sentiments humains. Découvrez le nouveau spectacle du Quatuor Léonis !

L’ Art délicat du Quatuor signe le retour du Quatuor Leonis, après le succès de leur premier spectacle Eclisse Totale, joué en octobre 2017 à La Maison. Ils vous invitent ici à tendre l’oreille, percevoir l’indicible et à savourer chaque note des plus grands chefs d’oeuvre de l’histoire du quatuor à cordes, lors d’une conférence chimérique sur le génial Schubert. Le Quatuor Leonis, c’est un violoniste qui a toujours rêvé d’être soliste, un autre qui rêve d’être premier violon, un violoniste raté et un qui déteste le violon. Alors, qu’est ce qui réunit ces quatre-là ? Et comment arrivent-ils à vivre et jouer ensemble ? La musique aurait-elle vraiment ce pouvoir de faire que chacun s’écoute, s’entende et se construise dans «l’Ensemble» ?
Situations absurdes, rencontres avec des fi gures illustres de la musique, les quatre musiciens explorent les grands sentiments humains qui ont comme source commune la peur. Au-delà du rire, que faire de nos émotions quand elles nous envahissent, nous dérangent, nous font faire le contraire de ce que l’on voudrait ou devrait ? Afin de composer cette ambitieuse partition « Tatiesque », le Quatuor Leonis a décidé de
faire appel aux talents d’écriture et de mise en scène de Jos Houben, célèbre auteur de l’Art du Rire.

Le Quatuor Leonis : Engagés dans une démarche artistique innovante, les musiciens du Quatuor Leonis, fondé en 2004, transportent le riche héritage du quatuor à cordes dans le monde du théâtre, de la danse, de la littérature, de la musique électronique, du jazz et de la chanson avec des projets audacieux. Fidèles à la tradition, ils interprètent les plus belles pages des compositeurs de leur époque, mais, désireux d’élargir leur champ artistique, ils participent à des projets variés alliant création musicale, mise en espace et dispositif électronique en temps réel.
"Les Leonis comptent parmi les formations chambristes françaises les plus engagées dans le décloisonnement musical à travers des projets croisés avec des artistes de théâtre, de la danse ou des écrivains." La Terrasse 
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L’effort d’être spectateur
Théâtre

L’effort d’être spectateur

Conférence brillante ou performance foireuse ? Un portrait déstructuré du spectateur de théâtre.

Quelques papiers volants et accessoires rassemblent les prises de position, les points de vue et observations d’un homme de théâtre. Pierre Notte, chapeau vissé sur la tête, aborde le travail de l’acteur, de l’auteur, du metteur en scène et des artistes de la scène avec plus ou moins de bonheur. L’oeil bleu pétillant, il crée d’emblée une connivence avec le public, l’entrainant dans un marathon de réfl exions pleines d'humour sur le théâtre. Qu’est-ce qui rend le théâtre si différent du cinéma et de la télé ? Et surtout, qu’est-ce qui rend son spectateur si différent ? Qu’attend-il ? À quoi s’expose-t-il ?
L’auteur raconte son expérience, ses ratages, ses aspirations, ses considérations autour des métiers du spectacle vivant, autour de l’état et de l’effort d’être spectateur.
À l’aide d’un verre d’eau, d’un harmonica et d’un hula-hoop, l’auteur illustre son propos par des images réussies ou ratées pour prouver que le spectateur est avant tout un travailleur de la pensée et de l’imagination. Outre le fait de faire souvent rire sans méchanceté, Pierre Notte nous entraîne avant tout à réfléchir sur les relations humaines. Un spectacle qui permet de découvrir et d’appréhender le rôle de chacun dans cette magie qu’est la mise en scène d’une pièce de théâtre.

"Pierre Notte est un auteur puissant et drôlissime, salué par les Molières, la SACD et l’Académie Française... […]" La Provence
"«L’effort d’être spectateur», dernier opus théâtral écrit, mis en scène et joué par Pierre Notte en a surpris plus d’un !" Vaucluse Matin
"D’un ton léger, absurde, humoristique et malin, Pierre Notte fait rire et parvient même, de par une bienveillance évidente envers le public, à faire rire des travers de certains spectateurs." Lebruitduoff.com
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Marc Lavoine
Chanson

Marc Lavoine

Le grand retour de Marc Lavoine : un artiste qui ne cesse de nous surprendre et de nous émouvoir !

Après son concert remarqué en 2013 et son rôle dans la pièce Le Poisson Belge de Léonore Confino en janvier 2017, Marc Lavoine revient sur la scène de La Maison pour vous présenter son douzième album, Je reviens à toi, et le spectacle total qui l’accompagne.

Depuis 1984 où son tube Les yeux revolver l’a propulsé en tête des charts français, Marc Lavoine enchaîne les succès. L’année suivante, les titres Le parking des anges et Bascule avec moi, puis, dans les années 2000, son triomphal duo avec Cristina Marocco, J’ai tout oublié, ou encore Toi mon amour, sont autant de tubes qui confirment l’engouement que lui porte son public. Amoureux invétéré de la langue française, de sa richesse et de ses nuances, Marc Lavoine est devenu cet artiste accompli qui a su nous convaincre.

Après des rôles marquants sur les planches ou les écrans et un premier roman autobiographique plébiscité par le public, son retour à la chanson est celui d’un artiste au désir immense d’absolu et de vérité. Il ne manquera pas de chanter ses titres incontournables, toujours aussi attendus.

De la poésie, de l’amour... Marc Lavoine a encore des choses à nous raconter. Un concert placé sous le signe de l’émotion, de la joie et des retrouvailles avec le public nivernais !

« Le charme opère. Tour à tour sa voix de velours, magnétique, parfois noyée dans les échos, scande une savante sensualité à fleur de peau. » France Inter
« Le chanteur livre une performance vocale sublime, chaude et brute, s'accompagnant de cordes et de cuivres qui habillent avec délicatesse des paroles qui flirtent avec la poésie. » RTL
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Messmer
Mentalisme

Messmer

Détenteur du record mondial d’hypnose collective, Messmer est de retour à La Maison pour un voyage euphorique au coeur de vos cinq sens !

Messmer, l’une des grandes références en hypnose et magnétisme à travers le monde, sera à La Maison pour vous présenter son nouveau spectacle, Hypersensoriel. Sommité dans l’art de la fascination, Messmer repousse à nouveau les limites du subconscient, en mettant cette fois à profit nos cinq sens. Quels sont leurs secrets, leurs pouvoirs insoupçonnés ? Peut-on les décupler, les altérer ? Et si nous avions un 6ème sens qui sommeille en nous ?
Après plusieurs années à étudier le cerveau humain pour amplifier ses propriétés, Messmer vous invite cette fois à stimuler et éveiller vos sens au travers d’expériences et d’aventures étonnantes et divertissantes. Interactif et euphorique, ce rendez-vous met à profit technologie, réalité virtuelle, et démonstration de l’incroyable pouvoir du subconscient !
En plus de son succès sur scène, Messmer s’illustre également à la télévision avec ses projets uniques, tous aussi fascinants que divertissants. En France, il est à la barre, depuis plusieurs années maintenant, du programme Stars sous Hypnose, diffusé sur TF1, qui connaît un succès fracassant.

« Chacun de nos sens a des pouvoirs extraordinaires que nous méconnaissons et qui nous permettent d’appréhender notre environnement de façon bien plus précise qu’on ne le pense. » Messmer

"Messmer fascine Paris. Un spectacle étonnant !" Le Parisien
"Il faut le voir pour le croire. Une expérience littéralement ahurissante !" Métro France

 

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Michèle Bernier
Humour

Michèle Bernier

Un spectacle résolument drôle et optimiste sur l’avenir !

« De mon temps », « Quand j’étais jeune », sont des expressions qui ont le don d’énerver Michèle Bernier. Pour elle, mieux vaut rire du temps qui file et du passé, que de se laisser entraîner par la morosité ambiante et cultiver la nostalgie d’un temps révolu. « Le premier qui me dit que c’était mieux avant, je lui fais laver son linge à la brosse à chiendent sur la planche à laver, à genoux dans le baquet, les mains dans l’eau glacée du lavoir, par moins dix degrés dehors, et sans gants Mappa, ça n’existait pas ! » Michèle Bernier passe en revue son passé et son présent, mais finalement, la seule chose qui l’importe c’est le futur que nous allons vivre, et qui va nous surprendre. Après le succès des spectacles Le Démon de midi, Et pas une ride ! et Je préfère qu’on reste amis, Michèle Bernier revient seule en scène avec un nouveau spectacle encore plus visuel et musical, mis en scène et co-écrit par sa complice Marie Pascale Osterrieth. Alors si vous aussi, vous voulez vous tourner vers l’avenir et arrêter de déprimer, Michèle Bernier vous donnera le mode d’emploi. Vous vous retrouverez à coup sûr dans les situations évoquées !

« Vive demain! » a été nommé aux Molières 2019 dans la catégorie Humour.

"On ne s’ennuie pas une seconde, car « Vive demain ! » est un spectacle à l’image de son interprète : positif et généreux." Télérama
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Natchav
Théâtre d'ombre,Musique

Natchav

Un thriller en théâtre d’ombres sur le thème de la liberté, où l’univers du cirque se confronte avec celui de la prison.

Au petit matin, dans la pénombre, le cirque Natchav arrive en ville. Le convoi de caravanes et de camions s’installe sur la place centrale. Les baltringues commencent leur concert de coups de masse et enfoncent les premières pinces dans le sol ; on entend le souffle de la grande toile qui se déploie le long des mâts dressés vers le ciel. Brusquement, au nom de la sécurité, les autorités somment le cirque de partir et lui imposent un terrain vague en périphérie. Suite à une échauffourée, l’un des acrobates est arrêté et incarcéré pour outrage et rébellion. Circassiens et prisonniers se mettent alors en tête de réaliser une évasion spectaculaire, pleine d’ingéniosité et de rebondissements…
Dans une scénographie dynamique et sans paroles, Natchav - s’en aller, s’enfuir, en romani - mêle les deux univers fondamentalement opposés et en marge de la société : celui du cirque et celui de la prison. Entre manipulations à vue, ombres projetées, musique en direct jouée par deux musiciens et jeux de lumières, cette création originale est sur le fil entre réalisme et onirisme.
Acrobates, fauves, échauffourées et prisonniers se côtoient : un programme riche en suspense, rebondissements et... tentatives d’évasion !

La compagnie : Créée en 2009, Les ombres portées est une compagnie regroupant des personnalités issues de différents univers : musique, construction, dessin, scénographie, photographie... Constituée d’un noyau de cinq artistes et techniciens, elle regroupe suivant les projets une dizaine de membres. Elle propose des spectacles de théâtre d’ombres, sans paroles, avec une musique jouée en direct. Après Pekee-nuee-nuee et Les Somnambules, Natchav est la troisième création de la compagnie.




Profitez du circuit de bus mis en place par Tanéo gratuitement sur ce spectacle !

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Oscyl
Danse

Oscyl

Rencontre inédite entre sept danseurs et sept sculptures, Oscyl est un ballet ludique et inventif !

Pour cette nouvelle création, Héla Fattoumi et Eric Lamoureux ont conçu sept sculptures biomorphiques à échelle humaine.
Nommées « Oscyls », en lien avec leur capacité d’osciller et de s’animer en contact des danseurs, elles sont inspirées de la sculpture Entité Ailée de Hans Arp. Les danseurs permettent aux Oscyls de basculer, arpenter, tourbillonner, leur offrent un souffle, n’ayant ni fondation ni socle. Ils vont au contact et cherchent à inventer un langage, par le toucher. Chaque signal, chaque impulsion, chaque approche appelle une réaction qui provoque le dialogue. On ne sait plus qui déclenche et qui réagit, la relation devient étrange et inédite.

Semblables à des marionnettes, les Oscyls réagissent au mouvement, l’amplifient, le transforment, le déjouent et parfois le prolongent. Mais, si la marionnette répond précisément aux intentions de son « manipulateur », les Oscyls, eux, une fois lancées, semblent dotées d’une étrange autonomie. Une fois déclenchées, elles ont le pouvoir de dilater ou de comprimer le temps, entraînant les danseurs dans des danses réactives variant d’une grande délicatesse à une ivresse jubilatoire.

À la croisée de la danse, des arts plastiques, du théâtre d’objets, du théâtre de marionnettes, Oscyl est un spectacle de danse étonnant à découvrir en grande salle !

"Des sept danseurs, chacun entretient une relation spéciale avec « son » Oscyl. Douceur ou violence, intimité, proximité ou distance. On joue, on danse, on dort, on rêve et on se dispute avec ce partenaire aussi réel que fantasmé." Danser canal historique
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Petrouchka, pourquoi un zèbre est-il un zèbre ?
Danse

Petrouchka, pourquoi un zèbre est-il un zèbre ?

Une performance scénique dansée composée de sept danseurs et d’amateurs, chorégraphiée par Hervé Chaussard.

La relation ténue entre la musique et la danse est une constante dans le travail de The Will Corporation, qui puise dans sa bibliothèque musicale et sonore la source d’inspiration de sa danse. Dans leur nouvelle création, Petrouchka, pourquoi un zèbre est-il un zèbre ?, les danseurs explorent le lien amoureux, à travers une transposition d’un conte folklorique. On reconnaîtra par exemple la musique virtuose d’Igor Stravinsky et son morceau « Petrouchka ». The Will organisera des ateliers le jour précédant la représentation avec un groupe d’à peu près 17 danseurs amateurs nivernais, afin de créer cette représentation.

The Will Corporation, compagnie de danse contemporaine fondée en 2011, est implantée dans l’Yonne. La boite blanche 1.2.3.4. (2011), Plastique (2012), My favorite game (2013), Joy (2014), Vertigo (2015), The game (2016), Love Project (2017) et Mystik (2018) constituent les créations d’Hervé Chaussard, chorégraphe. La compagnie élabore des programmes multiples : Chroniques, une conférenceperformance sur les thèmes de la musique et de la danse ; Fantasy, électro gang aux expressions chorégraphiques pop ; Love Computer, bal moderne avec pour vecteur participatif le slow ; le concert dansé Fantasy Chansons d’amour ; Mystik Computer, expérience participative transcendantale. La danse, bien sûr, mais aussi les lumières, la musique, le stylisme et la scénographie constituent des éléments importants de leurs créations, dans le but de faire vivre un
univers fictionnel.

Hervé Chaussard, chorégraphe : Diplômé du Conservatoire National Supérieur de Paris, Hervé Chaussard a été l’interprète d’Angelin Preljocaj, Jean Albert Cartier, Sasha Waltz et Emanuel Gat. Il développe sa propre recherche et fonde la compagnie The Will en 2011. Depuis, plusieurs créations ont vu le jour. En 2014, il signe la chorégraphie de l’opéra Otello mis en scène par Walter Sutcliffe pour le théâtre Regio de Turin. En tant qu’Artiste Associé du Ballet Preljocaj, il crée les pièces Cha-cha (2017) et Willy (2018) pour les danseurs du Ballet Preljocaj Junior. Il propose de nombreux rendez-vous avec le public, des rencontres originales et participatives, conçues comme des matchs où deux équipes se font face, des bals modernes, des séances de méditations ludiques, des danses hors plateaux, des siestes sonores...
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Plaidoiries
Théâtre

Plaidoiries

Un acteur, six plaidoiries, six moments de vérité.

- À Bobigny, Gisèle Halimi défend l’avortement. Elle dénonce une loi obsolète qui empêche les femmes de disposer librement de leur corps.

- En 1976, c’est à la peine de mort que Paul Lombard s’attaque, en voulant éviter la peine capitale à Christian Ranucci.

- À Clichy-sous-Bois, Jean-Pierre Mignard défend les familles de Zyed Benna et Bouna Traoré, électrocutés dans un poste électrique pour avoir tenté d’échapper à un contrôle de police.

- En 2006, l’acte infanticide de Véronique Courjault lève le tabou du déni de grossesse.

- À Bordeaux, le procès de Maurice Papon revisite les heures sombres de l’histoire de France.

- En 2009, Philippe Lemaire défend l’épouse et les enfants du préfet Claude Érignac, assassiné à Ajaccio le 6 février 1998.

Les grandes affaires judiciaires ne sont jamais enregistrées. Les paroles s’effacent. Mais grâce au travail de reconstitution conduit par Matthieu Aron, les mots sont à nouveau prononcés. Incarnant les grandes fi gures du barreau, Richard Berry vous fait revivre ces grands procès qui révèlent des faits de société majeurs ayant marqué l’histoire judiciaire  de ces quarante dernières années.

Meilleure pièce de théâtre aux Globes de Cristal 2019

"Richard Berry est saisissant. Remarquable." Figaro Magazine
"Du Grand Art." L’Obs
"Une force incroyable." France Inter
"Merveilleux ! Richard Berry est tellement possédé, qu’on a l’impression qu’il est avocat." Canal +

Transport aller-retour gratuit (dans la limite des places disponibles et sur réservations) :
Château-Chinon > Châtillon-en-Bazois* > Saint-Benin-d'Azy* > La Maison
*Selon places disponibles

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Plus grand que moi
Théâtre

Plus grand que moi

Cassandre Archambault est née en 1986 à Paris 11e.
Cassandre Archambault est unique, comme tout le monde.

Comme tout le monde, Cassandre Archambault n’a choisi ni son nom, ni son sexe, ni son époque. Elle aimerait bien changer le monde mais elle ne sait pas par où commencer... Alors, pour y voir plus clair, elle enfourche sa bicyclette, et chaque nuit parcourt la Terre.
Plus grand que moi est un tableau impressionniste de notre époque via le portrait d’une jeune femme d’aujourd’hui qui interroge sa place dans le monde, ce qu’elle a d’unique et ce qui la relie aux autres. Dans une performance aussi physique que verbale, elle met en scène les multiples dimensions de notre existence, du loufoque au tragique. À travers la géographie de son propre corps qu’elle mesure sous nos yeux, ce sont nos petitesses et nos grandeurs quotidiennes qu’elle explore, nos aspirations, notre quête de sens.
Plus grand que moi est un questionnement existentiel joyeux sur le déterminisme et sur le libre arbitre, sur le mot liberté à l’échelle d’une vie. Entre destin individuel et horizon collectif, c’est une prise de mesure de la tension qui agite chacun. C’est un pied de nez à notre époque anxiogène et grimaçante, un pacte imaginaire passé avec les spectateurs pour affronter ensemble le fracas du monde. C’est aussi un voyage entre rêve et réalité, une parole impertinente sur l’émerveillement d’être au monde, tout pourri qu’il soit.


En partenariat avec la Communauté de Communes Bazois Loire Morvan et les communes de Decize et Brinay.

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Portavoz
Musique / Chant

Portavoz

Cette oeuvre collective met en voix et en musique la parole des enfants détenus au Mexique, entre oratorio et comédie musicale.

En 2004, à l’occasion de son spectacle Profession Voyageur joué à San Luis Potosi au Mexique, la compagnie Déviation rencontre les enfants de la prison El Consejo Tutelar. S’ensuivent des ateliers musique et théâtre avec vingt-trois adolescents de la prison, cinq semaines de répétitions et la création du spectacle Porque tengo ganas de llorar cuando estoy feliz. Tous ces témoignages sur l’enfermement, la solitude, l’adolescence en prison, la délinquance, la drogue, le manque et l’isolement conduisent à l’écriture et à la création du spectacle Pourquoi c’est toujours sur moi que ça tombe ? en 2006.
Lors d’une rencontre entre Alain Mignon, directeur artistique de Déviation, et Bruno Boutet, directeur musical de l’Orchestre d’Harmonie de Nevers, surgit le désir d’être à nouveau porte-parole des mots couchés sur le papier par les enfants de San Luis Potosi au Mexique. C’est ainsi qu’est venue l’idée de faire vivre ces paroles d’enfants détenus lors d’un oratorio contemporain, pour qu’elles deviennent universelles et résonnent autrement.
Composée par Horia Surianu, Paroles d’enfants détenus renforce les liens entre les structures culturelles du territoire Nivernais, avec la participation de l’Orchestre d’Harmonie de la Ville de Nevers, des percussionnistes de Déviation dirigés par Nicolas Zanlonghi et de la chorale des élèves du lycée Alain Colas. Alain Mignon mettra à disposition ses sculptures musicales et coordonnera l’ensemble du projet.
Un spectacle émouvant, à mi-chemin entre oratorio et comédie musicale.

"Ces paroles se reconnaissent toujours dans notre monde élargi. Elles deviennent universelles, défient le temps, résonnent autrement..." Alain Mignon
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Speakeasy
Cirque

Speakeasy

Cirque de gangsters et musique électro, Speakeasy mêle intelligemment danse, performance circassienne, esthétisme cinématographique et émotion.

Bienvenue dans les années 1930 !
Speakeasy nous plonge au coeur d’un bar clandestin américain au temps de la prohibition. En goguette, revolver à la main et cigare à la bouche, les circassiens de la compagnie The
Rat Pack détournent les codes du film noir avec malice et rendent un bel hommage aux temps muets du septième art.
Pour la petite histoire, Speakeasy est le nom que l’on donnait aux bars clandestins aux Etats-Unis pendant la prohibition. C’est de cet univers qu’est né le titre du spectacle. Outre l’exploration des films de gangsters qui les rassemblent, les six circassiens se passionnent pour toutes les techniques de la création cinématographique, détournées ici pour réinventer leur propre cirque. Ils sont acrobates, danseurs, font de la roue Cyr, du mât chinois ou encore du cerceau aérien et offrent, non sans malice, un spectacle scénarisé où l’on retrouve les codes et autres clichés du film noir. On croise ainsi un chef de la mafia, sa femme, son homme de main, une pin-up, un barman et un bandit, qui à mesure qu’ils apparaissent, transforment les éléments du décor. Les numéros et les disciplines circassiennes disparaissent ainsi pour laisser place à une joyeuse et impressionnante dynamique d’équipe en action permanente. Pour compléter cette démarche artistique singulière, ils ont pris le parti de faire appel au groupe français de hip-hop/électro français Chinese Man, qui puise son art dans toutes les cultures musicales, du dessin animé au cinéma. C’est ainsi qu’ils ont créé une bande son originale unique et parfaitement intégrée au rythme et aux mouvements des artistes.
Ne manquez pas de découvrir ce spectacle original !

« Maîtrise, classe et élégance. » Télématin
« Une intrigue aux rebondissements incessants. » Le Canard Enchaîné
« Les acrobaties sont époustouflantes. » JT M6
« Speakeasy renouvelle les arts de la piste. » Le Figaro
« L’impression d’être dans un film de gangsters. » TSF Jazz
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The Pajama Game
Comédie musicale

The Pajama Game

The Pajama Game, le plus grand succès de l’année 1954 à Broadway, fait peau neuve dans cette nouvelle version !

Les ouvriers de l’usine de pyjamas “Sleep-Tite” située à Cedar Rapids dans l’Iowa, se battent depuis des semaines pour une augmentation de 7 cents 1/2. La tension est au maximum quand le patron décide de nommer un jeune homme, Sid Sorokin, comme directeur exécutif. Mais Sid tombe amoureux de Babe Williams, la porte-parole du syndicat. Cette histoire d’amour impossible va presque faire fermer l’usine. Gladys, une secrétaire rusée, et Hines, le contrôleur des cadences qui est son fi ancé jaloux, vont permettre de trouver une issue au confl it.

Dès sa première en 1954, cette comédie musicale a connu un vrai succès aux Etats-Unis, avec plus de 1000 représentations. En l’adaptant aujourd’hui, la portée sociale de l’oeuvre et l’énergie des personnages entrent en résonance avec nos préoccupations actuelles. Gérard Lecointe, directeur musical, nous promet une version dynamique grâce à l’énergie des chanteurs, des danseurs et des musiciens, tout en respectant l’esprit de la partition originale. Les cadences, les objectifs de production et les méthodes d’encadrement sont mis en musique, les rapports de classes sont chorégraphiés et les ambitions personnelles chantées à tue-tête, dans un mélange détonnant d’énergie et d’ironie ! Car, comme il le dit : « jouer la musique ou la comédie tout en chantant, tout en dansant, et inversement, ou tout en même temps, c’est bien là l’esprit des comédies musicales que nous aimons ».
The Pajama Game nous surprend et nous prouve que la comédie musicale a un très vaste champ d’inspiration. Mais justement, c’est le génie de Broadway : savoir s’emparer de sujets d’actualité et les mettre en scène.

Ce spectacle a permis à une poignée de talents de faire leurs débuts dans une production importante de Broadway : Harold Prince comme producteur, Bob Fosse comme chorégraphe et les compositeurs et paroliers Jerry Ross et Richard Adler. Le metteur en scène George Abbott a écrit un livret très efficace à partir du roman de Richard Bissell 7 cents et demi. La partition de Adler et Ross regorge de thèmes qui sont devenus des standards. Les plus grands succès furent la ballade rêveuse Hey There, le tango Hernando’s Hideway et le jazzy Steam Heat. Ce spectacle qui multiplie les tubes a séduit la critique en 1954 et a connu une exploitation d’une durée exceptionnelle (1063 représentations). Depuis, quatre reprises ont été faites à Broadway, la plus récente en 2006. Warner tourna le film en 1967 avec l’équipe de concepteurs de Broadway, Stanley Donen
comme réalisateur et Doris Day dans le rôle de Babe.
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Verte
Théâtre / Conte

Verte

Quand une fille de sorcière voudrait juste être une enfant comme les autres... Un conte de fées des temps modernes, tendre et drôle.

Verte, 11 ans, a été élevée sans père.
Elle ne regarde plus sa mère avec admiration. Ursule, sa maman, veut qu’elle suive le chemin tout tracé qu’elle a décidé pour elle, qu’elle accepte sa destinée et les traditions familiales : Verte doit devenir sorcière ! Sauf que la jeune fi lle a le monde de la sorcellerie en horreur, et qu'elle déteste la façon dont sa mère utilise ses pouvoirs. Verte voudrait juste être « normale » et se fondre dans la masse. Se marier et être « comme tout le monde ». Elle ne veut pas devenir une « femme sorcière » comme sa mère et sa grand-mère. Mais elle doit faire face à la pression familiale. Elle est donc envoyée tous les mercredis chez Anastabotte, la grand-mère, pour qu’elle lui apprenne à devenir une grande sorcière...
Bourré d’humour et traversé de fi nes observations sur la pré-adolescence, ce roman de Marie Desplechin, presque un classique de la littérature jeunesse, pointe des questions fondamentales : qu'est-ce que faire partie d’une famille ? Quelle est la part de l’hérédité dans notre destin ? Mais aussi, comment se construire malgré son histoire familiale ? La metteuse en scène Léna Bréban aborde Verte de manière réaliste, épaulée par un solide quatuor d’acteurs. La petite fi lle se révélera-t-elle enfin ?

Le livre Verte a été sélectionné par le Ministère de l’Éducation Nationale, et a reçu le Prix Tam-Tam/J’aime lire décerné par le Salon de Montreuil en 1997. Verte a été nommé aux Molières 2019 dans la catégorie Jeune Public.

"Léna Bréban en fait un spectacle savoureux et tonique." Le Figaro
"Les quatre acteurs nous emportent sans effort. Une exubérance commune dans le jeu provoque des avalanches de rires chez les enfants – et ça rit beaucoup, on vous l’assure." Théâtre actu
"L’adaptation et la mise en scène du roman jeunesse de Marie ne manquent pas de qualités et d’humour." Télérama Sortir
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